Heimat / Wundliegen/ Das Werk von Harmens van Rijn Rembrandt. Kurze Biographie von Rembrandt und seinem Werk. Die berühmtesten Werke von Rembrandt. Kümmerte sich um meine eigenen Angelegenheiten

Das Werk von Harmens van Rijn Rembrandt. Kurze Biographie von Rembrandt und seinem Werk. Die berühmtesten Werke von Rembrandt. Kümmerte sich um meine eigenen Angelegenheiten

Das Werk des brillanten Rembrandt Harmenszoon van Rijn gehört zu den Höhepunkten der Weltmalerei. Die außergewöhnliche Breite des thematischen Spektrums, der tiefste Humanismus, der Werke inspiriert, die wahre Demokratie der Kunst, die ständige Suche nach den ausdrucksstärksten künstlerischen Mitteln, unübertroffenes Können gaben dem Künstler die Möglichkeit, die tiefsten und fortschrittlichsten Ideen der Zeit zu verkörpern. Die Farbgebung von Rembrandts Gemälden der Reife- und Spätzeit, aufgebaut auf einer Kombination aus warmen, dichten Tönen, irisierend mit feinsten Schattierungen, leicht, flatternd und konzentriert, wie von den Objekten selbst ausgestrahlt, tragen zur außergewöhnlichen Emotionalität seiner Werke bei. Besonderen Wert erhalten sie aber durch hohe, edle Gefühle, die den alltäglichen Dingen Poesie und erhabene Schönheit verleihen.

Der Lehrling und sein Tutor, 1629-1630, Getty Museum, Los Angeles, Kalifornien

Jeremia beklagt die Zerstörung Jerusalems, 1630, Rijksmuseum

Minerva, um 1631, Rijksmuseum, Berlin

Rembrandt malte historische, biblische, mythologische und alltägliche Gemälde, Porträts und Landschaften; Er war einer der größten Meister der Radierung und Zeichnung. Aber egal, mit welcher Technik Rembrandt arbeitete, im Mittelpunkt seiner Aufmerksamkeit stand immer der Mensch, mit seiner inneren Welt, seinen Erfahrungen. Rembrandt fand seine Helden oft unter den Vertretern der niederländischen Armen, in ihnen offenbarte er die besten Charaktereigenschaften, unerschöpflichen geistigen Reichtum. Der Künstler trug den Glauben an den Menschen durch sein ganzes Leben, seine Nöte und Prüfungen. Sie half ihm bis zu seinen letzten Tagen, Werke zu schaffen, die die besten Bestrebungen des niederländischen Volkes zum Ausdruck bringen.

Der Raub der Proserpina, um 1631, Gemäldegalerie, Dresden

Anatomieunterricht von Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, Den Haag

Der Raub der Europa, 1632, Getty Museum, Los Angeles

Rembrandt Harmenszoon van Rijn wurde 1606 in Leiden als Sohn eines Mühlenbesitzers geboren. Seine Lehrer waren Swannenburgh und später Lastman. Ab 1625 begann Rembrandt selbstständig zu arbeiten. Seine frühen Werke tragen Spuren des Einflusses von Lastman, manchmal Utrechter Maler, Anhänger von Caravaggio. Bald fand der junge Rembrandt seinen Weg, deutlich gekennzeichnet in Porträts, die hauptsächlich aus sich selbst und seinen Lieben bestanden. Bereits in diesen Werken wurde Hell-Dunkel für ihn zu einem der wichtigsten künstlerischen Ausdrucksmittel. Er studierte verschiedene Manifestationen von Charakteren, Gesichtsausdrücken, Gesichtsausdrücken, individuellen Merkmalen.

Daniel und der persische König Cyrus vor dem Baal-Idol, 1633, Getty Museum

Kriegsgöttin Bellona, 1633, Metropolitan Museum of Art, New York

Der Schiffbauer und seine Frau, 1633, Kunstgalerie, Buckingham Palace

1632 zog Rembrandt nach Amsterdam und erlangte mit dem Gemälde Die Anatomiestunde des Dr. Tulp (1632, Den Haag, Mauritshuis) sofort Berühmtheit. Im Wesentlichen ist dies ein großes Gruppenporträt von Ärzten, die Dr. Tulp umringten und seinen Erklärungen zu einer anatomischen Leiche aufmerksam zuhörten. Eine solche Konstruktion der Komposition ermöglichte es dem Künstler, die individuellen Züge jeder Porträtierten zu vermitteln und sie zu einer freien Gruppe mit einem allgemeinen Zustand von tiefem Interesse zu verbinden, um die Lebendigkeit der Situation zu betonen. Im Gegensatz zu den Gruppenporträts von Hals, wo jeder der Porträtierten eine gleichwertige Position einnimmt, sind in Rembrandts Malerei alle Figuren Tulpa psychologisch untergeordnet, deren Figur durch eine breite Silhouette und eine freie Handgeste hervorgehoben wird. Helles Licht bringt das Zentrum der Komposition zum Vorschein, trägt zum Eindruck von Gruppenruhe bei und steigert den Ausdruck.

Der Erfolg des ersten Bildes brachte dem Künstler viele Aufträge und mit ihnen Reichtum, der sich durch seine Heirat mit der Patrizierin Saskia van Uylenburgh vergrößerte. Rembrandt schreibt nacheinander große religiöse Kompositionen, wie die Opferung Abrahams (1635, St. Petersburg, Eremitage), voller Dynamik und Pathos, zeremonielle Porträts. Ihn faszinieren heroisch-dramatische Bilder, äußerlich spektakuläre Konstruktionen, prächtige Kostüme, Licht-Schatten-Kontraste und scharfe Winkel. Rembrandt stellt oft Saskia und sich selbst dar, jung, glücklich, voller Energie. Dies sind „Bildnis der Saskia“ (um 1634, Kassel, Gemäldegalerie), „Selbstbildnis“ (1634, Paris, Louvre), „Selbstbildnis mit Saskia auf den Knien“ (um 1636, Dresden, Gemäldegalerie). Rembrandt arbeitete viel auf dem Gebiet der Radierung, liebte Genremotive, Porträts, Landschaften und schuf eine ganze Reihe von Bildern von Vertretern der sozialen Unterschichten.

Judith beim Empfang von Holofernes (Gemälde früher bekannt als Artemisia), 1634, Prado-Museum, Madrid

Diana und Nymphen baden und erzählen Geschichten von Actaeon und Callisto, 1635, Museum Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburgh in arkadischer Tracht, 1635, National Gallery, London

Ende der 1630er Jahre zeigte sich die Vorliebe des Künstlers für realistische Bilder in großformatigen Gemälden. Das mythologische Thema in dem Gemälde Danae (1636, der größte Teil des Gemäldes wurde Mitte der 1640er Jahre neu gemalt, St. Petersburg, Eremitage) erhielt eine ungewöhnlich lebendige und überzeugende Lösung. Rembrandt lehnte gewalttätiges Pathos und äußere Einflüsse ab und strebte nach psychologischer Ausdruckskraft. Die warmen Farben sind satter geworden, das Licht spielt eine noch größere Rolle und verleiht der Arbeit eine besondere Beklommenheit und Spannung.

Mann in orientalischer Tracht, 1633, National Gallery, Washington

Der Unglaube des Apostels Thomas, 1634, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau

Samson bedroht seinen Schwiegervater, 1635, Rijksmuseum, Berlin

Mit der Vertiefung der realistischen Fähigkeiten des Künstlers wuchsen seine Meinungsverschiedenheiten mit der ihn umgebenden bürgerlich-patrizischen Umgebung. 1642 malte er im Auftrag einer Schützenkompanie ein großes Gemälde (3,87 x 5,02 m), das aufgrund der zeitweiligen Verdunklung der Farben später den Namen „Nachtwache“ erhielt (Amsterdam, Rijksmuseum). Anstelle des traditionellen Festmahls mit Porträts seiner Teilnehmer, bei dem jeder mit der ganzen Sorgfalt eines individuellen Merkmals dargestellt wird, wie es früher üblich war, stellte der Künstler die Leistung von Schützen bei einem Feldzug dar. Sie erheben das Banner, angeführt vom Hauptmann, und marschieren zum Klang einer Trommel über die breite Brücke in der Nähe des Zunftgebäudes. Ein ungewöhnlich heller Lichtkegel, der einzelne Figuren, die Gesichter der Prozessionsteilnehmer und ein kleines Mädchen mit einem Hahn um die Taille beleuchtet, als ob es sich durch die Reihen der Schützen bahnt, betont die Unerwartetheit, Dynamik und Spannung des Bildes. Die Bilder von mutigen Menschen, die von einem heroischen Impuls ergriffen werden, werden hier mit einem verallgemeinerten Bild des niederländischen Volkes kombiniert, das vom Bewusstsein der Einheit und dem Glauben an die eigene Stärke inspiriert ist. So erhält ein Gruppenporträt den Charakter einer Art Historienbild, in dem der Künstler die Gegenwart zu erfassen sucht. Rembrandt verkörpert seine Vorstellung von erhabenen bürgerlichen Idealen, von einem Volk, das sich erhoben hat, um für Freiheit und nationale Unabhängigkeit zu kämpfen. In den Jahren, in denen die inneren Widersprüche, die das Land spalteten, zunehmend offengelegt wurden, rief die Künstlerin zu bürgerlicher Leistung auf. Rembrandt versuchte, ein Bild des heroischen Holland zu schaffen, um den patriotischen Aufschwung seiner Bürger zu verherrlichen. Diese Vorstellung war seinen Kunden jedoch bereits weitgehend fremd.

In den 1640er Jahren wuchsen die Unterschiede zwischen dem Künstler und der bürgerlichen Gesellschaft. Dies wird durch schwierige Ereignisse in seinem persönlichen Leben, den Tod von Saskia, erleichtert. Aber zu dieser Zeit kam die Zeit der Reife in Rembrandts Werk. Die spektakulären dramatischen Szenen seiner frühen Gemälde werden durch die Poetisierung des Alltags ersetzt: Lyrische Handlungen werden vorherrschend, wie „Abschied Davids von Jonathan“ (1642), „Die heilige Familie“ (1645, beide Gemälde - St. Petersburg , die Eremitage), in der die Tiefe der menschlichen Gefühle mit einer überraschend subtilen und starken Inkarnation erobert. Es scheint, dass der Künstler in einfachen Alltagsszenen, in sparsamen und genau gefundenen Gesten und Bewegungen die Komplexität des spirituellen Lebens, den Gedankenfluss der Figuren offenbart. Er verlegt die Szene des Gemäldes „Die heilige Familie“ in ein armes Bauernhaus, wo der Vater als Zimmermann arbeitet und die junge Mutter sorgsam den Schlaf des Babys bewacht. Alles hier ist mit dem Hauch von Poesie bedeckt, betont die Stimmung der Stille, des Friedens, der Ruhe. Dies wird durch sanftes Licht erleichtert, das die Gesichter von Mutter und Baby in subtilsten Schattierungen von warmer Goldfarbe beleuchtet.

Christus und Maria Magdalena am Grab, 1638, Royal Collection, Windsor

Agatha Bass gegen ein Fenster, 1641, Kunstgalerie, Buckingham Palace

Prediger Cornelis Claes Anslo und seine Frau Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Museum Berlin-Dahlem

Bilder von Rembrandts grafischen Werken – Zeichnungen und Radierungen – sind von tiefer innerer Bedeutung. Besonders deutlich kommt der Demokratismus seiner Kunst in der Radierung „Christus heilt die Kranken“ (um 1649, „Ein Blatt von hundert Gulden“, so genannt wegen des hohen Auktionspreises) zum Ausdruck. Auffallend ist die eindringliche Interpretation der Bilder der Kranken und Leidenden, der Bettler und Armen, denen selbstgefällige, reich gekleidete Pharisäer gegenüberstehen. Seine Radierungen und Federzeichnungen, sowohl thematisch als auch landschaftlich, zeichnen sich durch einen echten monumentalen Umfang, malerische Wirkung, subtile und scharfe Hell-Dunkel-Kontraste und tonalen Reichtum aus.

Einen großen Platz in der Spätzeit nehmen einfache, aber Kompositionen ein, meist Generationenporträts von Verwandten und Freunden, in denen sich der Künstler darauf konzentriert, die geistige Welt der Porträtierten zu enthüllen. Immer wieder schreibt er an Hendrickje Stoffels und offenbart ihre geistige Güte und Freundlichkeit, Vornehmheit und Würde – so zum Beispiel „Hendrickje am Fenster“ (Berlin, Museum). Oft ist das Modell sein Sohn Titus, ein kränklicher, zerbrechlicher junger Mann mit einem sanften spirituellen Gesicht. Bei dem Porträt mit Buch (um 1656, Wien, Kunsthistorisches Museum) scheint das Bild von Sonnenstrahlen durchdrungen zu sein. Zu den eindringlichsten gehören das Porträt von Breuning (1652, Kassel, Galerie), ein junger Mann mit goldenem Haar und einem beweglichen Gesicht, das von innerem Licht erleuchtet wird, und ein Porträt des verschlossenen, traurigen Jan Six (1654, Amsterdam, Sammlung Six) , wie in Gedanken versunken, einen Handschuh anziehend.

Selbstbildnis mit Filzhut, 1642, Royal Collection, Windsor Castle, London

Toilette von Bathseba, 1643, Metropolitan Museum of Art, New York

Bildnis einer Dame mit gefalteten Händen (Hendrikje Stoffels?), um 1650, Royal Collection, London

Zu dieser Art von Porträts gehören auch späte Selbstporträts des Künstlers, die durch die Vielfalt psychologischer Merkmale auffallen, Ausdruck der schwer fassbaren Bewegungen der Seele. Das „Selbstbildnis“ des Wien Museums (um 1652) wurde mit edler Schlichtheit und Majestät ausgeführt; im „Selbstbildnis“ aus dem Louvre (1660) zeigt sich der Künstler nachdenklich, eindringlich traurig. Gleichzeitig entstand das Porträt einer alten Frau, der Frau ihres Bruders (1654, St. Petersburg, Hermitage), eine Porträtbiographie, die von einem hart gelebten Leben erzählt, von harten Tagen, die ihre beredten Spuren hinterlassen haben auf dem faltigen Gesicht und den müden Händen dieser überlebenden Frau. Indem der Künstler das Licht auf Gesicht und Hände konzentriert, lenkt er die Aufmerksamkeit des Betrachters auf diese und offenbart den spirituellen Reichtum und die Menschenwürde der Porträtierten. Fast alle diese Porträts sind keine Sonderanfertigungen: Jedes Jahr gibt es immer weniger Aufträge.

Das letzte Jahrzehnt ist die tragischste Zeit in Rembrandts Leben; Für zahlungsunfähig erklärt, lässt er sich im ärmsten Viertel von Amsterdam nieder, verliert seine besten Freunde und Lieben. Hendrickje und Sohn Titus sterben. Aber das Unglück, das ihm widerfuhr, konnte die Entwicklung des kreativen Genies des Künstlers nicht aufhalten. Die tiefsten und schönsten Werke wurden in dieser Zeit von ihm geschrieben. Das Gruppenporträt der „Sindiki“ (Älteste der Tuchgilde, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) rundet die Leistungen des Künstlers in diesem Genre ab. Seine Lebendigkeit liegt in der Tiefe und dem Charakter jedes Sujets, in der Natürlichkeit der Komposition, klar und ausgewogen, in der Geiz und Genauigkeit der Detailauswahl, in der Harmonie einer dezenten Farbgebung und zugleich bei der Schaffung eines ganzheitlichen Bildes einer Gruppe von Menschen, die durch die gemeinsamen Interessen, die sie schützen, vereint sind. Ein ungewöhnlicher Blickwinkel betont die Monumentalität des Bildes, die Bedeutung und Feierlichkeit des Geschehens.

Junge Frau, die Ohrringe anprobiert, 1657, Eremitage, St. Petersburg

Artaxerxes, Haman und Esther, 1660, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau

Familienporträt, 1668, Herzog Anton Ulrich Museum, Braunschweig

Auch einige großformatige thematische Gemälde des Meisters gehören in die Spätzeit: „Die Verschwörung des Julius Civilis“ (1661, Stockholm, Nationalmuseum), eine historische Komposition, die den Anführer des Stammes der Batav darstellt, die als Vorfahren galten der Niederlande, die im 1. Jahrhundert das Volk zum Aufstand gegen Rom aufriefen, sowie Gemälde zu biblischen Themen: „Artaxerxes, Haman und Esther“ (1660, Moskau, Puschkin-Museum). Die Handlung des biblischen Gleichnisses vom verlorenen Sohn zog den Künstler schon früher an, sie findet sich in einer seiner Radierungen wieder. Aber erst gegen Ende seines Lebens kam Rembrandt zu seiner tiefsten Offenbarung. Das Bild eines müden, reuevollen Mannes, der vor seinem Vater auf die Knie fiel, drückt den tragischen Weg der Erkenntnis des Lebens aus, und das Bild des Vaters, der dem verlorenen Sohn vergeben hat, verkörpert das höchste Glück, das einem Menschen zur Verfügung steht, die Grenze der Gefühle die das Herz füllen. Die Lösung dieser großformatigen Komposition ist verblüffend einfach, wo die Hauptfiguren von einem inneren Licht erleuchtet zu sein scheinen, wo die Geste der Hände des Vaters, der seinen Sohn wiedererlangt hat, seine unendliche Güte ausdrückt, und die herabhängende Figur eines Wanderers in schmutzigen Lumpen, der sich an seinen Vater klammert, drückt die ganze Kraft der Reue, die Tragödie des Suchens und der Verluste aus. Andere Charaktere treten in den Hintergrund, in den Halbschatten, und ihr Mitgefühl und ihre Nachdenklichkeit heben nur noch mehr hervor, als ob sie mit einem warmen Glühen väterliche Liebe und Vergebung erstrahlen lassen, die der große niederländische Künstler den Menschen wie ein Testament hinterlassen hat.

Der Einfluss von Rembrandts Kunst war enorm. Es wirkte sich nicht nur auf die Arbeit seiner unmittelbaren Schüler aus, von denen Karel Fabritius dem Verständnis des Lehrers am nächsten kam, sondern auch auf die Kunst aller mehr oder weniger bedeutenden niederländischen Künstler. Die Kunst von Rembrandt hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der gesamten realistischen Kunst der Welt in der Folge. Während der größte niederländische Künstler, der mit der bürgerlichen Gesellschaft in Konflikt geraten war, in Not starb, gelang es anderen Malern, die die Kunst der wahrheitsgemäßen Übermittlung des Dargestellten beherrschten, lebenslange Anerkennung und Wohlergehen zu erlangen. Viele von ihnen haben ihre Bemühungen auf das eine oder andere Genre der Malerei konzentriert und bedeutende Werke auf ihrem Gebiet geschaffen.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Niederlande: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) war ein niederländischer Künstler, Zeichner und Graveur, ein großer Meister des Hell-Dunkel, der größte Vertreter des goldenen Zeitalters der Niederlande Malerei. Es gelang ihm, in seinen Werken die ganze Bandbreite menschlicher Erfahrungen mit einem solchen emotionalen Reichtum zu verkörpern, den die bildende Kunst vor ihm nicht kannte. Rembrandts gattungsübergreifende Werke eröffnen dem Betrachter die zeitlose geistige Welt menschlicher Erfahrungen und Gefühle.

Rembrandt Harmenszoon ("Sohn von Harmen") van Rijn wurde am 15. Juli 1606 (nach einigen Quellen 1607) in einer großen Familie eines wohlhabenden Mühlenbesitzers Harmen Gerritszoon van Rijn in Leiden geboren. Die Familie der Mutter blieb auch nach der holländischen Revolution dem katholischen Glauben treu.

In Leiden besuchte Rembrandt die Lateinschule an der Universität, zeigte aber größtes Interesse an der Malerei. Im Alter von 13 Jahren wurde er zu dem Leidener Historienmaler Jacob van Swanenbürch, einem Katholiken, geschickt, um Kunst zu studieren. Rembrandts Werke aus dieser Zeit konnten von der Forschung nicht gefunden werden, sodass die Frage nach dem Einfluss von Swanenbürch auf die Entstehung von Rembrandts Schaffensweise offen bleibt: Über diesen Leidener Künstler ist heute zu wenig bekannt.

1623 studierte Rembrandt in Amsterdam bei Pieter Lastman, der in Italien ausgebildet und auf historische, mythologische und biblische Themen spezialisiert war. Als Rembrandt 1627 nach Leiden zurückkehrte, eröffnete er zusammen mit seinem Freund Jan Lievens eine eigene Werkstatt und begann, Studenten anzuwerben. Innerhalb weniger Jahre erlangte er große Popularität.

Lastmans Leidenschaft für Vielfarbigkeit und Details in der Ausführung hatte einen großen Einfluss auf den jungen Künstler. In seinen ersten erhaltenen Werken – „Die Steinigung von St. Stephen“ (1629), „A Scene from Ancient History“ (1626) und „The Baptism of a Eunuch“ (1626). Im Vergleich zu seinen reifen Werken sind sie ungewöhnlich farbenfroh, der Künstler bemüht sich, jedes Detail der materiellen Welt sorgfältig auszuschreiben, um die exotische Kulisse der biblischen Geschichte so genau wie möglich zu vermitteln. Nahezu alle Figuren erscheinen vor dem Betrachter in bizarren orientalischen Gewändern, die mit Juwelen glänzen, was eine Atmosphäre von Großmut, Pracht, Festlichkeit schafft („Allegorie der Musik“, 1626; „David vor Saul“, 1627).

Die letzten Werke dieser Zeit – „Tobit und Anna“, „Bileam und der Esel“ – spiegeln nicht nur die reiche Vorstellungskraft des Künstlers wider, sondern auch sein Bestreben, die dramatischen Erlebnisse seiner Helden so ausdrucksstark wie möglich zu vermitteln. Wie andere Meister des Barocks beginnt er die Bedeutung von scharf skulptiertem Hell-Dunkel für die Vermittlung von Emotionen zu begreifen. Seine Lehrer in Bezug auf die Arbeit mit Licht waren die Utrechter Karawanzen, aber noch mehr orientierte er sich an den Werken von Adam Elsheimer, einem Deutschen, der in Italien arbeitete. Die karavaggistischsten Gemälde von Rembrandt sind „Das Gleichnis vom dummen reichen Mann“ (1627), „Simeon und Anna im Tempel“ (1628), „Christus in Emmaus“ (1629).

Angrenzend an diese Gruppe befindet sich das Gemälde Der Künstler in seinem Atelier (1628; möglicherweise handelt es sich um ein Selbstporträt), auf dem sich der Künstler im Moment der Betrachtung seines eigenen Schaffens im Atelier festgehalten hat. Die zu bearbeitende Leinwand wird in den Vordergrund des Bildes gerückt; im Vergleich zu ihm wirkt der Autor selbst wie ein Zwerg.

Eines der ungelösten Probleme in Rembrandts Schaffensbiografie ist seine künstlerische Überschneidung mit Lievens. Sie arbeiteten Seite an Seite und beschäftigten sich mehr als einmal mit demselben Thema, wie z. B. Samson und Delilah (1628/1629) oder Die Auferstehung des Lazarus (1631). Teils zog es beide zu Rubens, der damals als bester Künstler Europas galt, mal entlehnte sich Rembrandt die künstlerischen Funde von Livens, mal war es genau umgekehrt. Aus diesem Grund bereitet die Unterscheidung zwischen den Werken von Rembrandt und Lievens von 1628-1632 Kunsthistorikern gewisse Schwierigkeiten. Zu seinen anderen berühmten Werken gehört „Walaams Esel“ (1626).

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Die meisten Frauenbilder auf Rembrandts Leinwänden aus der Zeit von 1934 bis 1942 stammen von der geliebten Frau des Künstlers, Saskia van Uylenbürch. Auf dem Bild der antiken Frühlingsgöttin Flora hat der Meister Saskia dreimal porträtiert - das Porträt, das wir in Betracht ziehen, wurde im Jahr ihrer Hochzeit geschaffen - es ist mit bloßem Auge zu sehen, dass Rembrandt seine Frau vergötterte, sie bewunderte und stellte all seine Zärtlichkeit in die malerische Schöpfung.

Saskia war zum Zeitpunkt ihrer Heirat 22 Jahre alt, mit 17 Jahren blieb sie Vollwaise. Ein Zufall brachte sie zu ihrem zukünftigen Ehemann – sie kam nach Amsterdam, um ihre Cousine, die Frau des Predigers Johann Cornelis Silvius, zu besuchen, die mit Rembrandt vertraut war. Die Hochzeit fand am 10. Juni 1634 statt. 1942 – nur ein Jahr nach der Geburt des lang ersehnten Sohnes Titus – starb Saskia.

Flora-Saskia ist die Verkörperung von Jugend, Frische und Keuschheit, so viel charmante Schüchternheit und mädchenhafte Frische steckt in ihrem Auftreten. Rembrandt hat in diesem Bild pastorales und historisches Porträt gekonnt kombiniert. Von den drei von seiner Frau gemalten Flores (die beiden anderen Gemälde entstanden 1935 und 1941) bezieht sich das erste vor allem auf die Antike, die beiden anderen Porträts deuten den Mythos nur in kaum wahrnehmbaren Details an.

2. "Danae" (1633-1647). Eremitage, St. Petersburg

Auch wenn Sie nichts über Rembrandt wissen und sich überhaupt nicht für Malerei interessieren, ist Ihnen dieses Bild bestimmt bekannt. Die in der St. Petersburger Eremitage aufbewahrte Leinwand ging 1985 fast unwiederbringlich verloren, weil ein Vandale sie mit Schwefelsäure übergoss und die Leinwand dann mit einem Messer zerschnitt.
Das Gemälde, das ein nacktes Mädchen zeigt, das in den Strahlen überirdischen Lichts auf einem Bett liegt, wurde von Rembrandt für sein Zuhause gemalt - der bekannte antike griechische Mythos über die schöne Danae, die zukünftige Mutter der Gewinnerin Medusa Perseus, und Zeus The Thunderer wurde als Handlung ausgewählt. Das bloße Erscheinen von Danae stellte Kreativitätsforscher vor ein Rätsel, das sie erst kürzlich lösen konnten: Es ist bekannt, dass Rembrandts Modell seine Frau Saskia van Uilenbürch war, aber die uns überlieferte Danae ist überhaupt nicht wie die des Künstlers Ehefrau. Eine Röntgenuntersuchung der Leinwand zeigte, dass Rembrandt Danae's Gesicht nach dem Tod seiner Frau teilweise umschrieb – und es aussehen ließ wie das Gesicht seiner zweiten Geliebten, dem Kindermädchen seines Sohnes Titus Gertier Dirks. Amor, der über Danae schwebte, sah zunächst auch anders aus - der geflügelte Gott lachte und in der endgültigen Version erstarrte das Leiden auf seinem Gesicht.
Nach dem Angriff auf das Gemälde im Jahr 1985 dauerte es 12 Jahre, um es zu restaurieren. Der Verlust der Malerei betrug 27%, die besten Meister arbeiteten an der Restaurierung von Rembrandts Meisterwerk – aber es gab keine Erfolgsgarantien. Glücklicherweise konnte die Leinwand noch gerettet werden, jetzt ist das Bild zuverlässig durch Panzerglas geschützt.

3. "Nachtwache", (1642). Rijksmuseum - Nationalmuseum von Amsterdam

Die kolossale, fast vier Meter hohe Leinwand wurde in der Karriere ihres Schöpfers wirklich fatal. Der korrekte Name des Gemäldes lautet „Rede der Schützenkompanie von Hauptmann Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“. Sie wurde zur "Nachtwache", nachdem sie zwei Jahrhunderte lang vergessen von Kunsthistorikern entdeckt wurde. Es wurde entschieden, dass das Gemälde Musketiere während eines Nachtdienstes darstellte - und erst nach der Restaurierung stellte sich heraus, dass eine völlig andere Originalfarbe unter einer Rußschicht verborgen war - die Schatten sprechen beredt darüber - die Handlung auf der Leinwand findet um 2 Uhr statt Uhr nachmittags.
Die Arbeit wurde Rembrandt von der Shooting Society, einer Abteilung der Zivilmiliz der Niederlande, in Auftrag gegeben. Ein Gruppenporträt von sechs Kompanien sollte das neue Gebäude der Gesellschaft schmücken – Rembrandt wurde gebeten, die Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock zu malen. Vom Künstler wurde ein traditionelles, formelles Porträt erwartet – alle Charaktere in einer Reihe – er entschied sich jedoch, die Musketiere in Bewegung darzustellen. Die mutige Komposition, bei der jede Figur so dynamisch wie möglich ist, fand beim Kunden kein Verständnis - die Unzufriedenheit wurde dadurch verursacht, dass eine der Figuren deutlich sichtbar war und jemand im Hintergrund war. "Nachtwache" brach Rembrandts Karriere buchstäblich ab - nach diesem Bild wandten sich die ständig reichen Kunden von dem Maler ab, und die Art seines Schreibens änderte sich dramatisch.
Übrigens ist das Schicksal dieser Leinwand nicht weniger tragisch als das von Danae. Zunächst wurde es im 18. Jahrhundert völlig barbarisch abgeschnitten, um in die neue Halle der Schützengesellschaft zu passen. So verschwanden die Musketiere Jacob Dirksen de Rooy und Jan Brugman von der Bildfläche. Glücklicherweise ist eine Kopie der Originalleinwand erhalten geblieben. „Nachtwache“ überlebte dreimal den Angriff von Vandalen: Beim ersten Mal wurde ein großes Stück Leinwand ausgeschnitten, beim zweiten Mal wurde das Gemälde 10 Mal niedergestochen und beim dritten Mal wurde es mit Schwefelsäure übergossen.
Jetzt wird die Leinwand im Rijksmuseum - dem Nationalmuseum von Amsterdam - aufbewahrt. Sie können dieses Bild viele Stunden betrachten - alle Charaktere sind so detailliert auf eine riesige Leinwand geschrieben, beide "maßgefertigt" (eigentlich Musketiere - es gibt 18 von ihnen) und von Rembrandt nach eigenem Ermessen hinzugefügt ( 16 Figuren, die mysteriöseste - ein kleines Mädchen anstelle des "Goldenen Schnitts" des Bildes)

4. "Der verlorene Sohn im Wirtshaus" (1635 (1635). Dresdner Galerie

Dieses Selbstporträt des Künstlers mit seiner geliebten Frau Saskia auf den Knien wird in der Galerie Alte Meister in Dresden (alias Dresdner Galerie) aufbewahrt. Es besteht kein Zweifel, dass der Künstler dieses Bild absolut glücklich gemalt hat. In dieser Zeit seines Lebens arbeitete Rembrandt hart und fruchtbar, war beliebt, erhielt hohe Honorare für seine Arbeit, zu seinen Kunden gehörten berühmte und wohlhabende Leute. Der Meister hat die Handlung aus dem Lukas-Evangelium im Zeitgeist umgearbeitet - der verlorene Sohn trägt ein Leibchen und einen breitkrempigen Hut mit Feder, die Hure auf seinen Knien ist ebenfalls nach damaliger Mode gekleidet. Übrigens ist dies das einzige gemalte Selbstporträt des Künstlers zusammen mit seiner Frau - ein weiteres Bild von ihm und Saskia im selben malerischen Raum, das Rembrandt 1638 in der Technik des Stichs geschaffen hat. Trotz des allgemein fröhlichen Tons des Bildes hat der Autor nicht vergessen, Sie daran zu erinnern, dass Sie früher oder später für alles in diesem Leben bezahlen müssen - die Tafel im Hintergrund spricht beredt darüber, wo die Nachtschwärmer sehr bald in Rechnung gestellt werden . Hätte Rembrandt ahnen können, wie groß seine eigene Rache für sein Talent sein würde?

5. "Die Rückkehr des verlorenen Sohnes" (1666-1669). Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Dies ist das größte Gemälde von Rembrandt zu einem religiösen Thema. Das semantische Zentrum des Bildes wird stark zur Seite verschoben, die Hauptfiguren werden mit Licht hervorgehoben, die restlichen Zeichen werden mit einem Schatten bedeckt, was ein Versehen beim Lesen des Bildes unmöglich macht. Übrigens sind alle Leinwände von Rembrandt durch ein wichtiges Detail vereint - mit der allgemeinen Klarheit der Haupthandlung gibt es in jedem Bild Rätsel, die Kunstkritiker nicht lösen können. Wie das Mädchen aus Die Nachtwache hat The Return of the Prodigal Son Charaktere, die in Mysterien gehüllt sind. Es gibt vier von ihnen - jemand nennt sie bedingt "Brüder und Schwestern" des Protagonisten. Einige Forscher interpretieren die weibliche Figur hinter der Säule als zweiten, gehorsamen Sohn – obwohl diese Rolle traditionell einem Mann im Vordergrund zugewiesen wird. Dieser bärtige Mann mit Stab in der Hand wirft nicht weniger Fragen auf - im Lukasevangelium kam ein Dekansbruder seinem verlorenen Verwandten direkt vom Feld entgegengelaufen, und hier ist es eher ein edler Wanderer, vielleicht sogar der Ewiger Jude. Übrigens ist es möglich, dass Rembrandt sich auf diese Weise porträtiert hat - Selbstporträts sind, wie Sie wissen, in seinen Gemälden keine Seltenheit.

Am 15. Juli 1606 wurde der größte niederländische Maler Rembrandt Harmenszoon van Rijn geboren.
Der spätere Reformator der bildenden Kunst wurde in die Familie eines wohlhabenden Müllers in Leiden hineingeboren. Schon in früher Kindheit zeigte der Junge Interesse an der Malerei, so dass er im Alter von 13 Jahren als Lehrling zum Leidener Künstler Jacob van Swanenbürch geschickt wurde. Rembrandt studierte später bei dem Amsterdamer Maler Pieter Lastman, der sich auf historische, mythologische und biblische Themen spezialisierte.

Bereits 1627 gelang es Rembrandt gemeinsam mit seinem Freund Jan Lievens, eine eigene Werkstatt zu eröffnen – der junge Maler, kaum 20 Jahre alt, begann selbst Studenten zu werben.

Bereits in den frühen Werken von Rembrandt beginnt sich ein besonderer Bildstil herauszubilden - der Künstler versucht, seine Figuren so emotional wie möglich auszuschreiben, buchstäblich jeder Zentimeter der Leinwand ist mit Dramatik gefüllt. Gleich zu Beginn der Reise erkannte der zukünftige unübertroffene Meister der Arbeit mit Hell-Dunkel die Kraft dieser Technik, um Emotionen zu vermitteln.

1631 zog Rembrandt nach Amsterdam, wo er äußerst begeistert aufgenommen wurde, Kunstkenner verglichen die Malweise des jungen Künstlers mit den Werken von Rubens selbst – Rembrandt orientierte sich übrigens gerne an vielen der Ästhetiken dieses Künstlers.

Die Schaffenszeit in der niederländischen Hauptstadt ist zu einem Meilenstein für das Porträtgenre in Rembrandts Werk geworden – hier malt der Meister viele Studien von Frauen- und Männerköpfen, arbeitet sorgfältig jedes Detail aus und erfasst alle Feinheiten der Mimik eines menschliches Gesicht. Der Künstler malt wohlhabende Bürger – sein Ruhm verbreitet sich schnell und wird zum Schlüssel zum kommerziellen Erfolg – und arbeitet auch viel an Selbstporträts.

Das Schicksal von Rembrandt – sowohl persönlich als auch kreativ – war nicht einfach. Schon früh von Ruhm und Erfolg gestreichelt, verlor der talentierte Maler plötzlich auch wohlhabende Kunden, die den revolutionären Mut seiner Arbeit nicht erkannten. Rembrandts Vermächtnis wurde erst zwei Jahrhunderte später wirklich gewürdigt - im 19. Jahrhundert ließen sich realistische Künstler von den Leinwänden dieses Meisters inspirieren, einem der hellsten Vertreter des goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Selbstporträt im Alter von 54 Jahren - Rembrandt. 1660. Öl auf Leinwand. 80,3 x 67,3. metropolitan Museum

Selbstportrait

Bilder des großen Meisters sind in den größten Museen der Welt zu sehen. Wir können sagen, dass er heute einer der berühmtesten Künstler der Welt ist, dessen Name sogar denen bekannt ist, die seine Leinwände noch nie gesehen haben.

Zu seinen Lebzeiten erlebte er sowohl Popularität als auch große Liebe und eine schreckliche Tragödie. So schrecklich, dass man sagen kann: "Er hat zu Lebzeiten für alle möglichen Sünden gesühnt."

Der Künstler Rembrandt Harmenszoon van Rijn wurde 1606 in der Stadt Leiden (Holland) in der Familie eines einfachen Bäckers geboren. Der Wunsch zu zeichnen (damals noch zu zeichnen) tauchte beim zukünftigen Meister in früher Kindheit auf. Als Teenager ließ sich Rembrandt in Amsterdam nieder und nahm Unterricht bei dem berühmten Maler Lastman. Es muss gesagt werden, dass die Ausbildung nur von kurzer Dauer war – im Alter von 19 Jahren kehrte der junge Künstler in seine Geburtsstadt zurück.

Es gibt noch keine Aufträge, und Rembrandt malt Porträts von Verwandten und Bekannten, widmet viel Zeit Selbstporträts.

Eines Tages gibt die Guild of Surgeons ein Gemälde bei einem jungen Künstler in Auftrag. Warum die Gilde der Chirurgen eine künstlerische Leinwand brauchte - ich weiß es nicht. Es ist jedoch zuverlässig bekannt, dass als Ergebnis dieser Bestellung das Gemälde "Anatomy Lesson" erschien. Die Leinwand wurde öffentlich ausgestellt und Rembrandt wurde über Nacht populär – er wurde buchstäblich mit Aufträgen bombardiert.

Seine Popularität und natürlich sein Wohlbefinden wachsen - ein schickes Haus erscheint, der Künstler beginnt, Antiquitäten und Gemälde alter Meister zu sammeln. Und sehr bald heiratet Rembrandt Van Rijn ein Mädchen aus einer sehr wohlhabenden Familie namens Saskia. Warum habe ich Ihre Aufmerksamkeit auf „aus einer sehr wohlhabenden Familie“ gerichtet? Jemand hat ein Gerücht verbreitet, dass der Künstler Geld geheiratet hat ... Und das ist eine Lüge! Rembrandt verehrte seine Saskia, sie war seine Muse und Freundin. Die Mitgift der Braut hat der Künstler nicht verschwendet, sondern erheblich erhöht. In dieser Zeit des glücklichen Familienlebens erschienen die berühmtesten Gemälde - die Popularität des Künstlers wuchs und es schien, als würde das Glück kein Ende nehmen.

Acht Jahre glückliche Ehe...

Und dann stirbt seine geliebte Frau an Tuberkulose. Zu dieser Zeit schrieb Rembrandt „Nachtwache“ und in Erinnerung an Saskia platzierte er ihr Bild auf der Leinwand. Ein riesiger Skandal brach aus - der Kunde war unzufrieden damit, dass „fremde“ Gesichter auf dem Bild erschienen. Experten streiten immer noch über die Gründe für die Unzufriedenheit der Kunden und die anschließende Abkühlung der Öffentlichkeit gegenüber der Arbeit des großen Niederländers. Aber die Tatsache bleibt.

Es gibt immer weniger Aufträge, der Künstler muss sein Haus verkaufen, sein gesamter Besitz kommt unter den Hammer. Aber Rembrandt Van Rijn kann nicht anders, als zu schaffen – er malt gewöhnliche Menschen, seine Bilder sind mit einer anderen philosophischen Bedeutung gefüllt. In dieser Zeit erschienen solche Werke wie: „Porträt eines alten Mannes in Rot“, „Porträt des Sohnes von Titus beim Lesen“, „Rückkehr des verlorenen Sohnes“ und andere.

In seinem Privatleben tauchte eine andere Frau auf, mit der er nicht verheiratet war und die er begrub, dann gab es eine sehr junge Muse, die leider auch Rembrandt überlebte. Wir können sagen, dass sich der Tod im Haus niedergelassen hat ... Die letzten Jahre seines Lebens waren überhaupt nicht einfach und freudlos. Nach dem Tod seines geliebten Sohnes starb 1669 auch der Künstler.

Heute kann man sich kaum noch vorstellen, wie die Gemälde des großen Rembrandt aussahen – Hunderte von Jahren sind vergangen: Ruß, Temperatur, sehr oft gar nicht sorgsamer Umgang haben ihren Dienst getan. Wir können nur erahnen, wie sie, diese großen Leinwände, zur Zeit ihrer Geburt aussahen. Aber auch heute noch kommen Millionen von Fans in Museen, um die großartigen Werke des Künstlers zu bewundern.

Aus offensichtlichen Gründen kann ich nicht über alle Gemälde des Künstlers sprechen. Nur über die berühmtesten.

Gemälde von Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Rembrandt Harmenszoon van Rijn)

Danae

Das Gemälde stammt aus den Jahren 1636-1647 und befindet sich derzeit in der Sammlung der Hermitage.

Danae wurde von Rembrandt basierend auf einem der Mythen des antiken Griechenlands über die Mutter von Perseus - Danae - geschrieben.

Zufällig erfuhr der König der Stadt Argos von einer schrecklichen Prophezeiung - seine Tochter Danae würde einen Sohn haben, der seinen Großvater töten würde. Der König sperrte seine Tochter in einen Kerker und wies ihr eine Magd zu und verbot Außenstehenden, sich den Gefängnistüren auch nur zu nähern. Aber Zeus verwandelte sich in einen goldenen Regen und betrat das Gefängnis. Neun Monate später brachte Danae Perseus zur Welt.

Jüdische Braut

Die jüdische Braut ist eines der geheimnisvollsten Gemälde. Es wurde vom Künstler in seinen letzten Lebensjahren gemalt und der Name (den wir heute kennen) wurde dieser Leinwand nicht vom Autor gegeben, sondern von einem Sammler aus Amsterdam namens Van der Noor, der glaubte, dass das Gemälde a darstellt Vater, der seiner jüdischen Tochter eine Halskette zur Hochzeit schenkt.

Es ist anzunehmen, dass Rembrandt dieses Gemälde auf Bestellung gemalt hat. Die Kleidung der Charaktere ist den biblischen sehr ähnlich, da es selbst verschiedene Möglichkeiten gab. Die interessantesten und überzeugendsten können "Isaak und Rebekka" genannt werden. Tatsache ist, dass die Zeichnung des Künstlers mit einer sehr ähnlichen Zusammensetzung und dem entsprechenden Namen bekannt ist. Es kann gut sein, dass dies eine Skizze eines zukünftigen Gemäldes ist.

Untersuchungen des Gemäldes zeigten, dass das Gemälde zunächst Details darstellte, die später einfach übermalt wurden. So befand sich beispielsweise in den Händen eines Mädchens ein Blumenkorb.

Die Nachtwache

Unter diesem Namen wurde dieses Gemälde weltberühmt. Und ursprünglich hieß das Bild "Rede der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenbürg". Das Datum der Niederschrift ist 1642.

Rembrandt malte das Gemälde im Auftrag des Schützenvereins – die Soldaten beschlossen, die neue Kaserne mit Kompanienportraits auszustatten und Rembrandt bekam den Auftrag für ein Gruppenportrait einer der sechs Kompanien.

Und dieses Gemälde verursachte einen riesigen Skandal. Einen Grund habe ich oben genannt. Aber da war noch eine Sache – das Unternehmen wurde in Bewegung gesetzt, was einfach eine unglaubliche Innovation war. Die Kunden haben mit einer statischen Paradekomposition gerechnet, aber sie haben sie bekommen - der Kapitän gibt das Kommando und die Kompanie setzt sich in Bewegung, der Trommler schlägt die Trommel, das Banner entwickelt sich, der Hund bellt, der verängstigte Junge rennt davon. Und auch auf der Leinwand waren Charaktere, die nicht in der Firma gedient haben ...

Die Kunden nahmen das Bild, zerschnitten es auf rücksichtslosste Weise und hängten es im Speisesaal auf. Das Gemälde wanderte dann durch die Hallen und wurde Ende des 19. Jahrhunderts entdeckt. Da tapfere Soldaten vor dunklem Hintergrund schritten, erhielt die unbekannte Leinwand den Namen „Nachtwache“.

1947 wurde die Leinwand restauriert, und dann stellte sich heraus, dass die Uhr mehr Tag als Nacht war - nachdem die Rußschicht von der Leinwand entfernt wurde, wurde die Nacht zum Tag und die Zeit wurde aus den Schatten bestimmt - 14: 00 Uhr nachmittags. Nicht mehr.

Rückkehr des verlorenen Sohnes

Das Bild entstand in den letzten Lebensjahren des Künstlers. Derzeit ist die Leinwand in der Eremitage zu sehen.

In Rembrandts Gemälde sehen wir die Schlussszene des Gleichnisses vom verlorenen Sohn.

„und als er noch weit entfernt war, sah ihn sein Vater und hatte Mitleid: und fiel ihm rennend um den Hals und küsste ihn“, und der ältere (gerechte) Sohn, der bei seinem Vater blieb, wurde wütend und wollte nicht aufzukommen.

Der verlorene Sohn in der Taverne

Das Gemälde zeigt Rembrandt selbst und seine Frau Saskia.

Die Leinwand wurde in der glücklichsten Zeit des Lebens des Künstlers gemalt - er hat eine geliebte Frau, er ist reich und beliebt.

Nach der vorliegenden Version waren noch andere Figuren auf dem Bild, aber später „entledigte“ sich der Künstler aller Außenseiter und die Leinwand verwandelte sich in ein Porträt einer glücklichen Familie.

Die Handlung des Bildes entspricht der Geschichte aus dem Lukasevangelium

Nach einigen Tagen ging der jüngste Sohn, nachdem er alles gesammelt hatte, in ein fernes Land und verschwendete dort sein Vermögen und lebte ausschweifend.

Auf dem Bild sehen wir Rembrandt als den ausschweifenden verlorenen Sohn – mit Schwert, Hut mit Feder, ein Kristallglas Wein erhebend. Und auf seinen Knien sitzt eine Hure – Saskias geliebte Frau. Auf dem Tisch steht ein Symbol der Eitelkeit - ein Teller mit einem Pfau.

Und an der Wand hängt eine Schiefertafel, als Symbol dafür, dass die Rechnung bereits ausgestellt wurde und bezahlt werden muss.

Fest des Belsazar

Das Gemälde „Das Fest des Belsazar“ wurde 1635 von Rembrandt Harmenszom van Rijn zum Thema der biblischen Geschichte aus dem Buch des Propheten Daniel gemalt. Der Künstler malte dieses Bild zwei Jahre lang. Das Fest des Belsazar befindet sich derzeit in der London National Gallery.

Nach dem alttestamentlichen Buch des Propheten Daniel bestieg nach dem Tod des babylonischen Königs Nabonidus der Sohn des Verstorbenen Belsazar den Thron. Anlässlich der Thronbesteigung Belsazars wurde im königlichen Palast ein großzügiges Fest veranstaltet, das viele Tage dauerte. Und während der neue Herrscher von Babylon feierte, näherten sich die Truppen der Perser und der Meder den Mauern der Stadt.

Aber Belshazzar achtete nicht auf die Belagerung und feierte weiter. So kam es, dass für all die zahlreichen Gäste des Festes nicht genug Geschirr vorhanden war und der neue König befahl, goldene Ritualinstrumente zu bringen, die von Nebukadnezar nach Babylon geliefert worden waren, der diese Instrumente in einem der geplünderten Tempel in Jerusalem „beschafft“ hatte .

Und dann erschien an einer der Wände eine menschliche Hand, die anfing, feurige Buchstaben zu zeichnen ...

Als sich der König und die Gäste von ihrem Schrecken erholt hatten, rief Belsazar die Weisen, Propheten, Wahrsager und Hexenmeister zu sich und befahl ihnen, die feurige Botschaft zu entziffern. Aber die Weisen, die in die königlichen Gemächer eingeladen wurden, waren machtlos. Dann riet die Mutter des Königs ihrem Sohn, einen Wahrsager namens Daniel einzuladen. Und Daniel gelang es, die mysteriöse feurige Botschaft zu entschlüsseln:

MENE, MENE, TEKEL, UPARSIN

Der Wahrsager sagte dem König, dass Belsazar für Taten, die Gott widersprechen, und die Schändung von Schreinen bestraft werden würde: Belsazar würde getötet und sein Königreich von den Persern und Medern erobert werden.

In derselben Nacht fiel Babylon und der chaldäische König Belsazar wurde tot aufgefunden.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn ist der berühmteste Maler, Radierer und Zeichner des „Goldenen Zeitalters“. Allgemeine Anerkennung und Ruhm, Abstieg und Armut – so lässt sich die Biografie des großen Kunstgenies charakterisieren. Rembrandt versuchte, die Seele eines Menschen durch Porträts zu vermitteln; Gerüchte und Vermutungen kursieren noch immer über viele der geheimnisvollen Werke des Künstlers.

Der Beginn des 17. Jahrhunderts verlief ruhig für den niederländischen Staat, der zur Zeit der Revolution als Republik seine Unabhängigkeit erlangte. Im Land entwickelten sich Industrieproduktion, Landwirtschaft und Handel.

In der antiken Stadt Leidin in der Provinz Südholland verbrachte der am 15. Juli 1607 geborene Rembrandt seine Kindheit in einem Haus am Wedeshteg.

Der Junge wuchs in einer großen Familie auf, in der er das sechste Kind war. Der Vater des späteren Künstlers Harmen van Rijn war ein wohlhabender Mann, der eine Mühle und eine Mälzerei besaß. Van Rein hatte unter anderem zwei weitere Häuser in seinem Besitz, außerdem erhielt er von seiner Frau Cornelia Neltier eine bedeutende Mitgift, sodass die große Familie im Überfluss lebte. Die Mutter des zukünftigen Künstlers war die Tochter eines Bäckers und kochte versiert, sodass der Familientisch mit köstlichen Gerichten übersät war.

Trotz ihres Reichtums lebte die Familie Harmen bescheiden und hielt sich an strenge katholische Regeln. Die Eltern des Künstlers änderten auch nach der holländischen Revolution ihre Einstellung zum Glauben nicht.

Selbstporträt von Rembrandt mit 23

Rembrandt war sein ganzes Leben lang freundlich zu seiner Mutter. Dies kommt in einem 1639 gemalten Porträt zum Ausdruck, das eine weise alte Frau mit freundlichem und leicht traurigem Blick zeigt.

Die Familie war gesellschaftlichen Ereignissen und dem luxuriösen Leben wohlhabender Menschen fremd. Es ist anzunehmen, dass sich die van Rijns abends um den Tisch versammelten und Bücher und die Bibel lasen: Das taten die meisten Niederländer im Goldenen Zeitalter.

Die Windmühle von Harmen befand sich am Rheinufer: Vor dem Blick des Jungen öffnete sich eine wunderschöne Landschaft eines azurblauen Flusses, der von den Sonnenstrahlen beleuchtet wird, die durch ein kleines Fenster des Gebäudes dringen und vorbeiziehen durch die Nebel von Mehlstaub. Vielleicht hat der zukünftige Künstler aufgrund von Kindheitserinnerungen gelernt, Farben, Licht und Schatten gekonnt zu beherrschen.

Als Kind wuchs Rembrandt als aufmerksamer Junge auf. Die Freiflächen der Straßen von Leidin boten Inspirationsquellen: Auf den Handelsmärkten konnte man unterschiedliche Menschen verschiedener Nationalitäten treffen und lernen, wie man ihre Gesichter auf Papier zeichnet.

Zunächst ging der Junge auf eine Lateinschule, interessierte sich aber nicht für ein Studium. Der junge Rembrandt mochte die exakten Wissenschaften nicht und zog das Zeichnen vor.

Die Kindheit des zukünftigen Künstlers war glücklich, da die Eltern die Hobbys ihres Sohnes sahen und als der Junge 13 Jahre alt war, wurde er zum Studium bei dem niederländischen Künstler Jacob van Swanenburg geschickt. Aus der Biografie von Rembrandts erstem Lehrer ist wenig bekannt, der Vertreter des Spätmanierismus hatte kein großes künstlerisches Erbe, weshalb es fast unmöglich ist, Jacobs Einfluss auf die Stilbildung Rembrandts nachzuvollziehen.

1623 ging der junge Mann in die Hauptstadt, wo der Maler Peter Lastman sein zweiter Lehrer wurde, der Rembrandt sechs Monate lang Malen und Gravieren beibrachte.

Malerei

Das Training mit einem Mentor war erfolgreich, beeindruckt von den Gemälden von Lastman, beherrschte der junge Mann schnell die Technik des Zeichnens. Helle und satte Farben, das Spiel von Schatten und Licht sowie die gewissenhafte Ausarbeitung selbst der kleinsten Details der Flora - das hat Peter dem hervorragenden Schüler vermittelt.

1627 kehrte Rembrandt von Amsterdam in seine Geburtsstadt zurück. Im Vertrauen auf seine Fähigkeiten eröffnet der Künstler zusammen mit seinem Freund Jan Lievens eine eigene Malschule, die in kurzer Zeit bei den Niederländern an Popularität gewann. Lievens und Rembrandt waren einander ebenbürtig, manchmal arbeiteten junge Leute sorgfältig an einer Leinwand und brachten einen Teil ihres eigenen Stils in die Zeichnung ein.

Berühmtheit erlangte der 20-jährige junge Künstler durch sein detailreiches Frühwerk, darunter:

"Die Steinigung des heiligen Apostels Stephanus" (1625),
"Palamedea vor Agamemnon" (1626),
"David mit dem Haupt des Goliath" (1627),
"Die Entführung Europas" (1632),

Der junge Mann lässt sich weiterhin von den Straßen der Stadt inspirieren, geht über die Plätze, um einen zufälligen Passanten zu treffen und sein Porträt mit einem Meißel auf einem Holzbrett festzuhalten. Rembrandt fertigt auch eine Reihe von Stichen mit Selbstporträts und Porträts zahlreicher Verwandter an.

Dank des Talents eines jungen Malers wurde Rembrandt vom Dichter Konstantin Heygens bemerkt, der die Gemälde von van Rijn und Lievens bewunderte und sie als vielversprechende Künstler bezeichnete. „Judas gibt dreißig Silberlinge zurück“, geschrieben von einem Holländer im Jahr 1629, vergleicht er mit den berühmten Gemälden italienischer Meister, findet aber Mängel in der Zeichnung. Dank der Verbindungen von Konstantin gewinnt Rembrandt bald reiche Kunstbewunderer: Aufgrund der Vermittlung von Haygens gibt der Prinz von Oranien mehrere religiöse Werke bei dem Künstler in Auftrag, darunter Vor Pilatus (1636).

Der wahre Erfolg für den Künstler kommt in Amsterdam. 8. Juni 1633 Rembrandt lernt die Tochter eines wohlhabenden Bürgers Saskia van Uylenbürch kennen und gewinnt eine starke Position in der Gesellschaft. Der Künstler malte die meisten Leinwände in der Hauptstadt der Niederlande.

Rembrandt lässt sich von der Schönheit seiner Geliebten inspirieren, deshalb malt er oft ihre Porträts. Drei Tage nach der Hochzeit malte van Rijn mit Silberstift eine Frau mit breitkrempigem Hut. Saskia erschien in den Gemälden des Holländers in einer gemütlichen häuslichen Umgebung. Das Bild dieser Frau mit dicken Wangen erscheint auf vielen Leinwänden, zum Beispiel ähnelt das mysteriöse Mädchen im Gemälde "Night Watch" stark der Geliebten des Künstlers.

1632 wurde Rembrandt durch das Gemälde „Die Anatomiestunde des Dr. Tulp“ verherrlicht. Tatsache ist, dass van Rijn von den üblichen Gruppenporträts abwich, die mit dem Betrachter zugewandten Gesichtern dargestellt wurden. Äußerst realistische Porträts des Arztes und seiner Schüler machten den Künstler berühmt.

1635 wurde das berühmte Gemälde nach der biblischen Geschichte „Die Opferung Abrahams“ gemalt, das in der säkularen Gesellschaft geschätzt wurde.

1642 erhielt van Rijn von der Schützengesellschaft den Auftrag für ein Gruppenporträt, um das neue Gebäude mit Leinwand zu schmücken. Das Gemälde wurde fälschlicherweise "Nachtwache" genannt. Es war mit Ruß befleckt, und erst im 17. Jahrhundert kamen Forscher zu dem Schluss, dass die Handlung, die sich auf der Leinwand entfaltet, tagsüber stattfindet.

Rembrandt hat jedes Detail der Musketiere in Bewegung genau dargestellt: als ob die Zeit in einem bestimmten Moment stehen geblieben wäre, als die Miliz den dunklen Hof verließ, sodass van Rijn sie auf der Leinwand festhielt.

Den Kunden gefiel nicht, dass der niederländische Maler von den im 17. Jahrhundert entwickelten Kanonen abwich. Dann wurden Gruppenporträts zeremoniell, und die Teilnehmer wurden mit vollem Gesicht ohne Statik porträtiert.

Laut Wissenschaftlern war dieses Gemälde der Grund für den Bankrott des Künstlers im Jahr 1653, da es potenzielle Kunden abschreckte.

Technik und Gemälde

Rembrandt glaubte, dass das wahre Ziel des Künstlers darin besteht, die Natur zu studieren, daher erwiesen sich alle Gemälde des Malers als zu fotografisch: Der Niederländer versuchte, jede Emotion der abgebildeten Person zu vermitteln.

Wie viele talentierte Meister des Goldenen Zeitalters hat Rembrandt religiöse Motive. Auf den Leinwänden von van Rijn werden nicht nur eingefangene Gesichter gezeichnet, sondern ganze Plots mit ihrer eigenen Geschichte.

Auf dem 1645 entstandenen Gemälde „Die Heilige Familie“ sind die Gesichter der Figuren natürlich, der Holländer scheint den Betrachter mit Hilfe von Pinsel und Farbe in die gemütliche Atmosphäre einer einfachen Bauernfamilie versetzen zu wollen. Auf den Werken von van Rijn ist eine gewisse Prunkhaftigkeit nicht festzustellen. sagte, Rembrandt habe die Madonna in Gestalt einer holländischen Bäuerin gemalt. Tatsächlich ließ sich der Künstler sein ganzes Leben lang von den Menschen um ihn herum inspirieren. Es ist möglich, dass auf der Leinwand eine Frau, die einer Magd nachempfunden ist, ein Baby in den Schlaf wiegt.

Rembrandts Die Heilige Familie, 1646

Wie viele Künstler steckt auch Rembrandt voller Rätsel: Nach dem Tod des Schöpfers grübelten Forscher lange über die Geheimnisse seiner Gemälde nach.

An dem Gemälde „Danae“ (oder „Ägina“) zum Beispiel arbeitete van Rijn ab 1636 elf Jahre lang. Die Leinwand zeigt ein junges Mädchen nach dem Erwachen aus dem Schlaf. Die Handlung basiert auf dem antiken griechischen Mythos von Danae, Tochter des Königs von Argos und Mutter von Perseus.

Die Forscher der Leinwand verstanden nicht, warum das nackte Mädchen nicht wie Saskia aussah. Nach dem Röntgen wurde jedoch klar, dass Danae ursprünglich nach dem Bild von Eilenbürch gemalt war, aber nach dem Tod seiner Frau kehrte van Rijn zum Bild zurück und veränderte Danae's Gesichtszüge.

Auch unter Kunstkritikern gab es Streit um die auf der Leinwand abgebildete Heldin. Rembrandt hat den Titel des Gemäldes nicht unterschrieben, und die Interpretation der Handlung wurde der Legende nach durch das Fehlen eines goldenen Regens behindert, in dem Zeus Danae erschien. Außerdem war Wissenschaftlern der Verlobungsring am Ringfinger des Mädchens peinlich, der nicht mit der antiken griechischen Mythologie übereinstimmte. Rembrandts Meisterwerk „Danae“ befindet sich in der Russischen Eremitage.

Die jüdische Braut (1665) ist ein weiteres rätselhaftes Gemälde von van Rijn. Dieser Name wurde der Leinwand Anfang des 19. Jahrhunderts gegeben, aber es ist immer noch unbekannt, wer auf der Leinwand abgebildet ist, denn ein junges Mädchen und ein Mann sind in antike Kostüme gekleidet, die an biblische Kleidung erinnern. Beliebt ist auch das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1669), dessen Entstehung 6 Jahre in Anspruch nahm.

Fragment aus Rembrandts „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“

Wenn wir über den Schreibstil von Gemälden von Rembrandt sprechen, dann hat der Künstler ein Minimum an Farben verwendet und es geschafft, die Gemälde dank des Spiels von Licht und Schatten „lebendig“ zu machen.

Van Rijn gelingt es auch, Gesichtsausdrücke darzustellen: Alle Menschen auf den Leinwänden des großen Malers scheinen zu leben. Zum Beispiel ist auf dem Porträt eines alten Mannes - Rembrandts Vater (1639) - jede Falte sichtbar, ebenso wie ein weiser und trauriger Blick.

Privatleben

1642 starb Saskia an Tuberkulose, die Geliebte hatte einen Sohn, Titus (drei weitere Kinder starben im Säuglingsalter), mit dem Rembrandt freundschaftliche Beziehungen unterhielt. Ende 1642 trifft der Künstler auf den jungen Sonderling Gertier Dirks. Saskias Eltern waren verärgert darüber, wie der Witwer mit seiner Mitgift umging, während er im Luxus lebte. Dirks verklagt später seine Geliebte, weil sie sein Versprechen gebrochen hat, sie zu heiraten. Von der zweiten Frau hatte der Künstler eine Tochter, Cornelia.

Gemälde von Rembrandt „Saskia im Bild der Göttin Flora“

1656 erklärte sich Rembrandt aufgrund finanzieller Schwierigkeiten für bankrott und zog in ein abgelegenes Haus am Rande der Hauptstadt.

Van Rijns Leben ging nicht aufwärts, sondern im Gegenteil abwärts: Eine glückliche Kindheit, Reichtum und Anerkennung wurden durch verstorbene Kunden und ein bescheidenes Alter ersetzt. Die Stimmung des Künstlers lässt sich auf seinen Leinwänden nachvollziehen. So malt er mit Saskia lebend fröhliche und sonnige Bilder, zum Beispiel „Selbstbildnis mit Saskia auf den Knien“ (1635). Auf der Leinwand lacht van Rijn mit aufrichtigem Lachen, und ein strahlendes Licht erhellt den Raum.

Wenn die Gemälde des Künstlers früher detailliert waren, verwendet Rembrandt im Stadium der späten Kreativität breite Striche, und die Sonnenstrahlen werden durch Dunkelheit ersetzt.

Das 1661 entstandene Gemälde „Die Verschwörung des Julius Civilis“ wurde von den Auftraggebern nicht bezahlt, da die Gesichter der an der Verschwörung Beteiligten im Gegensatz zu van Rijns früheren Werken nicht gewissenhaft ausgearbeitet waren.

Gemälde von Rembrandt „Bildnis des Sohnes des Titus“

Kurz vor seinem Tod, in Armut lebend, malte Rembrandt 1665 ein Selbstporträt nach dem Bild von Zeuxis. Zeukis ist ein antiker griechischer Maler, der einen ironischen Tod starb: Der Künstler war amüsiert über das Porträt von Aphrodite, das er in Form einer alten Frau gemalt hatte, und er starb vor Lachen. Bei dem Porträt, lacht Rembrandt, habe der Künstler nicht gezögert, eine Portion schwarzen Humor in die Leinwand zu packen.

Tod

Rembrandt bestattete 1668 seinen an der Pest gestorbenen Sohn Titus. Dieses traurige Ereignis verschlechterte den Geisteszustand des Künstlers stark. Van Rijn starb am 4. Oktober 1669 und wurde in der niederländischen Westerkerk-Kirche in Amsterdam beigesetzt.

Rembrandt-Statue am Rembrandtplein in Amsterdam

Zu seinen Lebzeiten malte der Künstler etwa 350 Leinwände und 100 Zeichnungen. Die Menschheit brauchte zwei Jahrhunderte, um diesen großen Künstler zu schätzen.