Aktionismus in der zeitgenössischen Kunst. Wozu dient Aktionismus und wie funktioniert er? — Wann wurde der Aktionismus geboren?

Anatoly Osmolovsky (einer der Begründer des Moskauer Aktionismus): Ich finde es sehr gut, dass es eine solche Art zeitgenössischer Kunst wie den Aktionismus gibt. Und es ist gut, dass es bei breiten Bevölkerungsschichten auf Ablehnung stößt, denn generell besteht die Aufgabe der Avantgarde und der zeitgenössischen Kunst nicht darin, transparent zu sein. In dieser Welt der totalen Geschwindigkeit, der absoluten Transparenz und des endlosen Geschwätzes muss es eine Art „Hardcore“, einen Kern geben. Zeitgenössische Kunst ist dieser Kern, und nicht jeder kann damit umgehen. Und so soll es sein. Und dann müssen wir die Temperatur noch weiter erhöhen.

Pjotr ​​Werzilow (Bürgeraktivist, Mitglied der Künstlergruppe „War“): Mir scheint, dass Aktionismus ein geheimes Werkzeug ist, eine Waffe oder so etwas, wie eine Haubitze oder eine Art Artillerieanlage.

Nadeschda Tolokonnikowa (Mitglied der Gruppe Pussy Riot, saß fast zwei Jahre wegen Rowdytums im Gefängnis): Oh mein Gott, ich kann es nicht hören.

Wersilow: Das ist eine so komplexe Installation, dass Sie noch lernen müssen, wie man sie benutzt. Und die Ablehnung der Menschen erklärt sich aus der Tatsache, dass sie einfach nicht verstehen, wie dieses Tool funktioniert. Zum Beispiel der klassische Vorwurf: Man sagt, man macht alles für die PR. Aber das sagen Leute, die Medienprodukte aus einem Bereich konsumieren, in dem im Allgemeinen alles für PR getan wird. Der Sender „Russland-1“ ist in Sachen PR viel anspruchsvoller als alle anderen Aktionisten.

Tolokonnikowa: Ich bin überhaupt nicht der Meinung, dass zeitgenössische Kunst ein besonders schwieriger Bereich ist. Jeder Bereich, in dem eine Person beruflich tätig ist, wird allein deshalb komplex, weil sie lange über diese Problematik nachdenkt. Die Kernphysik ist viel komplexer als die moderne Kunst. Und die Kunst, die wir klassisch nennen, ist meiner Meinung nach nicht weniger komplex als die moderne. Darüber hinaus werden meines Wissens nach sehr viele Aktionen von Künstlern in engen Kreisen durchgeführt, niemandem wird davon erzählt und es werden keine Videos ins Internet gestellt. Daher würde ich nicht als Hauptmerkmal des Aktionismus seine Medienorientierung bezeichnen.

Osmolowski: Zeitgenössische Kunst ist auch eine sehr einfache Sache in dem Sinne, dass jeder ein schwarzes Quadrat zeichnen kann. Das heißt, man schaut sich Rembrandts Gemälde an und wird verrückt: „Das werde ich ganz sicher nie schaffen.“ Und dann schaut man auf das „Schwarze Quadrat“ – und versteht: Ich kann es schaffen. Und dann folgt die Schlussfolgerung: Wenn Sie glauben, dass Sie ein „Schwarzes Quadrat“ zeichnen können, dann zeichnen Sie! Beginnen Sie morgen! In diesem Sinne besteht die Aufgabe der modernen Kunst darin, dass die gesamte Weltbevölkerung zu Künstlern und die ganze Welt zur Kunst wird. Und Pussy Riot ist für die Aufführung da, so wie Malewitschs „Schwarzes Quadrat“ für die Malerei. Obwohl Auftritte in der Tat nicht unbedingt medial und berühmt sind. In den 70er Jahren gingen Konzeptualisten, die Gruppe „Collective Actions“, in den Wald, und bei ihren Aktionen waren fünf bis fünfzehn Personen anwesend.

Artem Loskutov (Gründer der jährlichen Nowosibirsker Kunstveranstaltung „Monstration“): Die Medien waren damals anders. Jetzt informieren die Medien darüber, was gerade passiert, in den nächsten 15 Minuten wird es interessant, dann passiert noch etwas anderes. Und der Künstler ist gezwungen, mit diesem Informationsfluss zu konkurrieren. Daher der Skandal. Sie versuchen, an einem globalen Dialog teilzunehmen, Ihren Standpunkt zum Ausdruck zu bringen und müssen sicherstellen, dass Ihnen Gehör geschenkt wird. Manche Menschen müssen dafür ins Gefängnis. Wenn es in einer Großstadt wie Moskau einen Streikposten gibt und es keine Verhaftungen gibt, sind die Journalisten nicht daran interessiert. Festnahmen sind ein notwendiger Bestandteil dafür, dass die zivile Botschaft von Aktivisten gehört wird. Das Gleiche passiert mit Menschen, die keine politischen, sondern eher künstlerischen Statements abgeben.

Osmolowski: Der skandalöse Charakter der Aufführungen ergibt sich aus der Tatsache, dass es kein Dach gibt. Nehmen wir zum Beispiel den Auftritt von Avdey Ter-Oganyan, der Sofrino-Kunsthandwerk mit einer Axt zerhackte (typische Ikonen der Firma Sofrino. - Red.). Dafür drohte ihm eine Gefängnisstrafe und er emigrierte. Aber warum genau wurde er von dem Repressionsfahrzeug überfahren? Immerhin gab es buchstäblich einen Monat zuvor einen Auftritt der Gruppe „Metal Corrosion“, die aus Sicht der Orthodoxen absolut satanische Sabbate betreibt. Dort zeigen sie Jesus Christus verkehrt herum und alles andere. Aber „Metal Corrosion“ hat ein Dach. Und der Name dieses Daches ist Bryntsalov (russischer Unternehmer und Politiker, von 1995 bis 2003 war er Abgeordneter der Staatsduma. - Red.).

Tolokonnikowa: Und wer ist das Dach des Gassektors? Ich hatte einfach große Freude, als ich wegen religiösem Hass verurteilt an der Nähmaschine in der Gefängniswerkstatt saß und an diesem Ort, an dem ich umerzogen werden sollte, mehrmals das Lied wiederholt wurde: „Opa, opa, grüner Zaun, / Mädchen ... [gefickter] Hintern – das ist es, was er braucht!“

Osmolowski: Weiß nicht. Aber Künstler sind Menschen, die ohne Dach ihre Stimme erheben. Und das führt zu ungeheurem Hass unter den Mächtigen. Als Pussy Riot auf die Soleya stieg, gab es deswegen einen wilden Aufschrei – aber Kirkorov trat auch auf dieser Soleya auf, und Putin hielt dort eine Art Rede, und niemand empfand diesbezüglich negative Gefühle.

Pjotr ​​Pawlenski (aktionistischer Künstler; die lauteste Aktion fand im November 2013 statt: Pawlenski zog sich aus und nagelte seinen Hodensack an die Pflastersteine ​​des Roten Platzes): Ich glaube überhaupt nicht, dass der Aktionismus einen direkten Bezug zur modernen Kunst hat. Zeitgenössische Kunst steht im Gegensatz zur traditionellen, klassischen Kunst. Aktionismus kann weder klassisch noch modern sein. Diogenes masturbierte auf dem Platz – auch Brener masturbierte. Der christlichen Mythologie zufolge wurde Jesus ans Kreuz genagelt – also nagelte Mavromatti sich selbst ans Kreuz. Diese Gesten sind zeitlos. Ein Mensch geht ungeschützt hinaus, weil er nicht anders kann, als hinauszugehen. Er wird von den Umständen seiner Umgebung angetrieben und zeigt durch sein Handeln die politische Situation an. Jede Kunst ist grundsätzlich politisch, weil der Künstler weiß, in welchem ​​Regime er lebt und was er in dieser Hinsicht tun oder lassen sollte. Und Aktionismus, also politische Kunst, impliziert, dass der Mensch bewusst beginnt, mit den Instrumenten der Macht zu arbeiten. Einschüchterung von Menschen, Prozesse, das psychiatrische System, Müll, Ideologie, Medienpropaganda – das alles sind Instrumente der Macht. Und die politische Kunst stellt es sich zur Aufgabe, diese Werkzeuge zu ergreifen und für ihre Zwecke zu nutzen. Und der Zweck der Kunst sind Befreiungspraktiken, der Kampf um die Verkörperung des freien Denkens.

Osmolowski: Ich bin völlig anderer Meinung als Sie; ich würde nicht alles ausschließlich auf das Politische reduzieren. Es kann auch zu existenziellen Problemen kommen. In diesem Sinne ist Ihr Auftritt auf den Pflastersteinen des Roten Platzes sowohl politisch als auch existenziell. Und im historischen Kontext gab es in Russland eine Tradition heiliger Narren, die verschiedene Aufführungen und Aktionen durchführten. Zum Beispiel, als Nikola Salos Iwan dem Schrecklichen ein Stück rohes Fleisch schenkte. Iwan der Schreckliche besiegte daraufhin Nowgorod und machte sich daran, Pskow zu zerstören. Aber dieser Gesegnete traf ihn am Eingang der Stadt und begann ihm Fleisch zu geben: „Iss, Iwanuschka.“ Und es war Fastenzeit, und Grosny sagte: „Wirfst du Fleisch nach mir?“ Er antwortet: „Nun, Sie essen Menschenfleisch.“ Danach drehte sich Iwan der Schreckliche um und ging. Und das war eine Leistung, denn Iwan der Schreckliche war ein echter Ghul. Und wenn wir uns die mittelalterliche westeuropäische Kultur ansehen, dann gab es eine grundlegend andere Tradition – Hofnarren. Ein Narr ist ein Mensch, der sich auch etwas leisten kann, aber er existiert immer unter dem König oder unter dem Herzog. Es ist eine konformistischere Kultur. Niemand steht hinter den heiligen Narren.

Vladimir Ovcharenko (Gründer einer der ältesten Moskauer Galerien – „Regina“, in der mehr als eine künstlerische Veranstaltung stattfand): Es ist interessant, dass einer der Patriarchen des russischen Aktionismus, der diese Kunst in den 90er Jahren in Russland ins Leben rief, und Vertreter der neuen Generation sind hier vertreten. In der Zeit zwischen der zweiten Hälfte der 90er und dem Ende der 2000er Jahre gab es in der Geschichte der russischen Kunst keine nennenswerten künstlerischen Aktionen mehr. Offensichtlich handelt es sich beim Aktionismus um eine Kunstform, deren Entstehung und Verschwinden von der Notwendigkeit abhängt, einen solchen künstlerischen Dialog mit der Gesellschaft zu führen. Jetzt sehen wir in Politik und Wirtschaft die Bewegung einiger gigantischer Schichten. Und deshalb haben junge Menschen das Bedürfnis, ihre Meinung zu sagen. Wir werden wahrscheinlich neue Künstler und neue Promotionen sehen. Ich weiß nicht, ob ihr Abschluss höher oder niedriger sein wird. Wir können nur sagen, dass wir ein interessantes Leben führen.

Loskutow:„Monstrationen“ sind auch eine Art Zivilturnen. Fünftausend Menschen kommen mit uns. Wir geben den Menschen eine superprimitive Ausdrucksform – die Teilnahme an einer Wanderausstellung, einem Happening. Einfach einen Stock nehmen, Papier darauf kleben, etwas schreiben – und schon kann man sich verkleiden. Das ist einfacher, als einen Verstärker, eine Gitarre und eine Maske mitzunehmen und irgendwohin zu gehen, um zu spielen. Daher wird diese Aussage wiedergegeben.

Osmolowski: Sie müssen in allen Städten eine Tradition der „Monstrationen“ schaffen. Und dann, irgendwann, würde jeder die LGBT-Flagge zücken. Es wird also Gay-Pride-Paraden für Sie geben.

Owtscharenko: Warum interessiert dich dieses Thema so sehr, Anatoly?

Osmolowski: Und ich bin für die Rechte von Minderheiten.

Wersilow: All dies führt uns zu dem Schluss, dass Kunst eine getarnte Vorbereitung für einen Aufstand ist.

Osmolowski: Wenn Russland über ein vollwertiges System zeitgenössischer Kunstinstitutionen, Museen, Festivals, dieses und jenes, fünftens und zehntens, verfügen würde, denke ich, dass diese Energie andere Erscheinungsformen haben würde. Aber unsere Aussichten sind, wie Arkady Severny sang, sehr düster. In Russland passiert absoluter Wahnsinn – diese obskurant-chauvinistische Propaganda, dieser Charakter namens Putin, der meiner Meinung nach völlig irgendwo verschwunden ist. Daher denke ich, dass die Reaktion der Künstler zunehmen wird. Als ich anfing, meine Aktien zu verdienen, war ich nicht bereit, ins Gefängnis zu gehen. Jetzt sind die Menschen bereit, ins Gefängnis zu gehen. Und in diesem Sinne haben wir großartige Traditionen – der Wille der gleichen Leute... Es kann weiß Gott zu was führen.

Tolokonnikowa: Mir scheint, dass dies besonders deutlich wurde, nachdem Putin für eine dritte Amtszeit eingesetzt wurde. Wir wurden am Tag zuvor inhaftiert, und in diesem Sinne betrifft diese Frage eher Petja Pawlenski als uns. Wir handelten noch in dieser bewundernden Ära von Ende 2011 bis Anfang 2012, als der Slogan „Nieder mit Putin“ tatsächlich konformistisch für unsere Umwelt war. Der Gedanke an eine Gefängnisstrafe war sicherlich da, aber er setzte sich nicht durch, als neben Ihnen Hunderttausende Menschenmengen auf die Straße gingen.

Pawlenski: Diese Angst, dass man verschlossen wird, dass es zu Repressionen kommt, ist ein Managementinstrument, mit dem man arbeiten muss. Wenn Sie dummerweise nachgeben, stellt sich heraus, dass Sie der Dirigent des Willens der Macht sind. Das Ziel besteht natürlich nicht darin, Sie ins Gefängnis zu bringen. Wenn ich nur eingesperrt werden wollte, würde ich den Laden in die Luft sprengen. Und für mich ist es der größte Erfolg, die Behörden zum Stillstand zu bringen. Schaffen Sie eine Situation, in der die Machtinstrumente in Aufregung geraten, gegen sich selbst arbeiten und so in den künstlerischen Prozess hineingezogen werden. Dann kommt der Sieg der Kunst. Pussy Riot lockte eine riesige Menschenmenge an.

Osmolowski: Ich glaube, dass ein Künstler kein Recht hat, ins Gefängnis zu gehen. In diesem Sinne ist die Tatsache, dass Pussy Riot ins Gefängnis ging, ein Misserfolg. Denn die Distanz geht verloren. Wenn jemand ins Gefängnis kommt, ist es unmöglich, etwas Objektives über seine Kunst zu sagen; es ist unmöglich, jemanden zu kritisieren, der im Gefängnis sitzt.

Tolokonnikowa: Wenn ein Künstler über genügend innere Stärke verfügt, um sich im Gefängnis weiterhin würdevoll zu verhalten und nicht zum Opfer zu werden, dann glaube ich, dass er das Recht dazu hat. Was hat Mascha Aljechina getan? Sie wandte der Kamera den Rücken zu und bestritt die Verstöße. Tagelang diskutierten sie vor Gericht darüber, dass sie zehn Minuten später als offiziell aufgestanden sei. Sie hat einfach... sie alle dort [gefickt]. Meiner Meinung nach ist das großartig. Das ist Kunst. Und wenn jemand dazu in der Lage ist, kann er ins Gefängnis gehen. Für mich gibt es noch eine weitere ungelöste Frage. Das ist ein eher tolstoisches Thema – muss man für die Menschen verständlich sein, unter die Menschen gehen, sich einen Bart wachsen lassen und mit ihnen die Erde umgraben? Das heißt, sollten wir angesichts der Tatsache, dass wir uns politische Ziele setzen, „unsere Eier abschneiden“, zu einer Art Popkultur gelangen und verständlich werden? Oder sollten wir auf unserem professionellen Niveau über die Themen nachdenken, die für uns interessant sind? Darüber hinaus wird dies für die meisten absolut unverständlich sein.

Owtscharenko: Es gibt die breite Öffentlichkeit und es gibt die Elite. Um Kunst in einem elitären Bereich zu präsentieren, gibt es ein Museum. Das Museum veranstaltet Ausstellungen und sammelt Sammlungen. Es ist interessant zu wissen, ob einer von euch jungen Leuten Lust hat, ins Museum zu gehen?

Tolokonnikowa: Ich sehe das Museum jeden Tag in meinen Kommentaren.

Pawlenski: Es gibt ein Informationsfeld. Der Künstler oder Aktivist schafft in diesem Informationsbereich einen Präzedenzfall. Und dann müssen Sie es absolut jedem frei zugänglich machen. Wenn jemand sozusagen ein Foto von der Aktion machen und es im Studio, in dem Pornofilme gedreht werden, an die Wand hängen möchte, dann ist er herzlich willkommen. Wenn er ein Wodka-Etikett möchte, bitte. Lassen Sie diesen Beweis der politischen Situation frei existieren. Mir ist noch etwas anderes wichtig. Ich habe über politische Kunst gesprochen, aber es gibt auch die entgegengesetzte Kategorie – Designkunst. Kunst als Dekoration. Genau das möchte ich in meinem Leben vermeiden. Es spielt keine Rolle, ob es eine Institution, ein Interieur oder eine Art Regime schmückt. Wenn Kunst einen Kunden hat, ist sie Prostitution. Politische Kunst ist das Gegenteil von prostituierender Kunst.

Osmolowski: Wenn Kunst echt ist, beschäftigt sie sich nie mit Dekoration. Ich bin für alle Arten von Kunst – Malerei, Bildhauerei und für Performances, Aktionismus. Aber Aktionismus ist die Arbeit junger Menschen. Hier müssen Sie in Form sein – moralisch, körperlich. Es gibt eine Menge Dinge im Aktionismus, die für einen Menschen wie mich schwierig sind. Mich hat es zum Beispiel in den 90ern sehr hart getroffen. Sieben oder acht Jahre lang machen Sie das, und dann ist Ihr gesamtes Nervensystem kaputt. Die Menschen, die sich in den 90er Jahren im Aktionismus engagierten, sind alle entweder verrückt oder nehmen Antidepressiva. Wissen Sie, wenn ein Terrorist drei Jahre lang operiert, dann hält ein Aktionist sieben Jahre durch. Deshalb habe ich irgendwann beschlossen, dass ich mich auf zuvor vorbereitete Positionen zurückziehe. Und ich rate Ihnen allen: Nach einer Weile werden Sie über dieses Thema nachdenken müssen. Denn der Mensch ist etwas, das sich abnutzt.

Wann ist der Aktionismus entstanden und was ist das? Warum wollen Aktionskünstler Spuren in der Geschichte hinterlassen und was bedeuten ihre Spuren im Moskauer Museum für Moderne Kunst? Anastasia Baryshnikova sprach mit der Kuratorin der Ausstellungen „Right to Life“ von Andrey Kuzkin und „Prosthetics and Replacements“ der MishMash-Gruppe, Natalya Tamruchi.

Natasha Tamruchi

Andrey Kuzkin

Mischa und Mascha

Was ist Aktionismus?

Sie können diese Frage in Google eingeben, es wird eine Million Definitionen geben. Aktionismus ist zunächst einmal eine symbolische Aktion, die aus dem Alltagskontext herausgelöst wird. Dabei handelt es sich jedoch nicht um eine Theaterdarstellung. Eine Handlung hat meist ein Drehbuch, behält aber ein Element der Unvorhersehbarkeit, weil sie immer zum ersten Mal ausgeführt wird, es ist eine Art Erfahrung, die immer mit psychologischen Risiken verbunden ist. Dabei handelt es sich um eine künstlich geschaffene Situation, die für den Schauspieler, also den Künstler, eine gewisse Bedeutung hat, sie wird von ihm gelebt, es ist seine einzigartige Erfahrung, die Situation zu leben, die über die Zeit anhält.

— Viele empfinden Aktionismus vor allem als Protest. Wie zutreffend ist diese Wahrnehmung?

- Das ist nicht richtig. Es gibt Protestaktionen und es gibt Nicht-Protestaktionen. Es ist, als gäbe es Protestpoesie und Lyrik. Der Aktionismus unterscheidet sich in dieser Hinsicht nicht von anderen Kunstformen. Der Mensch erschafft dieses Werk aus sich selbst; er ist eine Art „Geige“. Es kann sich um eine tiefgreifende, existenzielle Aktion handeln, aber auch um einen politischen Protest.

Künstler, die politische Kunst machen, nutzen den Aktionismus, weil er eine unmittelbare, kraftvolle Sprache ist, die öffentlich sein kann. Pavlensky zum Beispiel spricht diese Sprache sehr gut, mit seinen sehr hellen und beeindruckenden Aktionen. Es ist klar, warum er das tut: Politischer Protest ist auch im Kontext des gewöhnlichen menschlichen Lebens angesiedelt, und diese Ereignisse, egal wie hart sie erlebt werden, sind immer noch aus der Erinnerung gelöscht.

Natürlich ist es schwer, die Barrikaden in der Nähe des Weißen Hauses zu vergessen, aber einige der Proteste von 2011 und 2012 beginnen bereits zu verblassen, und Pawlenskis Proteste sind für immer, das ist eine Eigenschaft eines Kunstwerks: Man kann es nicht vergessen . Diese Sprache ist sehr effektiv, aber das bedeutet nicht, dass sie nur zum Protest existiert. Es ist nur eine Sprache! Schließlich können wir zum Beispiel auf Russisch fluchen, Lieder singen und unsere Liebe gestehen.

Die Sprache des Aktionismus ist wirksam und dient nicht nur dem Protest

— Sie sagen, dass der Aktionismus in Russland mit Osmolovskys Aktion auf dem Roten Platz im Jahr 1991 begann und daher einen ausgeprägten politischen Charakter habe.

Es ist nicht wahr. Bereits in den 1970er Jahren gab es mehrere Künstlergruppen, die sich vor allem mit Aktionen beschäftigten: die Gruppe „Nest“ und die Gruppe „Kollektive Aktionen“. Es ist nur so, dass die Leute, die das sagen, ihre Geschichte und Kultur nicht kennen. Darüber hinaus dürfen wir den Aktionismus von 1910-1920, Mayakovsky, Burlyuk, Mariengof und die festlichen Prozessionen zu den ersten Jahrestagen der Revolution, die von linken Künstlern geleitet und dekoriert wurden, nicht vergessen.

Osmolovskys Aktion

— Wann entstand der Aktionismus?

Wenn wir so tief in die Geschichte des Aktionismus eintauchen, können wir der Antike auf den Grund gehen. Nein im Ernst! Der Brand Roms ist keine Aktion?

Dieses Phänomen gab es schon immer, daher kann nicht gesagt werden, dass der Aktionismus zu einem bestimmten Zeitpunkt geboren wurde. Auch die Mysterien der Frührenaissance können dem Aktionismus zugerechnet werden. Es kann völlig unterschiedliche Formen annehmen. Der Aktionismus wurde vor dem Theater geboren; im Übrigen ging er dem Theater voraus.

In gewisser Weise kann alles, was einzigartig ist und einmal außerhalb des alltäglichen Kontexts geschieht, als Aktionismus angesehen werden. Es gibt zum Beispiel einen rituellen Gottesdienst und es gibt den Alltag. Der mittelalterliche Mensch lebte somit gleichzeitig in zwei Zeiten: Es gab ein gewöhnliches Leben, das irgendwie im Rhythmus der Jahreszeiten verlief, und dann das Aufkommen von Uhren – Stunden und Minuten. Und er lebte auch in der Ewigkeit, als er, als er den Tempel betrat, sich in einer Zeit befand, die weder Anfang noch Ende hatte. Die ganze Geschichte Christi wurde dort endlos wiederholt: seine Feiertage, seine Geburt und seine Taufe. Die Ewigkeit oder heilige Zeit ist nicht durch eine undurchdringliche Mauer von der gegenwärtigen, alltäglichen Zeit getrennt.

Im Tempel befand er sich gleichzeitig im selben Raum mit allen Verstorbenen, mit allen Heiligen, die sich wie er in den Chor derer einschlossen, die Gott lobten. Die Ewigkeit war bereits da und der Mensch kam im Tempel mit ihr in Berührung. Doch als die Mysterien die Form einer Prozession annahmen und sich auf die Straßen der Stadt ergossen, verließen sie den heiligen Raum, in dem die Ewigkeit erstarrte, passten aber gleichzeitig nicht in den Alltag, in den Alltag Zeitberechnung - es war eine symbolische Aktion, die im realen Raum stattfand, also ja, Werbung.

Der Aktionismus ging dem Theater voraus

Zu den Ausstellungen „Recht auf Leben“ und „Prothetik und Ersatz“

Beide Ausstellungen basieren auf der aktionistischen Praxis von Andrei Kuzkin und Mischmasch, und diese Praxis verlief parallel und gemeinsam: MischMasch beteiligte sich an den Aktionen von Andrei Kuzkin, Andrei Kuzkin – an den Aktionen von MischMasch.

Einige der Gegenstände, die an der Wand in der MishMash-Halle landeten, wurden von Kuzkin mitgebracht, MishMash fand einige Gegenstände bei Kuzkins Kundgebungen, all dies spiegelt sich in ihren Texten wider. Es gibt Maschinen und Mischas Texte und Kuzkins Reaktion auf einige Ereignisse, seine Eindrücke. Es gibt eine Aktion „Mit verbundenen Augen“ und einen Text dazu. Auch hier ist es sehr schwer zu sagen, wer der Autor ist, aber dies ist das Ergebnis einer sehr fruchtbaren gemeinsamen Kreativität. Der Betrachter kann alle diese Texte in die Hand nehmen und mitnehmen.

Natürlich hat Kuzkin mehr Anteile. Dies ist eine retrospektive Ausstellung, in der es ihm gelang, fast alles zu sammeln, was er im Laufe von sieben Jahren gemacht hat, während die Ausstellung von Misha und Masha nur die Arbeit der letzten Jahre berührt.

Auf die eine oder andere Weise geht es in beiden Ausstellungen um das, was von einem Ereignis nach seinem Ende übrig bleibt. MishMash und Kuzkin haben diesbezüglich eine deutlich unterschiedliche Einstellung. Mascha und Mischa wollen und versuchen nicht einmal, die Atmosphäre der Veranstaltung in ihrer ursprünglichen Form zu bewahren. Für sie ist ein Ereignis ein vergangener Moment, an den Erinnerungen zurückbleiben. Künstler arbeiten genau mit diesen Erinnerungen, weshalb es so viele Objekte gibt, in denen Erinnerungen konserviert werden.

Objekte sind immer „Agenten“ eines Ereignisses, einer materialisierten Erinnerung. Es werden hier nicht einmal die Objekte präsentiert, die an den Ereignissen beteiligt waren, sondern vielmehr ihre Abgüsse; Der Gipsabdruck ist ein Verweis auf die Antike, die die Verkörperung der kulturellen Vergangenheit, des materialisierten kulturellen Gedächtnisses darstellt. Außerdem ist das eine Spur. Und wenn ein Objekt eine Spur ist, dann ist ein Abdruck davon eine Spur einer Spur.

Diese Objekte selbst scheinen über semantischer Abstraktion und klassischer Ausdruckskraft zu schweben, denn diese Autoren können die Form nicht ignorieren, sie arbeiten mit Plastizität. Die Idee von „MishMash“ besteht darin, dass diese „objektivierten“ Spuren vom Geschehen losgelöst sind und eigenständig bei Fremden eine Art Assoziation erzeugen. Wie ein abgebrochenes Stück eines Sterns, das davonflog und zu einem unabhängigen Kometen wurde. Sie stellen ein autonomes ästhetisches Phänomen dar und können nun selbst einige Zusammenhänge und Konnotationen herstellen, ohne dass eine Fußnote oder ein Bezug zum Schlafliedereignis besteht.

Prothesen

Auswechslungen

— Und doch: Muss der Betrachter den Kontext erkennen, um die Bedeutung, die die Autoren selbst dieser Spur geben, besser zu verstehen?

Es stellt sich heraus, dass dies überhaupt nicht notwendig ist. Das Ereignis brachte neue Objekte und Formen hervor, und danach verschwand es: Es ist nicht hier. Aber es gibt Texte, die durch dieses Ereignis hervorgebracht werden, die darauf reagieren oder ihm vorausgehen, und die auch beginnen, eine Art Politik zu verfolgen.

Es ist kein Zufall, dass die Texte im Saal gegenüber Gegenständen aufgehängt sind; sie sind mit diesen Gegenständen verbunden, die in den Texten vorkommen können, das heißt, sie haben innere Verbindungen. Und gleichzeitig können Texte miteinander interagieren und bei einem Betrachter, der mit den Hintergründen nicht vertraut ist, eigene Assoziationen hervorrufen. Das Ergebnis ist eine absolute Bedeutungsfreiheit, die in absolut jede Richtung schweben kann, und der Betrachter befindet sich am Scheideweg dieser Verbindungen, Verbindungen und kann selbst einige neue Bedeutungen hervorrufen, weil er auch einige Reaktionen hervorruft. Der Betrachter kann durch seine persönlichen Lebenserfahrungen selbst zum Ereignis werden.

— Wir begannen mit dem grundlegenden Unterschied zwischen Kuzkin und MishMash. Mir ist aufgefallen, dass Kuzkin beim Aufzeichnen seiner Handlungen sehr gerne die Abfolge der stattfindenden Handlungen ausspricht ...

Diese Ausstellung widmet sich in gewisser Weise dem, was diese Aktionen hinterlassen, das heißt, sie ist nicht spektakulär, nicht zum Betrachten einiger Objekte, sondern zum Eintauchen. Dies ist für Kuzkin besonders wichtig, denn im Gegensatz zu „MishMash“, das glaubt, dass die Veranstaltung bereits vorbei ist, geht die Veranstaltung für Kuzkin weiter, er bricht nicht die Verbindung dazu ab. Er schreibt über diese Aktionen, ohne jegliche Distanz herzustellen, das ist keine Analyse, es sind ausschließlich Erfahrungen der Situation, die der Künstler selbst für sich selbst schafft.

Die Ausstellung widmet sich dem, was Taten hinterlassen

— Es stellt sich heraus, dass diese Ausstellung eine Art Kombination zweier „Logiken“ ist?

Das kannst du sagen. Sie haben viele Aktionen zusammen gemacht, es gab viele gemeinsame Erlebnisse, aber das sind unterschiedliche Künstler. Sie haben unterschiedliche Schlussfolgerungen, unterschiedliche Prioritäten, unterschiedliche Ziele, sind sich aber gleichzeitig sehr nahe. Ihre Kommunikation war für beide sehr fruchtbar.

Für Mascha ist es sehr wichtig, dass viele Menschen, ihre Freunde, an ihren Aktionen teilnehmen, sie möchte, dass diese Aktionen kollektiv sind, sie ist im Gegensatz zu Kuzkin keine Individualistin. Obwohl Kuzkin auch seine Freunde sehr schätzt.

Es ist sehr wichtig, dass die meisten Aktien von Kuzkin nicht öffentlich sind. Im Grunde sind seine Anteile sehr privat, und die Tatsache, dass sie nun in den öffentlichen Raum gelangt sind, ermöglicht uns einen Blick in die kreative Küche, denn dies geschah überhaupt nicht für einen außenstehenden Beobachter. Kuzkin wollte nicht einmal jemanden mit einer guten Kamera zu seinen Aktien kommen lassen, einfach weil er keinen Fremden auf den Aktien sehen wollte. Die überwiegende Mehrheit seiner Aktionen wurde von Yulia Ovchinnikova (Leiterin des Audio-Video-Bereichs der NCCA Media Library) oder seinen Freunden gefilmt. Mit ihnen kann er befreit werden, es gibt kein Gesellschaftsspiel, keine Vortäuschung.

— Wie schwierig war es, solch intime Handlungen öffentlich zur Schau zu stellen?

Sie wurden als eine völlig aufrichtige, natürliche Sache geboren, dies ist eine existentielle Erfahrung, es ist sehr schwierig, sie öffentlich zu machen. Kuzkin begann Ende 2007 zu arbeiten und hat 2008 mehrere starke Dinge auf einmal geschafft. Eine seiner ersten Veranstaltungen war „Space-Time Continuum“, bei der er 5,5 Stunden lang mit einem Bleistift eine Linie auf eine zehn Meter hohe Wand zeichnete, ohne die Hand zu heben. Manchmal setzte er sich hin, erinnerte sich an etwas, murmelte und konnte sich dann, als er seinen Zeitplan sah, daran erinnern, woran er vor zwei Schritten gedacht hatte. Aber tatsächlich waren diese Gedanken zwei Stunden her. Kuzkin hat sich für seine Aktien eine besondere Form der Dokumentation ausgedacht. Er schreibt „eine Person...“.

Es ist sehr wichtig, dass die Mehrheit der Aktien von Kuzkin nicht öffentlich sind

Ein Mann

— Sofort stellt sich die Frage: Warum „eine Person“ und nicht „ich“?

Weil es damit verbunden ist, sich selbst, Kuzkin, als einer von vielen Menschen zu erleben. Es ist, als hätte er eine lange Linse, und der Fokus verschiebt sich ständig vom persönlichen Leben auf eine universelle menschliche Situation, die mit der Ewigkeit verbunden ist, mit einer Art totaler Geschichte.

Die Menschheit hat einen langen Weg zurückgelegt, und wie viele Menschen hat es gegeben und wie viele werden noch existieren? Sie kommen, leben und verschwinden. Kuzkin ist sehr besorgt darüber, wie eine bestimmte Person – eine dieser unzähligen Personen – Spuren hinterlassen kann. Wie kann es Präsenz in diesem Leben anzeigen? Das interessiert ihn aus der Sicht seiner eigenen „Mission“: Er möchte nicht dahinschmelzen, spurlos verschwinden, also macht er Kunst. Sonst lebt und stirbt man einfach. Er will es nicht so, es macht ihm Angst, denn wenn du spurlos verschwunden bist, warum bist du dann aufgetaucht? Er ist besorgt über diese Zerbrechlichkeit, Einzigartigkeit und Löslichkeit des menschlichen Lebens.

Das gesamte Projekt ist so aufgebaut, dass er, Kuzkin, einer von Milliarden Menschen, seine Spuren in dieser Welt festhalten und von seiner Präsenz im Leben zeugen kann. Und er bezeugt: Er macht ständig etwas, es sind schon 70 Aktionen, die in diese Ausstellung passen – das sind noch nicht einmal alle seine Werke, aber das reicht aus, um zu sagen, dass Kuzkin das ständig macht, denn das ist ein Weg um Ihre Präsenz im Leben aufzuzeichnen, denn alltägliche Handlungen werden gelöscht und das Morgen absorbiert das Gestern: Morgen spielt es keine Rolle mehr, wann Sie heute aufgestanden sind oder was Sie zum Frühstück gegessen haben – diese Ereignisse haben eine momentane Bedeutung.

Eine andere Sache ist eine Handlung – sie behält ihre Bedeutung, man kann sie nicht aus dem Leben werfen. Dieses Ereignis scheut den Zahn der Zeit nicht mehr, es wurde bereits aufgezeichnet, veröffentlicht und es gibt ein Video darüber. Es ist von alltäglichen Verbindungen entkoppelt und kann daher nicht mehr gelöscht werden. Handlungen fallen aus der Kette alltäglicher Ereignisse heraus; sie haben eine andere Logik, eine andere Verbindung zwischen den Beteiligten, zwischen der Handlung und der Person.

— Können wir sagen, dass Kuzkin jedes Mal zum Mittelpunkt des Geschehens wird?

Nein, das ist völlig optional. Aber er ist ein Autor. Sie fragen sich, ob Kuzkin das Zentrum des Geschehens ist? Nein, er ist eher ein Material. Alle diese Aktionen sind ein Erlebnis aus erster Hand. Er nimmt wirklich an ihnen teil, ist aber kein Ziel, sondern vielmehr ein Mittel, ein Instrument zur Klärung einiger Bedeutungen.

Generell ist für ihn eine Verbindung zur Vergangenheit, eine Verbindung zu den Vorfahren, die Kontinuität der Familie sehr wichtig, denn so kann er sich auf etwas verlassen, das ist eine Art „Objektivierung“ der Zeit.

Kuzkin steht in seinem Handeln im Mittelpunkt des Geschehens

Man muss mich nicht wörtlich nehmen, dass Kuzkin seine Handlungen tut, um berühmt zu werden: auf keinen Fall. Darüber hinaus agiert er als anonymer Mensch, der sich in eine endlose Reihe von Menschen einfügt, als würde er sagen: „Ich bin nur ein Mensch, nur einer von ihnen.“ Das ist ihm sehr wichtig; er beruft sich stets auf eine gemeinsame Basis, eine gemeinsame Gattung. Hier ist auch Brot für ihn...

—Primärmaterie?

Nun ja, eine Art verfassungsrechtliche Angelegenheit. Brot, das mit der Erde, menschlicher Arbeit, Schweiß verbunden ist. Er veranstaltet eine Veranstaltung, bei der er und Gefangene Skulpturen aus Brotkrumen herstellen. В другой своей работе — инсталляции «Герои левитации» — он сделал огромных людей из хлеба (4 метровой высоты), таких простодушных, беззащитных, и на этом он не остановился: разделся и залез в гамак в зале, как бы говоря: «я один Aus ihnen". Dies ist ein Werk, das er den harten Arbeitern, ihrem harten Leben und der Nähe zu den einfachen Grundlagen des Lebens gewidmet hat. Kuzkin ist sehr demokratisch.

Bäcker

Hier ist der Eisenwürfel, in dem er schrie, flüsterte und ging. Es war ein innerer Monolog, der sich dem Verlust der Verbindung zwischen dem inneren Menschen und der äußeren Umgebung widmete, der Unmöglichkeit, gehört zu werden, der Sinnlosigkeit aller Bemühungen. Nochmals darüber, warum Sie leben und was passieren wird, wenn Sie Ihr Leben beenden.

Und Kuzkin hatte es schon mehrmals vollendet: Er beschäftigte sich mit... der Sublimierung von Selbstmord, sagen wir mal. Am Grab seines Vaters brachte er eine Gedenktafel mit seinem Namen und seinem Geburtsdatum an, als wäre er gestorben. Tatsächlich erwartete er, zu sterben, wenn er genauso alt wäre wie sein Vater, und deshalb hatte er es eilig. Schon in der Kindheit wurde ihm klar, dass ein Mensch plötzlich sterben kann, und er lebt die ganze Zeit, verhandelt mit dem Tod und blickt nicht über das auf dem Grab angegebene Datum hinaus. Er probiert ständig den Tod in der einen oder anderen Form aus. Ich weiß nicht, ob er das in Zukunft tun wird ...

In der Aktion „Alles, was ist, gehört mir“ „zog“ er alle diese Krankheiten an und legte sich in einen gläsernen „Sarkophag“ und lag dort etwa fünf Stunden lang. Er dachte sehr lange über diese Aktion nach und fand schließlich die Kraft, sie auszuführen. Die für den informierten Betrachter offensichtliche Konnotation mit Montaignys „Toter Christus“ entstand zufällig. Aber die Idee der Aufopferung, das Aufnehmen des Schmerzes eines anderen, ist eine Mischung aus Ironie und leichter Selbstironie (denn ein Künstler ist eine Person, die den Schmerz eines anderen, in diesem Fall des Schmerzes eines anderen, auf sich nimmt). Sein nackter, völlig apollinischer Körper, der keine Krankheiten, keine Alterserscheinungen kennt, eine Leiche imitiert, da alle diese Krankheiten zusammen mit dem Leben unvereinbar sind, deutet auf die Transparenz des Körpers für das medizinische Auge hin, die er in der Autopsie erlangt Zimmer.

Kampagne „Alles was ist, gehört mir“

Es gab auch die Aktion „Alles liegt vor uns!“, an die sich jeder erinnert, als er künstlich einen Schlussstrich unter seine Biografie zog und sein gesamtes Eigentum, persönliche Gegenstände, Pässe, Computer, Telefon und alles, was sich bei ihm befand, in Kisten einmauerte.

— War es eher Tod oder Erneuerung?

Sie sind unzertrennlich. Um sich zu erneuern, müssen Sie Ihr früheres Ich begraben. Der Gedanke, das Leben neu zu beginnen, kommt uns allen in den Sinn. Ab Montag ist alles neu.

Aber man kann davon träumen, aber er hat beschlossen, es wahr werden zu lassen. Im heutigen Rückblick versucht er, den Weg, den er zurückgelegt hat, zu bewerten, um zu verstehen, was er wert ist und was er geschafft hat. Und in der Kampagne „Alles voraus!“ Er hat einfach alles zugemauert und diese Analyse um 29 Jahre verzögert, als er zuließ, dass diese Kisten geöffnet wurden.

Kuzkin: Um sich zu erneuern, muss man sein früheres Ich begraben

„Ich habe gehört, dass er seine eigene Sprache erfunden hat.“

Ja! Das ist ziemlich interessant und seltsam. Andrey versucht immer, Authentizität zu erreichen, also extreme Aufrichtigkeit bei der Übertragung von Bedeutungen und Erfahrungen. Aber unsere Alltagssprache ist zu abgenutzt und abgestanden, sie hat alle Momente des betrügerischen Wortgebrauchs absorbiert, und diese Sprache begann Kuzkin auch deshalb zu irritieren, weil sie nicht alles ausdrücken kann, die Sprache nicht in der Lage ist, einige echte innere Erfahrungen zu vermitteln, es ist arm, begrenzt und so weiter. Kuzkin war von der Sprache desillusioniert und legte ein Schweigegelübde ab – meiner Meinung nach eine Woche lang. Aber nachdem er aufgehört hatte zu sprechen, verspürte er immer noch das Bedürfnis, etwas auszudrücken, und begann, Zahlen zu zeichnen. Er erkannte, dass Zahlen für ihn auch eine Ausdrucksweise sind; Manche Zahlen rufen in ihm bestimmte Emotionen hervor, die zu seiner persönlichen Sprache geworden sind.

Nachdem Kuzkin seine Erfahrung des Schweigens vollendet hatte, wollte er diese erworbene Sprache nicht verlieren und beschloss, sie zu bewahren. Er schuf seine eigene Theorie, sein eigenes System und führte mehrere Aktionen durch, bei denen er den Menschen die Verwendung dieser Zahlen erklärte.

- Aber sie verstehen ihn nicht?

Und es spielt keine Rolle. Anstrengung, der Versuch zu verstehen ist wichtiger als Wissen.

Aktie

Aktionismus in der Kunst, einer Form der modernen Kunst, die in den 1960er Jahren entstand.

Der Wunsch, die Grenze zwischen Kunst und Realität zu verwischen, führt zur Suche nach neuen Wegen des künstlerischen Ausdrucks und des Gebens die Dynamik der Arbeit, ihn in eine Aktion einbeziehen (Teilen).

Aktion (oder Kunst des Handelns) wird zu einem allgemeinen Begriff für künstlerische Praktiken, in denen Der Schwerpunkt wird verschoben von der Arbeit selbst bis der Prozess seiner Entstehung.

Im Aktionismus Künstler allgemein wird zum Subjekt und/oder Objekt eines Kunstwerks.

Dem Aktionismus nahestehende Formen sind Happening, Performance, Ereignis, Aktionskunst,Kunst der Demonstration und eine Reihe anderer Formen.

Jackson Pollock und sein „Tanz“ um zukünftige Gemälde

Yves Klein und seine „lebenden Gemälde“

Im gleichen Zeitraum erreichte der Aktionismus eine neue Ebene und verwandelte sich in theatralische Aktion, erklärt sich mit Erklärungen, die die Schaffung einer vierdimensionalen Kunst rechtfertigen, die sich in Zeit und Raum entwickelt. Verwendung der neuesten Technologiefortschritt Um mit der Zeit Schritt zu halten, werden Elemente vieler Kunstarten einbezogen und neue Formen der Kreativität geschaffen. Videokunst, Umwelt, Happening, Performance.

Leistung- eine moderne Form aktionistischer Kunst, die darauf abzielt, die Archetypen des „kollektiven Unbewussten“ des Publikums zu aktivieren, eine moderne Form des spontanen Straßentheaters. Hierbei handelt es sich um eine Form der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts, bei der das Werk jede Aktion des Künstlers darstellt, die in Echtzeit beobachtet wird. Im Gegensatz zum Theater ist bei der Aufführung in der Regel der Künstler der einzige Autor.

• Zweck der Aufführung- die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich ziehen und sie, wenn möglich, in gemeinsames Handeln einbeziehen. Was bei allen Aufführungen am meisten auffällt, ist der Wunsch, das Publikum zu schockieren und zu überraschen, wobei unbedingt PR-Unterstützung durch Journalisten und Fotografen geboten wird.
• Leistung c kommt der poetischen Rezitation und Aufführung eines Musikwerks näher und kann als öffentliche Geste (physisch, verbal, verhaltensmäßig, sozial usw.) definiert werden.
• Im Kern Leistung liegt die Idee von Kunst als einer Lebensweise, die der Schaffung jeglicher materieller Gegenstände vorausgeht und diese sogar unnötig macht.
• Leistung unterscheidet sich radikal von einem klassischen Kunstwerk, kann aber unterschiedliche Gründe für diesen Unterschied hervorheben – Zeitdauer, Provokation, Geselligkeit, spielerischer Aspekt, sodass eine Aufführung völlig unterschiedliche ästhetische Programme zum Ausdruck bringen kann.
• IN „konzeptionelle“ Leistung Es ist wichtig, das Ereignis zu dokumentieren und die Lücke zwischen diesem Dokument und der Realität aufzuzeichnen. im „Anthropologischen“ – der körperlichen Beteiligung des Künstlers, manchmal selbstzerstörerisch, und der physischen Präsenz des Betrachters, manchmal bewusst für ihn unangenehm gemacht. Elemente beider Ästhetiken sind jedoch in der Regel in jedem vorhanden.

Ereignis(Englisch: Happening – Happening, Happening) – eine Art Aktionismus, am häufigsten in der Avantgarde-Kunst der 60er und 70er Jahre. Happenings entstanden Ende der 50er Jahre als Theaterform. Künftig veranstalten Künstler Happenings meist direkt im städtischen Umfeld oder in der Natur. Sie betrachten diese Form als eine Art bewegtes Werk, bei dem die Umgebung und die Objekte eine ebenso große Rolle spielen wie die lebenden Handlungsteilnehmer.

• Ereignis entwickelt sich als Ereignis, das eher provoziert als organisiert wird, aber die Initiatoren der Aktion beziehen zwangsläufig das Publikum mit ein.
• Aktion Ereignis provoziert die Freiheit jedes Teilnehmers und die Manipulation von Objekten. Alle Aktionen entwickeln sich nach einem vorgeplanten Programm, bei dem jedoch großer Wert auf Improvisation gelegt wird, die verschiedenen unbewussten Impulsen freien Lauf lässt.
• Ereignis kann Elemente von Humor und Folklore enthalten.
• In einem Happening Der Wunsch des Avantgardismus, Kunst mit dem Fluss des Lebens selbst zu verschmelzen, kam deutlich zum Ausdruck.

Umfeld(englische Umgebung – Umgebung, Umgebung) – eine der charakteristischen Formen der Avantgarde-Kunst der 1960er-1970er Jahre. Dabei handelt es sich um eine raumgreifende Raumkomposition, die den Betrachter wie eine reale Umgebung umarmt.

Installation(aus dem Englischen Installation – Installation) – eine von einem Künstler geschaffene räumliche Komposition aus verschiedenen Elementen – Haushaltsgegenständen, Industrieprodukten und Materialien, Naturobjekten, Text oder visuellen Informationen. Installation ist eine im 20. Jahrhundert weit verbreitete Kunstform.

• Gründer Installationen es gab den Dadaisten M. Duchamp und die Surrealisten.
• Indem der Künstler ungewöhnliche Kombinationen gewöhnlicher Dinge schafft, verleiht er ihnen eine neue symbolische Bedeutung.
• Ästhetischer Inhalt Installationen Es ist notwendig, im Spiel nach semantischen Bedeutungen zu suchen, die sich je nach Standort des Objekts ändern – in der üblichen Alltagsumgebung oder in der Ausstellungshalle.
• Installation geschaffen von vielen Avantgarde-Künstlern R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov.

Körperbemalung ist die Kunst des Körpers, eine Avantgarde-Bewegung, die in den 60er Jahren entstand.

• Vertreter Körperbemalung nutzten ihren Körper als Material oder Objekt der Kreativität und griffen dabei auf verschiedene, teilweise schmerzhafte Manipulationen zurück: Sie bedeckten ihre Körper mit Gips, machten Schnitte, führten anstrengende Atemübungen durch und verbrannten ihre Haare.
• Besondere Sorte Körperbemalung— Selbstdarstellung des Künstlers; einige Erscheinungsformen der Körperbemalung waren erotischer und sadomasochistischer Natur.
• Als Ausdruck des Aktionismus Körperbemalung kam einer Reihe von Phänomenen nahe, die im Einklang mit der Gegenkultur entstanden (Tätowierungen, Körperbemalung, Nudismus, sexuelle Revolution).

Video - Kunst(englische Videokunst), eine Richtung der bildenden Kunst des letzten Drittels des 20. Jahrhunderts, die die Möglichkeiten der Videotechnologie nutzt. Kunst mit Fernsehtechnik - Videokunst,– entstand aus einem Protest gegen die Dominanz der Massenkultur, deren höchste Verkörperung die Fernsehübertragung ist.

• Anders als das Fernsehen selbst, das für die Ausstrahlung an ein Massenpublikum konzipiert ist, Videokunst setzt Fernsehempfänger, Videokameras und Monitore in einzigartigen Happenings ein und produziert darüber hinaus Experimentalfilme im Sinne der Konzeptkunst, die in besonderen Ausstellungsräumen gezeigt werden.
• Mit Hilfe moderner Elektronik zeigt es sozusagen „das Gehirn in Aktion“ – einen klaren Weg von der künstlerischen Idee bis zur Umsetzung.
• Hauptgründer Videokunst- Koreanisch-amerikanischer Nam Jung Paik.
• Die „Väter“ der Videokunst, Nam Jung Paik und Wolf Vostel, jeder auf seine Art, spottete über anständige Bürger, die sich jeden Abend entspannt vor den Fernseher setzten.
• In den 60er Jahren organisierte Wolf Vostel Happenings, bei denen Fernseher mit Sahnetorten beworfen, mit Stacheldraht festgebunden, feierlich begraben und sogar mit Maschinengewehren beschossen wurden.
• Gute Kunst hat immer eine starke Wirkung auf einen Menschen – sie weckt Gefühle, Gedanken, Ideen und Handlungen in ihm. Videokunst verfügt über technische Einflussmöglichkeiten, die stärker sind als Malerei, Grafik, Skulptur.
• Vielleicht kann nur das Leben selbst hinsichtlich der Schwere seiner Wirkung mit der Videokunst mithalten. Es ist kein Zufall, dass diese glaubwürdigste aller Künste von Wolf Vostel genannt wurde „Flucht in die Realität.“

Flash Mob(englischer Flashmob – Flash – Blitz; Moment, Moment; Mob – Menschenmenge, übersetzt als „Flash of the Crowd“ oder als „Instant Crowd“) ist eine vorgeplante Massenaktion, bei der eine große Gruppe von Menschen ( Gangster) taucht plötzlich an einem öffentlichen Ort auf, mehrere Minuten lang führen Menschen mit ernstem Blick vorab vereinbarte Handlungen absurden Inhalts aus (Szenario) und zerstreuen sich dann gleichzeitig schnell in verschiedene Richtungen, als wäre nichts passiert.

Kinetische Kunst(vom griechischen Kineticos – „in Bewegung setzen“) – eine Bewegung in der modernen Kunst, die mit der weit verbreiteten Verwendung bewegter Objekte verbunden ist und auf der Idee der Bewegung der Form basiert. Die Dynamik eines Objekts bedeutet nicht nur seine physische Bewegung, sondern jede Veränderung, Transformation, mit einem Wort, jede Form des „Lebens“ des Werks, während der Betrachter es betrachtet
Kinetische Kunst entstand in den 20-30er Jahren, als V. E. Tatlin in der UdSSR (Modell des Denkmalturms der Dritten Internationale, 1919-20) und später A. Calder in den USA (die sogenannten Mobiles) usw. gaben Durch die Rotations- oder Translationsbewegung einzelner Teile ihrer Werke versuchten sie, die traditionelle statische Natur der Skulptur zu überwinden, um ihrer Interaktion mit der Umwelt mehr Aktivität zu verleihen.

Protokinetisch Tendenzen gab es in der Kunst bereits in den 20er Jahren, im Werk russischer Konstruktivisten (Modernisten) (A. Rodtschenko, V. Tatlina, N. Gabo usw.) sowie einiger westdeutscher Dadaisten (M. Duchamp). Die kreative Suche dieser Künstler in diesem Bereich ebnete den Weg für die Blüte des Kinetismus, der sich zu einer relativ soliden Bewegung entwickelte, die ab den 50er Jahren durch problematische Ausstellungen, Manifeste, Tests und Projekte bekannt wurde.

Auf diese Weise:
In den 50er – 60er Jahren. Kunst erreicht eine neue Ebene und wird zu einer Art Theateraufführung, die sowohl in besonderen Räumlichkeiten als auch in der Natur oder auf Straßen und Plätzen der Stadt aufgeführt wird und Elemente vieler Arten von Kunst und Kunstpraktiken (sowohl statisch als auch prozessual) umfasst.

Auf diese Weise reagierte die POST-Kultur auf die theoretische und praktische Tendenz vieler Künste, die in der Mitte des Jahrhunderts bereits recht traditionell geworden waren, zu einer Art synthetischer Vereinheitlichung, zur Entlassung der Kunst aus Museums- und Ausstellungshallen in die Kunst Umwelt (Umweltansatz der Kunst), hin zu einer aktiveren Einbindung der Rezipienten in den Prozess der Kreativität (Happening).

Schließlich handelte es sich um eine eigentümliche Reaktion der Kunstpraxis auf die Errungenschaften des wissenschaftlichen und technischen Fortschritts (NTP und Kunst), die einerseits den Wunsch des künstlerischen Denkens zeigte, mit ihm Schritt zu halten, und andererseits das offenbarte völlige Verwirrung des ästhetischen Bewusstseins vor einem riesigen und unfassbaren Monster, das im Laufe eines halben Jahrhunderts fast zur Zerstörung aller traditionellen Kunstformen und künstlerischen Ausdrucksmethoden führte.

Seit der Mitte des Jahrhunderts erscheinen regelmäßig künstlerische Manifeste und Erklärungen (insbesondere das „Weiße Manifest“ von L. Fontana, die Aufrufe des Komponisten D. Cage usw.), die die Notwendigkeit der Schaffung von vier begründen oder erklären -dimensionale Kunst im Einklang mit neuen Lebensbedingungen, die sich in Raum und Zeit entwickelt, die Aufmerksamkeit auf bestimmte Lebensaktivitäten konzentriert und die neuesten Errungenschaften von Technologie und Technologie nutzt, um mit der Zeit Schritt zu halten.

Im Gegensatz zur traditionellen Theater- oder Musikkunst sind (Aufführungen) in der Regel irrationaler, paradoxer und absurder Natur und richten sich direkt an die außerbewussten Ebenen der Psyche des Rezipienten. Gestik, Mimik, Handlungspausen und Gesten sind von großer Bedeutung. Die Entwicklung der Handlungskunst wurde maßgeblich von der Leidenschaft ihrer Schöpfer für östliche und primitive Kulte, schamanische Rituale, östliche philosophische und religiöse Lehren, Lehren, Meditationspraktiken usw. beeinflusst.

Über Starikova Julia

Was ist Aktionismus? Wenn Sie diesen Begriff gehört haben, werden sich diejenigen unter Ihnen, liebe Leser, die in ständigem oder zumindest periodischem Kontakt mit dem Informationsfluss stehen, mit ziemlicher Sicherheit an heimische Künstler dieses Genres erinnern. Wir werden die Handlungen dieser mutigen jungen Menschen nicht noch einmal beschreiben; wir beschränken uns auf die Feststellung, dass alle ihre Handlungen hauptsächlich politischer Natur sind und sich gegen bestimmte Phänomene richten. Diese Merkmale sind für sie von entscheidender Bedeutung, aber nicht definierend für diese Kunstform als Ganzes. Daher wäre es ein Fehler, Aktionismus mit den Possen unterschiedlicher Absurdität lokaler „Aktivisten“ in Verbindung zu bringen.

Tatsächlich entstand der Aktionismus auf der Suche nach neuen künstlerischen Ausdrucksformen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die Voraussetzungen für seine Entstehung waren jedoch schon früher gegeben. So können beispielsweise die Zerstörung von Einzelhandelsgeschäften im Tempel und die anschließende Kreuzigung Jesu als Manifestationen des Aktionismus angesehen werden – erklärt durch das Neue Testament und die Werke der Kirchenväter fallen diese Ereignisse vollständig in die Kategorie des Aktionismus. Aber im traditionellen Sinne entstand die Ideologie des Aktionismus zu Beginn des 20. Jahrhunderts – in dieser Zeit wurde die Einstellung zur Kunst intellektualisiert und der Schwerpunkt verlagerte sich vom Visuellen zum Theoretischen. Ästhetik in ihrem klassischen Verständnis tritt meist in den Hintergrund, und hier spielten Marx‘ Theorien über den Klassencharakter der Schönheitsidee und der Freudianismus eine Rolle, den die Kunst gemeinhin als sekundäre Sphäre der Triebsublimierung bezeichnete; schon bei Kant existiert die ästhetische Sphäre als Ausdruck der Wahrheit, also als Form für einen bedeutungsvolleren Inhalt. In der zeitgenössischen (auch zeitgenössischen) Kunst ist die Bedeutung in den Vordergrund gerückt, aber in welcher Form sie dargestellt wird, ist eine andere Frage. Wenn man es so betrachtet, unterscheidet sich der Aktionismus nicht von anderen modernen Kunstformen. Sozusagen ein Kind seiner Zeit. Ästhetischer Wert wird als „Dekoration“ postuliert, die aus dem Raum der „Notwendigkeit“ entfernt wird.

So wurde der Beginn des 20. Jahrhunderts zur Ära der Blütezeit des kulturellen Avantgardismus, der eine grundsätzliche Ablehnung allgemein anerkannter Normen proklamierte. Aus dem Avantgardismus gingen Surrealismus, Abstraktionismus und Kubismus hervor – der Beginn des 20. Jahrhunderts wurde zu einer Ära der unermüdlichen Suche nach neuen Lösungen, Interpretationen und Experimenten. Was letztendlich einen Teil der kreativen Intelligenz zu der Idee führte, dass bestimmte künstlerische Bilder nur in Aktion ausgedrückt werden können, oft im direkten Kontakt mit der Öffentlichkeit.

Einer der Pioniere des Aktionismus ist der amerikanische Künstler Paul Jackson Pollock, oder Jack the Sprinkler, wie ihn Journalisten nannten. Zu diesem Zeitpunkt hatte er sich bereits von der traditionellen Malerei entfernt und war insbesondere von den Werken der Vertreter der modernen Kunst beeindruckt. Also begann Pollock, die Marke „Abstrakter Impressionismus“ zu fördern, wobei ihm die Presse aktiv half, begierig auf alles Neue. Seine Arbeit wurde von Hans Namuth fotografiert, wobei er die „fließende Technik“ des Autors einfing. Die richtige Art der Medienberichterstattung verschaffte Pollock die Gunst wohlhabender zeitgenössischer Kunstkenner, und seine Arbeit vor der Kamera gilt heute als eines der ersten Beispiele für Aktionismus, ebenso wie die Philosophie seiner Arbeit. Wie Sie sehen, war die Medienorientierung im Aktionismus von Anfang an erkennbar.

Ein weiterer Dirigent des Aktionismus in die Welt der zeitgenössischen Kunst ist Yves Klein, ein französischer Experimentalkünstler, Innovator, Judoka, Mystiker und großer Meister in der Erstellung eines lauten Newsfeeds. Er inszenierte verschiedene Auftritte für das angesehene Publikum: Er schmachtete in Erwartung, einen leeren Raum zu besuchen, verwöhnte sich mit identischen blauen Gemälden, unterhielt sich mit nackten Modellen, die mit blauer Farbe bemalt waren und Abdrücke ihrer nackten Körper auf Papierleinwänden anfertigten. Und das alles hatte natürlich ein eigenes Konzept, einen einprägsamen Namen und erregte natürlich die Aufmerksamkeit der Presse.

Eine von Kleins berühmtesten Aufführungen war „Sprung ins Leere“ (Le Saut dans le vide), gekonnt von Fotografen festgehalten und später auf dem Pariser Avantgarde-Kunstfestival präsentiert.

Ende der 50er Jahre ähnelte der Aktionismus den Theateraufführungen – es handelt sich nicht mehr nur um künstlerische Possen, die den Leser überraschen, sondern um interaktive Aufführungen in vier Dimensionen. Dies ist bereits ein Versuch, die Grenzen zwischen Kunst und Realität aufzuheben. Tatsächlich bieten all diese Aufführungen, Happenings, Ereignisse und andere damit verbundene „künstlerische“ Formen, die oft nicht voneinander zu unterscheiden sind, das weiteste Feld für die Manifestation der Vorstellungskraft und Persönlichkeit des Autors. Und daher ist es die Persönlichkeit, die hier die entscheidende Rolle spielt; es hängt von der Persönlichkeit ab, was den potenziellen Empfänger erwartet – Kunstterrorismus oder Gruppenmeditation mit Schnurren.

Salvador Dali zum Beispiel hätte ein echter Meister des Aktionismus werden können, aber leider hielt er es nicht für nötig, seine schockierenden Possen, von denen es einige gab, in irgendeiner Weise zu kommentieren: Er schnitt Honig mit einer Schere, ging umher Ameisenbär und ritt nackt auf einem Holzpferd. Daher stellt sich heraus, dass jeder Trick als Aktionismus eingestuft werden kann, jedoch nur, wenn ihm eine „Erläuterung“ beigefügt ist, die zumindest bedingt auf den Kern der Absicht der Urheber der Aktion hinweist. Theoretisch sollte auf diese Weise ein künstlerischer Dialog zwischen der Gesamtgesellschaft und ihrer künstlerischen Avantgarde geführt werden, die sich als die fortschrittlichsten Elemente dieser Gesellschaft versteht. Doch in der Praxis begannen die Botschaften der „Künstler“ einen zunehmend situativen, opportunistischen Charakter anzunehmen, der darauf abzielte, spezifische Ideen und Gefühle zu fördern.

​Wenn Malewitsch noch den Raum der Kunst vom Alltagsleben abgrenzte, dann ließ Duchamp nichts unversucht, diese Grenze zu überschreiten und in der Kunst Gegenstände des Alltagslebens als Kunstwerke zu demonstrieren und umgekehrt. Etwas Erhabenes wird zur Verschwendung, zur Verschwendung – zum Objekt der aufmerksamen Aufmerksamkeit des Betrachters. Alle Grenzen werden aufgehoben und die Hauptsache wird zum Aussehen als Kategorie (naja, die Bedeutung, was wären wir ohne sie). Aktionismus in dieser Hinsicht ist im Zeitalter der Replikation von Kunstwerken, der Leugnung des ästhetischen Prinzips als vorherrschendem und der verwischten Grenzen bereits eine eher traditionelle Sache, die nicht über den Rahmen der traditionellen (modernen) Kunst hinausgeht, wo Die dominierende Stellung nimmt die Einzigartigkeit der Aussage ein.

So entwickelt sich auch der existentielle Aktionismus, der bestimmte „ewige“ philosophische Fragen und darauf basierende grundlegende psychologische Dilemmata zum Ausdruck bringt. Es gibt einen Aktionismus mit einem sehr engen Fokus, der darauf abzielt, Bedeutungen zu vermitteln, die für eine bestimmte Gruppe von Menschen verständlich und relevant sind. Solche Aktionen werden jedoch auch innerhalb dieser Gruppe durchgeführt, und daher kann man von ihrer Existenz nur von Dritten erfahren. Die Medien verbreiten nur Informationen über die resonantesten Aktionen, die oft eine politische Ausrichtung haben.

Gleichzeitig ziehen politische Aktionen die marginalsten Elemente an, die oft nichts mit der Welt der Kreativität zu tun haben. Ihre Aktionen diskreditieren den Aktionismus in den Augen des Massenpublikums, sorgen aber gleichzeitig für laute Newsfeeds und sorgen für gesellschaftliche Resonanz. Wenn wir im Kontext der Kunst über solche „Künstler“ sprechen, können wir uns an eine interessante Bemerkung erinnern, die Anatoli Osmolowski, der als einer der Begründer des Moskauer Aktionismus verehrt wird, in einem Interview mit Afisha gemacht hat:

- Wenn Kunst echt ist, geht es ihr nie um Dekoration.

Dieses Zitat ist in vielerlei Hinsicht bedeutsam. Erstens schließt sein Autor beispielsweise das Gemälde des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo aus der Liste der Werke „echter Kunst“ aus. Schließlich handelt es sich hierbei um Dekoration. Oder aufgeführt von Viktor Vasnetsov. Dies sind zwei Beispiele, die buchstäblich sofort entstanden sind. Aber wenn man darüber nachdenkt, schließt Osmolovskys Aussage sowohl die Auftritte seiner Kollegen als auch seine eigenen von der Liste der „echten Kunst“ aus, weil sie alle nichts anderes sind als die künstlerische Darstellung bestimmter Ideen. Aber wenn man globaler denkt, dann ist jede Kreativität im Prinzip die materielle Gestaltung eines künstlerischen Konzepts.

Das ist die Essenz des modernen Mainstream-Aktionismus. „Lautstarke“ „Kunstveranstaltungen“ richten sich immer an die Medien und sind bestenfalls ein Marketing-Trick oder eine individuelle Kampagne, bei der es im Wesentlichen um Profit geht. Und im schlimmsten Fall ist es ein Ausdruck des überzogenen Egos des Handlungsautors, der seine eigenen Ansichten für ausschließlich richtig hält und bestrebt ist, seine Vision in der Regel mit Hilfe von Offenheit möglichst vielen Empfängern zu vermitteln provokative Handlungen, die seine Handlungen mit der Bedeutung der darin enthaltenen Ideen rechtfertigen. Dies ist die Kunst der Provokation, die Kunst der Zerstörung, eine Manifestation menschlicher Eitelkeit und Eigennutz, verborgen hinter einem Schleier erhabener Bedeutungen, aber keineswegs eine künstlerische Praxis.

Gleichzeitig werden auch völlig harmlose, friedliche und ungewöhnliche Aktionen, Aufführungen, Veranstaltungen und andere Aktionen durchgeführt, die bestimmte Ideen und Bedeutungen tragen. Doch aufgrund der dürftigen Berichterstattung in der Presse bleibt es eine Kunst für einen engen Kreis von Kennern und Experten, deren Elitismus die oben genannten Randgruppen gerne anprobiert.

Mit einer schmutzigen Zigeunerin vor Menschen Koitus begehen oder sich mit den schärfsten Dingern aus dem Gartenladen festnageln, mitten in der Großstadt ein Fortpflanzungsorgan zeichnen oder in Kirchen Tänze veranstalten – das alles ist gnadenloser russischer Aktionismus. Ob dies aufgerufen werden kann, ist fraglich. Meine Kameraden, ein Operettenkünstler und Geigenlehrer am Konservatorium, haben mich einmal gescholten, weil ich Aktionismus unbeholfen mit Kunst gleichgesetzt habe.

Doch ein anderer Regisseurkollege argumentierte mit Schaum vor seinem rissigen Mund, dass dies die beste Kunst sei, da der Selbstausdruck des Künstlers nicht dem Bewertungsrahmen der spießbürgerlichen Massen unterworfen werden dürfe. Einfach ausgedrückt: „Du verstehst nichts, das ist Kunst.“ Aber welcher? Äußerst sozial und politisch? Oder kann der Selbstausdruck nicht in diesem Rahmen enthalten sein? Doch die Aktionisten selbst verheimlichen nicht, dass es sich um einen Protest handelt.

Es ist nur so, dass die jüngste Aktion des legendären Künstlers Pavlensky nicht anders als „heroischer Wahnsinn“ genannt werden kann? Was ist das: eine politisch motivierte künstlerische Geste oder ein Angriff eines „Stadtguerillas“ – darüber wird noch lange debattiert. War das Spiel die Mühe wert? Pawlenski selbst wird diese Frage beantworten und damit der vielleicht mächtigsten Organisation des Landes eine schallende Ohrfeige versetzen. Es ist schwer, den Künstler und seine Worte unmittelbar nach seiner Verhaftung zu verstehen: „Ich denke, dass diese Tat als eine Geste angesichts des Terrorismus betrachtet werden sollte.“ „So bekämpfe ich den Terror“ kann beliebig interpretiert werden. Anstatt also die Aktionen zu analysieren, schlage ich vor, dass Sie in die verrückte Geschichte des Aktionismus im russischen Land eintauchen, voller Idiotie, Kuriositäten und nackter Körper.

Pawlenski, wie er ist

Russland der Zehntel ist „Krieg“ und Pawlenski. Es gibt keinen vierten Namen auf der Liste, aber drei sind ziemlich viel. Dreimal mehr als eins und unendlich oft mehr als null.
– Oleg Kashin –

Wenn wir uns das nächste Mal mit einem freundlichen Wort an die Gruppen „War“ und „Pusek“ erinnern, dann wäre es eine Schande, Pawlensky jetzt nicht zu erwähnen. Eine herausragende Persönlichkeit, was auch immer man sagen mag. Ein Mann, dessen Eier buchstäblich aus Stahl sind. Der berühmteste „Künstler“ Russlands wurde vor dem Anzünden der FSB-Tür durch folgende Aktionen berühmt:
„Naht“ – Am 23. Juli 2012 stand der Künstler anderthalb Stunden lang mit zugenähtem Mund an einem Mahnmal in der Nähe der Kasaner Kathedrale und hielt ein Plakat mit der Aufschrift: „Die Aktion von Pussy Riot war eine Wiederholung der berühmten Tat von Jesus Christus.“ Auf die Fragen: „Sasha, was zum Teufel!?“ - er antwortete:

Indem ich meinen Mund vor dem Hintergrund der Kasaner Kathedrale zunähte, wollte ich die Stellung des modernen Künstlers in Russland zeigen: das Glasnost-Verbot. Ich bin angewidert von der Einschüchterung der Gesellschaft, der Massenparanoia, deren Erscheinungsformen ich überall sehe.

Dann war da noch „Carcass“. Ein seltsamer öffentlicher Protest gegen die Unterdrückung bürgerschaftlicher Aktivitäten, die Einschüchterung der Bevölkerung, die wachsende Zahl politischer Gefangener, Gesetze über NGOs, 18+-Gesetze, Zensurgesetze, die Aktivitäten von Roskomnadzor, das Gesetz zur Förderung von Homosexualität. Pawlenski und mit ihm Millionen No-Names waren bereit, mit heiserer Stimme zu beweisen, dass diese Gesetze nicht gegen Kriminalität, sondern gegen Menschen gerichtet sind. Infolgedessen befand er sich vor dem Hintergrund der gesetzgebenden Versammlung von St. Petersburg in einem vielschichtigen Kokon aus Stacheldraht. Die arme Polizei musste es mit einer Gartenschere abschneiden, um an den schweigsamen und bewegungsunfähigen Pawlenski zu gelangen. Einem scharfen Verstand wird die Allegorie auffallen, dass der Künstler durch den Stacheldraht in die stacheligen Pfoten der Organe fiel.

Und dann war da noch das legendäre „Fixation“. Ein stiller Künstler nagelte einen Hodensack an uralte Steine ​​auf dem vereisten Novemberpflaster. In einer Erklärung schrieb der Held des Anlasses: „Der nackte Künstler, der seine an die Pflastersteine ​​des Kremls genagelten Eier betrachtet, ist eine Metapher für die Apathie, politische Gleichgültigkeit und den Fatalismus der modernen russischen Gesellschaft.“

Nackt auf dem Zaun des gleichnamigen Instituts für Psychiatrie sitzend. Serbsky in Moskau und das Abschneiden seines Ohrläppchens aus Protest gegen die Nutzung der Psychiatrie für politische Zwecke erscheinen nach Van Gogh zweitrangig.
Es stellen sich Fragen: Gab es eine andere Möglichkeit, seinen Protest zum Ausdruck zu bringen, und wie ist er nicht gestorben? Es ist kalt und er ist immer nackt. Aber wenn das zweite durch Mut erklärt werden kann, dann kann das erste nur durch die Vision und die psychische Störung des Künstlers erklärt werden.
Das Interessanteste ist, dass der Künstler selbst Aktionismus nicht als Kunst einstuft:

Ich glaube überhaupt nicht, dass Aktionismus in direktem Zusammenhang mit zeitgenössischer Kunst steht. Zeitgenössische Kunst steht im Gegensatz zur traditionellen, klassischen Kunst. Aktionismus kann weder klassisch noch modern sein. Diogenes masturbierte auf dem Platz – auch Brener masturbierte. Der christlichen Mythologie zufolge wurde Jesus ans Kreuz genagelt – also nagelte Mavromatti sich selbst ans Kreuz. Diese Gesten sind zeitlos ... Jede Kunst ist grundsätzlich politisch, weil der Künstler weiß, in welchem ​​​​Regime er lebt und was er in dieser Hinsicht tun und lassen sollte. Und Aktionismus, also politische Kunst, impliziert, dass der Mensch bewusst beginnt, mit den Instrumenten der Macht zu arbeiten. Und der Zweck der Kunst sind Befreiungspraktiken, der Kampf um die Verkörperung des freien Denkens.

Natürlich scheint das Wort „Held“ im Kontext dessen, was getan wurde, selbst für die radikale Opposition zu stark zu sein. Es ist einfach ein Phänomen. Sehr konkret und mutig. Aber wenn Pawlenski nicht darum gebeten hätte, den Anklagepunkt von Vandalismus auf Terrorismus zu ändern, dann wären seine Handlungen sinnvoll gewesen, und im normalen Leben gibt es genug Gehabe.

Sowohl diese als auch „E.T.I“

Ich finde es sehr gut, dass es eine solche Art zeitgenössischer Kunst wie den Aktionismus gibt. Und es ist gut, dass es bei breiten Bevölkerungsschichten auf Ablehnung stößt, denn generell besteht die Aufgabe der Avantgarde und der zeitgenössischen Kunst nicht darin, transparent zu sein. In dieser Welt der totalen Geschwindigkeit, der absoluten Transparenz und des endlosen Geschwätzes muss es eine Art „Hardcore“, einen Kern geben. Zeitgenössische Kunst ist dieser Kern, und nicht jeder kann damit umgehen. Und so soll es sein. Und dann müssen wir die Temperatur noch weiter erhöhen.
– Anatoly Osmolovsky –

Vor allen Arten von Pussy Riot, NBP und anderen Freuden des russischen Protests gab es Ende der 80er Jahre eine recht aufgeweckte Gruppe mit dem charakteristischen Namen „E.T.I.“ Laut Osmolovsky wurde die Bewegung eher als Modell einer Jugendsubkultur erfunden. Der Name wurde aus der Alltagssprache gewählt, obwohl er für „Enteignung des Territoriums der Kunst“ stand. Es war vor allem für seine Helden berühmt. Osmolovsky gilt bis heute als einer der bedeutendsten russischen Künstler und als Anführer des Moskauer Aktionismus. Unter anderem spielte er die Rolle eines Kapitäns, der der Gewalt von Wladimir Epifantsew zum Opfer fiel, der ihm den Mund schwängerte und mit Elementen des Bullseye-Tanzes einen unvergesslichen Vortrag über Pearl Harbor hielt. Mavromatti war der Produzent dieses Films und machte sich mit seinen eigenen Anteilen einen Namen.
Dmitry Pimenov, der versuchte, das Mausoleum in ritterlicher Rüstung zu besuchen, aber stattdessen das Irrenhaus besuchte.

Ihre auffälligste Aktion fand im fernen und kritischen Jahr 1991 statt. Die Körper der Teilnehmer legten auf den „heiligen Pflastersteinen“ des Roten Platzes genau dasselbe dreibuchstabige Wort nieder, das mit dem Buchstaben X begann, was überhaupt nicht „dick“ oder „hoy“ bedeutet. 14 Leichen gab es Gerüchte, dass die Zeile über dem Buchstaben „Y“ Schenderowitsch selbst war, aber Osmolowski wies dies zurück.
Es scheint, was ist daran falsch? Auf den Instagrammen von Schulkindern gibt es Schlimmeres. Aber Tatsache ist, dass es immer noch die Sowjetunion war, und was für jeden, der den Geboten Iljitschs treu bleibt, am blasphemischsten ist: Die Aktion wurde am Vorabend von Lenins Geburtstag durchgeführt und als Angriff auf sein Andenken interpretiert.
Obwohl die Aktion formal zeitlich auf das kürzlich erlassene Moralgesetz abgestimmt war, das unter anderem das Fluchen an öffentlichen Orten verbot.
Osmolovsky argumentiert, dass die Idee der Aktion (neben ihrer offensichtlichen Protestbedeutung) darin bestand, zwei Zeichen gegensätzlichen Status zu kombinieren: den Roten Platz als höchsten hierarchischen geografischen Punkt auf dem Territorium der UdSSR und das am meisten verbotene Randwort.
Was den Sinn des Protests betrifft, so handelte es sich um einen Protest gegen steigende Preise und die nahezu physische Unmöglichkeit, zu existieren und zu arbeiten.
Zusätzlich zu den wohlverdienten Strahlen des Ruhms hat E.T.I. wurden gemäß Artikel 206 Teil 2 „böswilliger Rowdytum, der sich inhaltlich durch außergewöhnlichen Zynismus oder besondere Unverschämtheit auszeichnet“ angeklagt. Es klingt wie ein Monolog aus einem Film in einer „Goblin“-Übersetzung.

Mavromatti flankt

Der anmutige Grieche des Aktionismus, Oleg Mavromatti, stammt von denen, die „E.T.I.“ sind, und brachte Anfang der 2000er Jahre Moralwächter der Staatsanwaltschaft zur Weißglut, die ihm vorwarfen, interethnischen und interreligiösen Hass zu schüren. Seitdem lebt Oleg Yuryevich in New York und erzählt auf seinem YouTube-Kanal in seiner einzigartigen nasalen Art äußerst interessante Dinge (z. B. welche Substanzen er in den 80er-Jahren probierte).
Was machte diesen intelligenten, wenn auch nicht ohne einige Kuriositäten jungen Mann so verrückt? Nicht durch die Entstehung des Films „Breaks“, in dem das Geschlechtsorgan in eine Ikone gestochen und ein Baby gefickt wurde, sondern durch die Aktion „Don’t Believe Your Eyes“. Findet an einem für eine solche Veranstaltung besonderen Ort statt – auf dem Territorium des Instituts für Kulturwissenschaften des Kulturministeriums der Russischen Föderation. Zunächst wurde er an ein Kreuz aus Brettern gefesselt, anschließend nagelten Helfer seine Hände mit 100-Millimeter-Nägeln fest. Auf Mavromattis nacktem Rücken wurden mit einem Rasiermesser die Worte „ICH BIN NICHT DER SOHN GOTTES“ eingeritzt. Im Gegensatz zu Jesus Christus konnte Mavromatti die Qualen nicht ertragen und wurde nach Stunden des Stöhnens und Leidens vom Kreuz abgenommen.
Mavromatti erklärte den Journalisten:

Ich kenne keinen einzigen Künstler im Weltkino, der von Natur aus den Schmerz spielen würde. Diese Szene symbolisiert echtes Leid, echte Opfer, über die in der Kunst schon lange spekuliert wird.

Als die Behörden dann begannen, Anklage gegen ihn zu erheben und seine Materialien beschlagnahmt zu haben, reiste er in die Heimat seiner Frau – Bulgarien. Seine Frau ist übrigens auch eine Aktionistin, die sich für Frauenrechte einsetzt. Rossa ist übrigens der Autor der „Last Valve“-Kampagne. Sie prophezeite eine Gesellschaft ohne Geschlechterbeschränkungen und nähte ihre Vagina zu. So eine nette Frau.
Im Exil blieb Mavromatti sich selbst treu: Entweder würde er die Verfassung der Russischen Föderation mit venösem Blut umschreiben, oder er würde Menschen, die der Meinung sind, dass der Künstler eine strafrechtliche Verfolgung verdient, einladen, ihn online zu schockieren. Und kürzlich hat er alle Videos von „Orthodoxer Schwuler, Patriot, dein Freund und Genosse Astakhov Sergius“ zu einem ganzen Film „No Country for Fools“ zusammengeschnitten, für den er viele Preise erhielt. In Europa lieben sie russische Narren.
Geißelung im Namen des Protests ist übrigens ein längst vergessener Akt. Eine verrückte Serbin, Marina Abramovich (Betonung auf der zweiten Silbe, und das ist wichtig), geißelte sich endlos vor dem Volk. Während der Aufführung „Thomas Lips“ (1975) aß Abramović ein Kilogramm Honig und trank einen Liter Rotwein, zerbrach ein Glas mit der Hand, schnitt sich mit einem Rasiermesser einen fünfzackigen kommunistischen Stern auf den Bauch, peitschte sich selbst und … Dann legte sie sich auf ein kreuzförmiges Stück Eis und richtete es auf sich selbst.

Der Aktionismus entwickelt sich logischerweise in den rauen Realitäten des 21. Jahrhunderts weiter und tut das Gleiche, was jeder tut, was für ein einfaches Gehirn unzugänglich ist: Der Versuch, Form und Farbe zu überwinden, die eigentliche Idee der künstlerischen Technik, die Kunst, ist zum Tabu geworden Subjekte und damit auf den Körper. Es ist logisch, dass der nächste Schritt darin besteht, den Körper selbst zu überwinden. Nur sehen die Behörden darin keine Fortsetzung der Traditionen der Possenreißer, sondern lediglich eine Drohung und direkte Appelle.
Wir (mit Ausnahme von Dima Enteo, German Sterligov und gut der Hälfte der russischen Regierung) verstehen, welche Vorteile beispielsweise Wissenschaftler haben, die neue radikale Hypothesen verteidigen, oder innovative Unternehmer, die Kapital riskieren, um vage Aussichten zu verfolgen. Auch politische Aktivisten oder Aktionskünstler haben ihre eigene Funktion – die etablierte Ordnung und die magische Macht der Autoritäten in Frage zu stellen.
Doch was sind diese Aktien wert, wenn sie von der Mehrheit abgelehnt werden? Damit befassen wir uns im nächsten Teil.