Russische Malerei des 13.-14. Jahrhunderts. Russische Malerei des XIV Jahrhunderts. Fresko von Theophanes dem Griechen in der Erlöserkirche in der Ilyin-Straße in Nowgorod

Die führende Rolle in der italienischen Malerei des 13. Jahrhunderts spielte die byzantinische Tradition. Italien war ein buntes Konglomerat kultureller Zentren. Eine besondere Rolle unter den zahlreichen lokalen Schulen spielten Florenz und die Toskana im Allgemeinen - die Städte Pisa, Lucca, Siena. Die ersten Anzeichen der Renaissance erscheinen laut Vasari Ende des 13. Jahrhunderts zusammen mit zwei großen Florentinern - Cimabue und Giotto, die die byzantinischen Techniken verwarfen und zu echten alten Traditionen zurückkehrten. Die malerische Reform von Giotto erwies sich als Quelle fruchtbarer und kreativer Suche nach Künstlern des 14. Jahrhunderts. Und obwohl keiner von ihnen es schaffte, der Nachfolger von Giottos synthetischem Stil zu werden, haben alle großen Künstler der führenden Zentren - die Sieneser Simone Martini, Pietro und Ambrogio Lorenzetti sowie die norditalienischen Künstler Pietro da Rimini und Giovanni Milano - in ihrer kreativen Entwicklung mitgewirkt Folgen Sie dem von Giotto vorgezeichneten Weg. Nach den Fresken in der Kirche San Francesco in Assisi wird Cimabue zum bedeutendsten Florentiner Maler des 14. Jahrhunderts. Entscheidend wird sein Einfluss auf die Entwicklung der toskanischen Malerei. Er beeinflusste auch die Komposition des Stils des führenden sienesischen Künstlers dieser Zeit, Duccio.

In der Komposition „Die thronende Jungfrau umgeben von Engeln“ verändert sich Cimabues Stil unter dem Einfluss der Werke des Bildhauers Niccolò Pisano, die er in Rom und besonders in Pisa sehen konnte. Der Künstler versucht, sich vom byzantinischen Stil weg zum antiken Erbe zu bewegen. Die grausame Interpretation der Formen wird durch eine zartere und flexiblere, sogar sinnlichere Darstellung des Fleisches ersetzt. Im Bild von Vorhängen erscheinen anstelle von goldenen Linien plastische, kraftvolle Falten, die die Skulptur imitieren. Die Farbe wird raffinierter, wobei Blau-, Rosa-, Flieder- und Hellgelbtöne vorherrschen.

Foto von Cimabues Gemälde "Die Jungfrau auf dem Thron, umgeben von Engeln"

In der Geschichte der europäischen Malerei galt Giotto immer als der Erste, der die Züge des Realismus in die Malerei einbrachte. Die Richtung in der Malerei, die mit Giotto begann, implizierte eine dreidimensionale Interpretation des Raums als dreidimensional und real. Die körperlosen Körper im surrealen Raum seiner Malerei werden durch dichte, voluminöse Figuren ersetzt. Die plastische Kraft der Figuren, die zurückhaltende Dramatik und die Kraft der Erzählung, die dreidimensionale Interpretation der Architektur, die in komplizierten Verkürzungen dargestellten Objekte – all diese Merkmale, die für Giottos berühmte Gemälde in der Arena-Kapelle in Padua charakteristisch sind, markieren die entscheidende Wendung Punkt in byzantinischen Traditionen und antizipieren die Suche nach Künstlern italienischen Quattrocento. Der Einfluss Giottos, der neben Padua in Rimini, Florenz, Assisi, Mailand und Neapel tätig war, auf die moderne italienische Malerei war enorm.

In der knienden Figur des Hl. Franziskus („Hl. Franziskus empfängt die Stigmata“) liegt jenes Gefühl von Masse und skulpturalem Volumen vor, das das reife Werk des Meisters auszeichnet.

Gemälde von Giotto di Bondone "Der heilige Franziskus erhält die Stigmata"

Der Florentiner Trecento-Meister Bernardo Daddi übernahm gewissermaßen die Traditionen der Kunst Giottos und seiner Werkstatt, verband sie aber mit der Raffinesse der sienesischen Schule. In seinen Werken verkörpert er auf einzigartige Weise die innovativen Ideen von Giotto und Pietro Lorenzetti. Das Gemälde "Die Verkündigung" zeigt nur, dass der Künstler nicht nur mit der Gabe des Geschichtenerzählens ausgestattet ist, sondern sein Werk auch mit exquisiten dekorativen Details bereichert.

Gemälde von Bernardo Daddi "Verkündigung"

Giovanni da Milano- einer der ausdrucksstärksten italienischen Künstler Trecento. Während seines Aufenthalts in Florenz stützt er sich auf die künstlerische Vision von Giotto. Sein Stil ist nur von Realismus geprägt. Werke wie "Heiliger Franziskus von Assisi" zeichnen sich durch die Eleganz länglicher Proportionen, die Intimität des Bildes und eine scharfe physiognomische Charakteristik aus. Das Werk von Giovanni di Milano hatte einen spürbaren Einfluss auf die Meister der internationalen Gotik; in Italien waren seine Nachfolger Gentile da Fabriano, Masolino, Sassetta.

Meister des heiligen Franziskus stammte aus Umbrien. Ab 1340 beteiligte er sich an der Ausschmückung der Kirche San Francesco in Assisi, wo seine Pinsel zu den Gemälden in der unteren Basilika mit Szenen aus dem Leben Christi und des hl. Franziskus gehörten. Der archaische, exquisit geradlinige Stil des Meisters des Hl. Franziskus zeugt von seiner Hingabe an den byzantinischen Stil, wie beispielsweise im Gemälde „Kreuzigung“.

Gemälde des Meisters des Hl. Franziskus "Kreuzigung"

Simone Martini bestimmte mit seinen Themen aristokratischer Verfeinerung die Originalität der sienesischen Malschule bis Mitte des 15. Jahrhunderts. Darüber hinaus spielte er eine besondere Rolle bei der Entwicklung des gotischen Malgeschmacks, insbesondere durch das Spätwerk, das für Papst Clemens V. geschaffen wurde, der seine Residenz nach Avignon verlegte. 1340 in Avignon angekommen, bringt Martini den Einfluss der sienesischen Schule in den Norden Europas, insbesondere nach Florenz. In den folgenden vier Jahren arbeitete der Künstler an einer Reihe von Gemälden, in denen die Suche nach gotischer Abstraktion durch einen subtilen Sinn für Realität gemildert wird. Dynamisches Pathos durchzieht die gesamte Komposition von Carrying the Cross.

Gemälde von Simone Martini "Kreuztragung", 1333, Tempera auf Holz, 28 cm x 16 cm.

Lippo Memmi heiratete 1324 die Schwester des Malers Simone Martini und wurde dann seine Schülerin. In seinen Werken wie „Der heilige Petrus“ war er ein raffinierter Interpret der Lehrerkunst, mit der er an dem berühmten Altar mit der Verkündigungsszene zusammenarbeitete.

Gemälde von Lippo Memmi "Heiliger Petrus", um 1330, 94 cm x 44 cm.

Pietro Lorenzetti wurde wie Martini im Kreis von Duccio in Siena gebildet, wandte sich aber später der Kunst von Giotto zu und kombinierte in seiner Malerei die sienesische Tradition und moderne Interpretation des Raums. Das berühmte Fresko der Kreuzigung von Pietro Lorenzetti in der Unterkirche von San Francesco in Assisi, das mit starkem Pathos und Tragik auffällt, hatte einen großen Einfluss auf die italienische Kunst jener Zeit. Die Fähigkeit, das Volumen zu betonen und in einen den Figuren entsprechenden Raum einzutauchen, zeichnet die Altarkompositionen von Pietro Lorenzetti aus, wie sein Gemälde „Die Anbetung der Könige“.

Das Werk von Ambrogio Lorenzetti entwickelte sich parallel zum Werk seines älteren Bruders Pietro. Trotz unterschiedlicher Stilkonzepte interessierten sie sich für die Suche nach der Malerei der Florentiner Schule und betrachteten sie aus der Sicht der etablierten sienesischen Traditionen. Die Wahrnehmungsbilder der Welt werden menschlicher und moderner, die Gesten der Figuren wahrhaftiger, wie im wirklichen Leben gesehen. In seinem Gemälde „Die Barmherzigkeit des heiligen Nikolaus von Myra“ verbindet sich die geradlinige Eleganz der sienesischen Malschule mit der auf Giotto zurückgehenden florentinischen Anordnung von Volumen im Raum.

Gemälde von Lorenzo Monaco "Fest des Herodes"

So bilden sich in der norditalienischen Malerei ab der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts solche norditalienischen Qualitäten bzw. realistischen Prinzipien (der sogenannte „empirische Realismus“) heraus, die sich in einer gesteigerten Aufmerksamkeit für die Vielfalt der Malerei manifestieren Umwelt, über Landschaften und Architekturhintergründe, Interieurs, Flora und Fauna, bis hin zum Menschenbild. Solche Qualitäten machen die Kompositionen italienischer Künstler, die sich durch größere Freiheit und Unabhängigkeit vom allgemein akzeptierten ikonografischen Schema auszeichnen, unterhaltsam in ihrer szenischen Genreerzählung, voller interessanter Details, frischer Details, scharf bemerkter Situationen. Ihre Arbeit wird als interessante, faszinierende Geschichte wahrgenommen. Fehlt es ihnen an Prägnanz und einer gewissen Klarheit, so wird dies durch einen ausgeprägten Realitätssinn wettgemacht. Am deutlichsten manifestiert sich dieses Merkmal der Wahrnehmung der Welt durch die Meister - Künstler Norditaliens in den Bildern einer Person.

Während unter den Trecento-Künstlern die gleiche, fast schematische Interpretation des menschlichen Gesichts (eine der wahrgenommenen Lehren Giottos) vorherrscht und man von „trecentistischen Maßstäben“ sprechen kann, brechen norditalienische Künstler dieses akzeptierte Schema kühn. Die Menschen, die die Fresken bewohnen, sind individueller und verblüffen mit der realistischen Schärfe und Spezifität der Porträts, die von den Gesichtern interpretiert werden.

Von: Maksimenko V.,  40257 Aufrufe

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1. Mosaiken Sophia-Kathedrale in Kiew (1030er Jahre) und aus der Kathedrale des Klosters St. Michael mit der goldenen Kuppel in Kiew (1112).

2. Wandbilder Sophia-Kathedrale in Kiew (XI. Jahrhundert), die St.-Georgs-Kirche in Staraya Ladoga (XII. Jahrhundert), die Kathedrale des Mirozhsky-Klosters in Pskow (XII. Jahrhundert); Kathedrale der Geburt der Jungfrau Maria in Susdal (XIII Jahrhundert),

3. Symbole:"Unsere Liebe Frau von Wladimir" (spätes 11. - frühes 12. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); „Yaroslavskaya Oranta“ oder „Unsere Liebe Frau von der Großen Panagia“ (12. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); "Verkündigung von Ustyug" (12. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); „Der Erlöser, nicht von Hand gemacht“ (12. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); "George (Half)" (XII Jahrhundert, Staatliches Museum der metallurgischen metallurgischen Gesellschaft); „Dmitri von Thessaloniki (Auf dem Thron sitzend)“ (12. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); "Unsere Liebe Frau der Zärtlichkeit von Belozerskaya" (XIII Jahrhundert, Russisches Museum); "Retter des Goldenen Vlasy" in der Himmelfahrtskathedrale des Moskauer Kremls (XIII Jahrhundert, GMMK); "John (Evan), George und Blasius" (XIII Jahrhundert, Russisches Museum); "Engel Goldenes Haar (Erzengel Michael)" (XII Jahrhundert, Russisches Museum); "Nikola" (mit Heiligen in Medaillons) aus dem Dukhov-Kloster (XIII. Jahrhundert, Russisches Museum); "Nikola" (mit Heiligen auf den Feldern) aus dem Nowodewitschi-Kloster (13. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); "Ilya der Prophet in der Wüste in seinem Leben" (XIII Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie).

Malerei der russischen Länder und Fürstentümer des XIV - XV Jahrhunderts.

Nowgorod-Symbole:"Heiliger Georg im Leben" (spätes XIII. - frühes XIV. Jahrhundert, Russisches Museum); "Georges Wunder über die Schlange" (XV Jahrhundert, Russisches Museum); „Das Wunder von Flora und Lawra“ (Ende 15. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie); "Kampf der Susdaler mit den Nowgorodern" (XV-XVI Jahrhundert, Varianten im Staatlichen Russischen Museum und der Staatlichen Tretjakow-Galerie); „Der Erlöser nicht von Hand gemacht“ (Anfang 15. Jahrhundert, GMMK) in der Himmelfahrtskathedrale des Moskauer Kreml.

Ikonen des Nordostens Russlands:"Boris und Gleb" (vollständig, frühes 14. Jahrhundert, Russisches Museum); "Boris und Gleb" (zu Pferd, 1340er Jahre, Staatliche Tretjakow-Galerie); "Retter des feurigen Auges" und "Retter der Schulter" in der Himmelfahrtskathedrale des Moskauer Kremls (XIV. Jahrhundert, GMMK).

Theophanes der Grieche: Fresken der Erlöserkirche in der Ilyin-Straße in Nowgorod (1378); doppelseitige Ikone "Unsere Liebe Frau vom Don" und "Himmelfahrt der Muttergottes" (um 1392, Staatliche Tretjakow-Galerie).

Andrej Rublew: Ikonen des Zvenigorod-Rangs "Retter", "Apostel Paul", "Erzengel Michael" (1410, Staatliche Tretjakow-Galerie); Ikone "Dreifaltigkeit" (Anfang 15. Jahrhundert, Staatliche Tretjakow-Galerie).

Andrey Rublev und Daniil Cherny: Fresken „Die Prozession der Gerechten zum Paradies“, „Das Jüngste Gericht“ in der Himmelfahrtskathedrale in Wladimir und die Ikonen „Der allmächtige Retter“, „Die Mutter Gottes“, „Gregor der Theologe“, „Johannes der Täufer“, "Die Geburt Christi" - die Staatliche Tretjakow-Galerie; "Apostel Paul", "Präsentation" - Staatliches Russisches Museum (aus derselben Kathedrale, 1408).

Malerei des russischen Staates Ende des 15. - 17. Jahrhunderts.

Ikonostase der Verkündigungskathedrale des Moskauer Kreml(XIV-XVII Jahrhundert): Ikonen der lokalen, deesis, festlichen, prophetischen, Ahnenreihen.

Dionysos: Fresken der Mariä-Geburts-Kathedrale im Ferapontov-Kloster (1500-1501); Ikonen "Metropolitan Alexy with Life" (TG) und "Metropolitan Peter with Life" (MMMK, beide - Anfang des 16. Jahrhunderts) aus der Himmelfahrtskathedrale des Moskauer Kremls, "Crucifixion" (1500, TG) von Pavlovo-Obnorsky Kloster, "Unsere Liebe Frau Hodegetria mit Fransen geschmückt" (Grenze des 15.-16. Jahrhunderts, Russisches Museum).

Kanonische, allegorische, erbauliche Ikonen des 16. Jahrhunderts:„Abstieg in die Hölle“ (TG), „Einzug in Jerusalem“ (GMMK), „Die Erscheinung des hl ), „Das Gleichnis vom Blinden und vom Lahmen“ (GRM).

"Stroganov-Schule" und "dekorativer" Stil in der Ikonenmalerei des späten 16. - 17. Jahrhunderts.Procopius Chirin:„Nikita der Krieger“ (1593, Staatliche Tretjakow-Galerie), „Dmitri von Thessaloniki und Dmitri Zarewitsch“ (Anfang des 17. Jahrhunderts, Sammlung P. D. Korin). Istoma Savin: "Peter Metropolit mit Leben" (Grenze des 16.-17. Jahrhunderts). Nazari Savin: "Unsere Liebe Frau von Petrovskaya" (um 1614, Staatliche Tretjakow-Galerie). Nikifor Savin: "Das Wunder von Fjodor Tiron" (Anfang des 17. Jahrhunderts, Russisches Museum). Nikita Pawlowez: "Unsere Liebe Frau - Gefangener Vertograd" (um 1670, Staatliche Tretjakow-Galerie). "Johannes der Täufer - der Wüstenengel mit Leben" (TG, Wende 17.-18. Jahrhundert).

Simon Uschakow: Ikonen "Der Erlöser nicht von Hand gemacht" (1658, Tretjakow-Galerie), "Baum des Moskauer Staates - Lobpreisung der Muttergottes von Wladimir" (1668, Tretjakow-Galerie), "Dreifaltigkeit" (1671, Russisches Museum), "Erzengel Michael den Teufel zertreten" (1676 , Staatliche Tretjakow-Galerie), Buchstiche.

Monumentale Malerei des späten XV-XVII Jahrhunderts. Fresken der Altarschranke und der Pokhvalsky-Kapelle der Himmelfahrtskathedrale des Moskauer Kremls (1480er Jahre). Artel Theodosius (Sohn des Dionysius): Fresken der Verkündigungskathedrale des Moskauer Kremls (1506). Wandgemälde der Smolensker Kathedrale des Nowodewitschi-Klosters (um 1530), der Dreifaltigkeitskirche in Nikitniki (1652-1653), der Auferstehungskathedrale in Tutaev (1680), der Kirchen des Rostower Kreml (1675-1680). Gury Nikitin Artel und Savin Forces: Fresken der Kirche des Propheten Elia in Jaroslawl, der Kathedralen des Spaso-Efimiev-Klosters in Susdal und des Danilov-Klosters in Pereslawl-Zalessky (zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts). Artel von Fjodor Ignatjew und Dmitri Grigoriew-Plechanow: Fresken der Kirche Johannes des Täufers (1694-1695) in Jaroslawl.

Parsing:"Iwan IV" (spätes 16. - frühes 17. Jahrhundert, Dänisches Nationalmuseum, Kopenhagen), "M.V. Skopin-Shuisky" (um 1630, Tretjakow-Galerie), "Zar Fjodor Alekseevich" (1686, Staatliches Historisches Museum) .

In den ersten Jahrzehnten nach der mongolisch-tatarischen Invasion lebte die Malerei wieder auf. In Ikonen und Miniaturen der Handschriften von Nowgorod bereits aus der 2. Hälfte des 13. Jahrhunderts. rein lokale Merkmale, die sich hier in der Malerei des 12. Jahrhunderts entwickelt haben, werden bestimmt: ein klares Bild, das nicht durch Allegorien kompliziert wird, eine etwas elementare große Zeichnung, dekorative Farbbrillanz. Auf der Tempelikone der St.-Nikolaus-Kirche auf Lipna, ausgeführt von Alexa Petrov, wird Nikolaus der Wundertäter als aufmerksamer Mentor und Helfer für die Menschen dargestellt. Abgerundete Linien, elegante Ornamente spiegelten die Wirkung der dekorativen Trends der Volkskunst wider.

In den Städten Nordostrusslands, die die Invasion überlebten, entwickelte sich die Malerei lange Zeit auf vormongolischer Basis. An den Bischöfen und Fürstenhöfen konzentrierten sich Kunstwerkstätten, deren Werke kirchlichen oder kastenfürstlichen Charakter haben. Rostower Ikonen des XIII-XIV Jahrhunderts. gekennzeichnet durch durchscheinende Farben, weiche und warme Farben. Sehr beliebt waren hagiografische Ikonen, in denen das literarische Erzählprinzip klar zum Ausdruck kommt. Mit Jaroslawl sind mehrere herausragende Ikonen und Vorderseitenmanuskripte aus dem 13.-14. Jahrhundert verbunden. Die Ikone „Boris und Gleb“ sticht mit feierlicher Schönheit hervor, aber der Ort ihrer Schrift wurde nicht genau festgelegt.

In den 70-80er Jahren des 13. Jahrhunderts. entstand die Tverer Malschule. Die Wandmalereien der Verklärungskathedrale in Tver, die von einheimischen Meistern angefertigt wurden, waren der erste Versuch, sich nach der Tatareninvasion der Monumentalmalerei zuzuwenden. Tver-Ikonen und Handschriften von nicht sehr hoher Qualität zeichnen sich durch weißliche Glanzlichter und dekorative Kombinationen von Weiß, Rot und Blau aus. Etwas später entstand in Tver die Moskauer Schule, deren frühe Denkmäler von ihrer engen Verbindung mit Rostow und Jaroslawl zeugen.

Im XIV Jahrhundert. Mit dem Beginn des umfangreichen Baus von Steintempeln wurde die Freskenmalerei wiederbelebt. Die Fresken der Kathedrale des Snetogorsk-Klosters in der Nähe von Pskov sind stilistisch immer noch den Fresken von Novgorod vom Nereditsky-Typ nahe. Novgorod-Gemälde der 2. Hälfte des 14. Jahrhunderts. freier in der Natur. Einige von ihnen wurden von Menschen aus Byzanz gemalt: die Fresken der Kirchen des Erlösers in der Ilyina-Straße und der Kirche Mariä Himmelfahrt auf dem Wolotowo-Feld. Andere wurden von den Südslawen gemalt: die Fresken der Kirchen des Erlösers auf Kovalev und der Geburt Christi auf dem Friedhof und die Kirche des Erzengels Michael des Klosters Skovorodsky.

Am beeindruckendsten sind die Fresken der Erlöserkirche in der Ilyina-Straße, ausgeführt von Feofan dem Griechen, sowie die Fresken von Volotov, die durch ihr vergeistigtes Pathos der Bilder und Kunstfertigkeit auffallen. Theophans Wandmalereien sind in ihrer strengen Ausdruckskraft, außergewöhnlichen Kompositions- und Schreibfreiheit nicht nur in Russland, sondern auch in Byzanz beispiellos. Die Fresken der Eckkammer im Chorgestühl sind gut erhalten: Die Bilder, die asketische Ideale verkörpern, zeichnen sich durch psychologische Spannung, die Schreibtechnik durch Dynamik und Originalität der Techniken und die Farbgebung durch äußerste Zurückhaltung aus. Die Gottheit und die Heiligen erscheinen in Theophanes als eine gewaltige Kraft, die dazu bestimmt ist, eine Person zu kontrollieren und sie im Namen einer höheren Idee an ihre Taten zu erinnern. Ihre dunklen Gesichter mit leicht gesetzten weißen Highlights, im Gegensatz zu denen die gebleichten Gelb-, Purpur- und Blautöne der Kleidung eine besondere Klangfülle erhalten, wirken direkt und tief auf den Betrachter ein. Die Fresken der Kirche von Fjodor Stratilat stehen stilistisch den Gemälden des Erlösers in der Ilyina-Straße nahe. Es ist möglich, dass russische Meister, die bei den Griechen studierten, an ihrer Aufführung teilnahmen.

Das Fresko beeinflusste auch den Stil der Nowgoroder Ikonen des 14. Jahrhunderts, die freier und malerischer wurden. Werke der Pskower Ikonenmaler des XIV. Jahrhunderts. zeichnen sich durch kräftige Farbmodellierung und ungewöhnliche Farbgebung aus einer Kombination von Orange-Rot-, Grün-, Braun- und Gelbtönen aus. Die düstere Ausdruckskraft der Heiligenbilder, die nicht auf Pskower Ikonen zu finden sind, offenbart ihre bekannte Nähe zu den Werken Theophans des Griechen.

Norden im 14. Jahrhundert Die Wologdaer Malschule wurde gegründet. Sein berühmter Vertreter ist der Ikonenmaler Dionysius Glushitsky. Wologda-Ikonen werden von dunklen, etwas gedeckten Tönen dominiert. Archaische Traditionen, die im Norden bestehen bleiben, machen die Ikonen der nördlichen Schrift des XIV-XV Jahrhunderts aus. oft ähnlich im Stil wie Denkmäler aus einer früheren Zeit.

Die Blütezeit der Novgorod-Malerei fand im 15. Jahrhundert statt. Auf den Ikonen von Novgorod - eine bestimmte Auswahl von Heiligen: Ilya, Vasily, Flor und Laurus, Paraskeva Pyatnitsa, Anastasia, Nikola, George. Sie wurden im Volksmund mit den Naturgewalten in Verbindung gebracht und zum Schutz eines Menschen, seines Hauses und seiner Wirtschaft berufen. Die Ikonographie zeigt Spuren der Auswirkungen heidnischer Überreste, Folklore, lokaler historischer Ereignisse und des Alltagslebens. Die außergewöhnliche Aktivität und der bekannte Demokratismus des gesellschaftlichen Lebens von Nowgorod trugen zur Bildung eines besonderen Ideals einer Person in der lokalen Malerei bei - entschlossen, energisch, stark. Novgorod-Ikonen zeichnen sich durch selbstbewusste, harte Zeichnungen, symmetrische Kompositionen und helle, kalte Töne aus.

Vom Ende des XIV - Anfang des XV Jahrhunderts. die künstlerische Rolle Moskaus wird gestärkt. Hier arbeiteten Feofan Grek, Prokhor aus Gorodets, Andrei Rublev und Daniil Cherny. In der Ikonostase der Verkündigungskathedrale des Moskauer Kremls vergrößerte Feofan die Ikonen Christi, der Muttergottes und der Heiligen leicht und erreichte eine klare Ausdruckskraft der Silhouette („Deesis-Rang“). Dieser Rang war für die spätere Entwicklung der russischen Hochikonostase von großer Bedeutung. Die von Feofan in Moskau gegründete Schule stimulierte die Entwicklung lokaler Meister, die jedoch einen anderen Stil als Feofans entwickelten. 1408 führten Andrey Rublev und Daniil Cherny ein neues Gemälde der Himmelfahrtskathedrale in Wladimir auf. Diese Fresken in traditionellen ikonografischen Bildern enthüllen die tiefe spirituelle Welt und die Gedanken der Zeitgenossen. Die erleuchteten, wohlwollenden Gesichter der Apostel, die das Volk führen, die weichen, harmonischen Töne des Gemäldes sind von einem Gefühl des Friedens durchdrungen. Die etwas später von Rublev gemalten Ikonen des Swenigorod-Ranges sind eine rein russische Interpretation des Themas der Deesis. Das Bild des segnenden Christus ist voller innerer Kraft und weiser Gelassenheit. Rublev hatte die seltene Gabe, die hellen Seiten des Lebens und den Geisteszustand eines Menschen in der Kunst zu verkörpern. In seinen Werken wird die innere Zerrissenheit der asketischen Distanziertheit von Theophans Bildern nicht durch die Schönheit des Seelenfriedens und die Kraft bewusster moralischer Richtigkeit ersetzt.

Rublevs Werke, die den Höhepunkt der Moskauer Malschule darstellen, drücken Ideen eines breiteren, landesweiten Charakters aus. In der bemerkenswerten Ikone "Dreifaltigkeit", die für die Kathedrale des Dreifaltigkeits-Sergius-Klosters gemalt wurde, schuf Rublev Bilder, die weit über den engen Rahmen der von ihm entwickelten theologischen Handlung hinauswachsen und die Ideen von Liebe und spiritueller Einheit verkörpern. Die Engelsfiguren, die mit gesenkten Köpfen im stillen Gespräch zueinander sitzen, bilden einen Kreis - ein Symbol der Ewigkeit, und sanfte, harmonische Linien rufen eine Stimmung heller, konzentrierter Nachdenklichkeit hervor. Zarte, subtil aufeinander abgestimmte Töne, unter denen Gold und sonore Blau vorherrschen, die innere Freiheit einer präzise gefundenen Komposition mit ihrem expressiven Rhythmus stehen in engem Zusammenhang mit der zutiefst menschlichen Intention dieses brillanten Werks.

Im letzten Drittel des XV Jahrhunderts. Dionysius beginnt seine künstlerische Tätigkeit. In den Ikonen und Fresken von Dionysius und seiner Schule, die während der Bildung des russischen Zentralstaates unter der Führung von Moskau geschaffen wurden, nehmen eine gewisse Einheitlichkeit der Techniken, die Aufmerksamkeit der Meister auf die künstlerische Form, die Merkmale der Festlichkeit und Dekoration zu. Die zarte Zeichnung und exquisite Farbgebung der Ikonen des Dionysius mit stark verlängerten, anmutigen Figuren sind voll eleganter Feierlichkeit. Aber in psychologischer Hinsicht sind seine Bilder Rublevsky unterlegen. Die von Dionysius und seinen Söhnen Theodosius und Vladimir geschaffenen Wandgemälde der Kathedrale des Ferapontov-Klosters in der Nähe von Kirillov zeichnen sich durch eine besondere Weichheit der Farbe aus, die Schönheit der Kompositionen, die der Ebene der Wand mit anmutigen Figuren untergeordnet sind, gleichsam gleiten . Zahlreiche Werke von Dionysius und den Künstlern seiner Schule erregten bei ihnen weit verbreitete Irritationen. Am Ende des XV Jahrhunderts. Moskauer Künstler gehen nach Nowgorod, Pskow, in den Norden, in die Städte der Wolga-Region, und die besten Meister dieser Kunstzentren gehen nach Moskau, wo sie die kreativen Techniken der Maler der Hauptstadt kennenlernen. Die Moskauer Kunst nivelliert die lokalen Schulen allmählich und ordnet sie einem gemeinsamen Modell unter.

Im 16. Jahrhundert. mit der stärkung von staat und kirche ging eine theoretische entwicklung von fragen nach der königlichen macht, nach der einstellung der kirche zu ihr, nach der rolle der kunst im gottesdienst, nach übersetzungsmöglichkeiten von kirchenhandlungen einher. Kunst unter dem Einfluss dogmatisch-theologischer Literatur wird künstlich komplex, scholastisch abstrakt. Zahlreiche spekulative Allegorien und Symbole verdecken oft den Inhalt und überfrachten die Komposition. Der Buchstabe wird kleiner, der Stil verliert an Monumentalität und Klarheit. Das nicht erhaltene Gemälde der Goldenen Kammer des Moskauer Kremls, ausgeführt nach dem „Märchen der Fürsten von Wladimir“, verdeutlichte deutlich die Vorstellung von der Machtkontinuität der Moskauer Autokraten. Das anlässlich der Eroberung Kasans gemalte Ikonenbild „Church Militant“, das die Apotheose Iwans des Schrecklichen darstellt, ist voller Allegorien und historischer Parallelen. In solchen Werken wurden politische, weltliche Tendenzen vorherrschend. Diese Tendenzen waren noch stärker in der Miniatur einiger handgeschriebener Bücher. Die größten Werkstätten zum Schreiben von Büchern befanden sich in Nowgorod, Moskau und im Trinity-Sergius Lavra. Das grundlegende "Facial Vault" enthält etwa 16.000 Miniaturen. Militär- und Genreszenen mit Alltagsdetails aus dem Leben sind grafisch gestaltet und aquarelliert. Sie erscheinen als facettenreiche Raumkonstruktionen, als reale Landschaft. Typografie, deren erste Experimente in den 50er Jahren. XVI Jahrhundert., markiert den Beginn der russischen Gravur. Ivan Fedorov fand dafür eine künstlerische Lösung, unabhängig von Ikonen- und Miniaturmalerei.

An der Wende vom 16. zum 16. Jahrhundert. In Moskau bildeten sich zwei Tendenzen in der Malerei, die bedingt nach den Namen ihrer eifrigen Anhänger "Godunov" und "Stroganov" benannt wurden, die erste von ihnen tendierte zum strengen Stil der Ikonen und der monumentalen Malerei des 15.-16. Jahrhunderts, aber auch zeigte typisch für die Meister des 16. Jahrhunderts. Liebe zur königlichen Pracht und belebte bei der Illustration von Psaltern die alte Tradition, Manuskripte mit Randzeichnungen zu gestalten. Die Stroganov-Schule kultivierte kleine, raffiniert verfeinerte Schriften und kombinierte Farben mit Gold und Silber; Ikonen wurden für die Hauskapellen wohlhabender Feudalherren gemalt - Kenner anspruchsvoller Handwerkskunst. Die etwas verwöhnte Schönheit und wehrlose Schwäche der Heiligen in bunten Gewändern, der Hintergrund mit einer komplexen fantastischen Landschaft sind charakteristisch für die Werke der Meister dieser Schule - Emelyan Moskvitin, Stefan Pakhiri, der königlichen Ikonenmaler Procopius Chirin, der Familie Savin, und andere.

Das soziale Kontingent der Kunden hat sich erweitert. Zusammen mit dem königlichen Hof, dem Klerus und den Bojaren führten Kaufleute und wohlhabende Bürger intensive Bauarbeiten und Dekorationen von Steinkirchen und Kammern durch. Die Zahl der Künstler wächst, manchmal unzureichend professionell ausgebildet, was das Gesamtniveau der Fähigkeiten verringert. Aber unter denen, die aus den städtischen Unterschichten und Staatsbauern stammten, gab es viele Menschen mit einem glänzenden Talent, die Wandbilder, Ikonen und Miniaturen schufen, die durch die Frische ihrer Weltanschauung, Freiheit und Vielfalt der Interpretation von Handlungen und den Mut zur Technik verblüfften Methoden. Kunst demokratisiert, wird verständlicher und zugänglicher, nähert sich dem Weltbild der Menschen. Viele Namen von Meistern des 16. Jahrhunderts sind bekannt. - Moskau, Jaroslawl, Kostroma, Nischni Nowgorod, die meistens in großen Kunstwerken arbeiten: Einige Meister planten Kompositionen an den Wänden der Kirche, andere bemalten Gesichter, wieder andere - Kleidung und Vorhänge, viertens - Architektur und Landschaften, fünftens - Ornamente usw Kollektive Kreativität erarbeitet deutlich ausgeprägte Uniformität. In der Ikonenmalerei der 2. Hälfte des 16. Jahrhunderts. Traditionen der Stroganov-Schule werden verfolgt. Der Autor der Ikone „Aleksy, Metropolit von Moskau“ färbt liebevoll sowohl das prächtige Gewand des Heiligen als auch die komplizierten Wolken des Hintergrunds und die sich darunter ausbreitende Landschaft. Bei Ikonen, die aus der Ferne wahrgenommen werden sollen, sind die Formen größer, die Linie energischer, die Silhouette ausdrucksstärker, die Farbgebung einfacher und stumpfer. Unter dem spürbaren Einfluss der Ikonenmalerei und der westeuropäischen Gravur entwickelt sich die Monumentalmalerei. Plots werden multipliziert, zu einer unterhaltsamen Geschichte mit alltäglichen Details reduziert, der Maßstab der Figuren reduziert, die Zeichnung verliert ihre einstige lakonische Ausdruckskraft, einzelne Bilder werden durch repetitive Typen ins Unendliche verdrängt.

Ende des 16. Jahrhunderts. Die Waffenkammer des Moskauer Kremls wurde zum Zentrum der künstlerischen Malerei und beeinflusste die russische Kunst im Allgemeinen stark. Seine Maler waren Meister der verschiedensten Art: Sie malten Wandmalereien, Ikonen und Miniaturen, bemalten Möbel und Hausrat, malten Königsporträts, schmückten kirchliche und weltliche Feiertage usw. Und obwohl der häufige Berufswechsel stereotype Techniken bei den Meistern hervorbrachte, die Armory-Kunst auf einem sehr hohen professionellen Niveau. Hier entstanden die ersten Spezialabhandlungen zur Malerei in der Geschichte der russischen Kunst, verfasst von Iosif Vladimirov und Simon Ushakov, die das Problem der lebensnahen Plausibilität von Ikonenbildern stellten. In der Malerei widmete Ushakov die Hauptaufmerksamkeit der Hell-Dunkel-Modellierung der Form, erreichte Weichheit der Übergänge, Dreidimensionalität des Bildes und erzielte beharrlich den Eindruck ihrer Realität.

Die Wandmalerei der Ikonenmaler von Jaroslawl und Kostroma, die auch in Moskau, Rostow, Romanow und Borisoglebskaja Sloboda, Wologda, dem Dreifaltigkeits-Sergius-Kloster und anderen Städten tätig waren, ist von unerschöpflicher Fantasie und Interesse an der umgebenden Realität geprägt. Die Handwerker waren in der Lage, den mehrfigurigen, dynamischen, mehrfarbigen Gemälden, die die Wände und Gewölbe der Tempel mit einem malerischen Teppich bedeckten, unterhaltsame und dekorative Wirkung zu verleihen. Viele Szenen werden zu Erzählzyklen mit vielen subtil wahrgenommenen Alltagsdetails und Motiven aus realen Landschaften geformt. Diese Wandmalereien, wie auch die Ikonen des Propheten Elia in der Jaroslawler Kirche und mehrere hervorragende Ikonen von Semyon Kolmogorodets, sind von der optimistischen Haltung der Menschen durchdrungen, die noch schüchtern, aber freudig die Schönheit des irdischen Lebens offenbaren.

Herr Weliki Nowgorod
Im 12. Jahrhundert wurde Nowgorod von der Macht des Fürsten befreit und wurde zu einer feudalen Republik, an deren Spitze die Bojaren und der Erzbischof standen.
Es werden nur kleine Kreuzkuppelkirchen mit einer Kuppel errichtet.
Der Innenraum ist vereinfacht.
Die dekorative Dekoration ist minimal: Das monolithische Volumen des Tempels wird nur von Schulterblättern durchbrochen, wodurch ein strenger Rhythmus entsteht; Zakomaras sind mit einem einfachen profilierten Relief verziert; Die Oberseite der Trommel ist mit einem lakonischen bogenförmigen Gürtel markiert.

Die Form der Kuppel ist helmförmig.

„Diese weltberühmte Kirche liegt auf einem niedrigen Hügel jenseits des Flusses Spasovka. Vom Hügel aus können Sie die Flutwiesen von Wolchow, den Fluss selbst und den Ilmensee sehen. Von hier aus können Sie ganz Novgorod perfekt sehen.
Die Kuppel tendiert zu einer Zwiebelform.

Malen

« Ebenso wie das Leben von Florenz oder Venedig wurde das ganze Leben des Herrn Weliki Nowgorod von der Malerei rosig erleuchtet. Malerei, ebenso lakonisch in ihrer grafischen Genauigkeit, ebenso klar in ihrer ganzen inneren Struktur, ebenso ausdrucksstark in jedem Detail, wie die Novgorod-Architektur».

Hohe Reinheit und Schönheit des Bildes.
Starke Volkstraditionen.

12 - Anfang. 13. Jh. GTG.
Echos von Kiew-byzantinischen Mosaiken in schönen Gesichtern und Figuren.

Retter nicht von Hand gemacht (das Antlitz Christi auf der Tafel abgebildet). 12. Jh. GTG. Ein strenges Gesicht mit großen Augen, gemalt in olivgelben Tönen, wird durch ein Rouge belebt.
Auf unterschiedliche Weise geschwungene Augenbrauen verleihen dem Gesicht Ausdruckskraft, ebenso wie die Krümmung der Linien der Novgorod-Kirchen ihnen plastische Ausdruckskraft verleiht.
« Das Bild der Ikone ist das Bild eines Siegers, dessen Energie und Stärke es uns ermöglicht zu verstehen, warum der „Erlöser, der nicht von Hand gemacht wurde“ auf russischen Militärbannern abgebildet war».

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Kirche aus Ruinen restauriert, aber die Wandmalereien starben.
In den Heiligenbildern mit brennenden Augen, bedrohlich imposant in ihrer Unbeweglichkeit, atmete eine gewisse Urkraft. Eine wirklich beliebte, sogar bäuerliche Truppe.

Ergebnisse

Die altrussische Architektur der Zeit der feudalen Zersplitterung (12. - Mitte des 13. Jahrhunderts) hatte Gemeinsamkeiten und lokale Besonderheiten.
Allrussische Merkmale der Architektur waren Trends, die in der Kiewer Zeit entstanden und ihre volle Entwicklung in 12-ser erhielten. 13. Jahrhundert – Erzielung von Ausdruckskraft durch Prägnanz und proportionale Proportionalität einfacher architektonischer Volumen.
Schulunterschiede:
Wladimir-Susdal-Schule - längliche strenge Proportionen und Eleganz der Tempel dank der Dekoration mit dekorativen Details und Steinreliefs der Wände.
Die Novgorod-Schule ist ein monolithisches Volumen von kleinen Tempeln mit einer Kuppel und minimalem Gebrauch von einfachem Dekor.

Malen
Wladimir-Susdal- und Jaroslawl-Schulen - die byzantinische Tradition ist mit volkstümlichen Merkmalen bereichert: Betonte Dekoration, Detailvergrößerung, Menschlichkeit und Unschuld der Bilder erscheinen.
Novgoroder Schule - die Heiligenbilder werden stark und majestätisch, grafisch und monumental.

Nowgoroder Kunst des 13. - 14. Jahrhunderts

Novgorod kannte den Schrecken nicht, den die mongolische Invasion für die Städte der Dnjepr-Region, des Wladimir-Susdal-Landes und Rjasan bedeutete. Novgorod würdigte die Tataren-Mongolen. Das allgemeine Unglück, der Untergang, spiegelte sich in ihm wider.
Während der Rest Russlands einen gnadenlosen Schlag aus dem Osten einstecken musste, stellte sich Novgorod 12:50 06/07/2010 den Schweden und den deutschen „Hunderittern“ (Livländischer Orden) entgegen.
Natürlich behinderte dies die kreativen Kräfte Nowgorods, aber er blieb der Hüter der russischen kulturellen Tradition.

Ab Ende des 13. Jahrhunderts Es gibt eine gewisse Wiederbelebung und eine neue Blüte der Novgorod-Architektur.

In diesem Tempel wurden die Aufgaben erfüllt, die beim Bau der St.-Nikolaus-Kirche auf Lipno gestellt wurden:
Der Wunsch nach höchster Solidität und Harmonie des architektonischen Gesamtbildes. Die Proportionalität der Hauptvolumina ist das Grundlegende in dieser Struktur.
Um diese Probleme zu lösen, erscheint eine neue Art der Deckung.
Annäherung des Kirchengebäudes an den städtebaulichen Gesamtcharakter. Es ist schwierig, sich eine größere organische Einheit der Architektur des Tempels mit der ursprünglichen Festung von Nowgorod vorzustellen.

Im 14. Jahrhundert Architekten verzichten auf strenge Prägnanz und gestalten Tempel betont elegant.
Die Beschichtung entwickelt sich zu einem Giebel an den Fassaden.

Gemälde von Nowgorod aus dem 13. Jahrhundert.

Annäherung an das Weltbild des russischen Volkes.
Die byzantinische Ikonographie schuf das asketische Bild von Nikolaus dem Wundertäter, einem unbeugsamen Eiferer des Glaubens, einem strengen Dogmatiker, der unter den Gläubigen Ehrfurcht und Ehrfurcht erregte.
Und die Ikone von Alexei Petrov ist absolut einzigartig: „Was für ein sanfter Blick der Heilige hat! Dies ist ein gutmütiger Großvater, ein russischer Greis, der so gut zu den altrussischen Beschreibungen seines Bildes passt: „ ... graues Haar, kleiner Brada, verdreht, zerrissen, kahl ... das Evangelium ist in der Hand, segne. Der wahre Heilige».

Kunst des Fürstentums Pskow Die Architektur von Pskow gehörte bis zum 14. Jahrhundert vollständig der Schule von Nowgorod.
Im 14. - 15. Jahrhundert. Pskower bauten viel häufiger Verteidigungsstrukturen als religiöse.

« Das Pskower Land erstreckte sich in einem schmalen Streifen entlang der Grenze zu Litauen und dem ritterlichen Livländischen Orden und musste seine Grenzen ständig stärken.».
Die größte Arbeit war der Ausbau der Befestigungsanlagen von Pskow selbst. Bis zum 16. Jahrhundert erreichte die Gesamtlänge der Festungsmauern von Pskow neun Kilometer.

Pskow. Kirche der Himmelfahrt.

Gemälde von Nowgorod

14. - 15. Jahrhundert In den 70er Jahren des 14. Jahrhunderts. in Novgorod erscheint ein gebürtiger Konstantinopel - der berühmte Theophanes der Grieche. Dieser geniale Künstler er verstand sich so gut mit dem russischen Volk und trat so fest in die russische Kunst ein, dass sein Name mit dieser so untrennbar verbunden ist wie die Namen Rastrelli, Quarenghi und Rossi».
Die triumphale klösterliche Reaktion, die Stärkung der Askese und des Dogmatismus in Byzanz erstickten die neue Blüte der byzantinischen Malerei. Feofan fand in Russland die Gelegenheit, all seine kreativen Ideen voll zu verwirklichen.
Novgorods Liebe zur Freiheit in allem, sogar im religiösen Glauben, schuf das kreativste Umfeld.
Feofans kreative Suche wurde auf malerischste Weise ausgedrückt – eine kraftvolle und prägnante künstlerische Sprache.

Christus ist Pantokrator.

Makarius von Ägypten.
Die Gesichter der Heiligen sind schwungvoll und frei geschrieben. Weiße Highlights werden leicht und selbstbewusst über einen dunklen Rotbraunton geworfen.

In der Novgorod-Ikone dieser Zeit gibt es keine Verbindungen zum Freskenstil.
Im 15. Jahrhundert Die Kreativität von Novgorod, die sich ohne die Beteiligung ausländischer Meister entwickelt hat, ist vollständig von der hellsten Originalität von Novgorod geprägt.

Pskow-Malerei

14. - 15. Jahrhundert

Ikone der Liebfrauenkathedrale. Con. 14 - Anfang. 15. Jh. GTG. Holz, Tempera.
81 x 61
Die Website der Staatlichen Tretjakow-Galerie ist von sehr guter Qualität.

Ergebnisse

Kunst von Nowgorod während des tatarisch-mongolischen Jochs
Architektur erscheint:
- Ein neues Verständnis der architektonischen Silhouette - der Wunsch nach Integrität.
- Ein neues Raumverständnis - eine Lösung des Problems des Ensembles aus Tempel und umgebender städtischer Bebauung.

Malen
Nowgorod 13. Jahrhundert Annäherung an die russische Volkshaltung, die Verbreitung volkstümlicher künstlerischer Traditionen (dekorativ).
Novgorod-Malerei des 14. - 15. Jahrhunderts:
Klare, teilweise vereinfachte Formen. Kontrast, Dekorativität der Malerei: Liebe zu leuchtenden Lokalfarben. In den Symbolen ist viel Rot, oft ein roter Hintergrund.

Pskow
Die Pskower Architektur wurde von den Errungenschaften des Festungsbaus genährt.
Eine Neuerung in der altrussischen Architektur war die Tatsache, dass Pskower Architekten Glockentürme an den Tempelwänden bauten, von denen aus der Vormarsch des Feindes überwacht wurde.
Pskow-Malerei:
Buchstabe ohne weiß. Braune Gesichter, fein geschrieben (die Farbe scheint in die Tafel gerieben zu sein).

Antwort links Gast

MALEREI VON RUSSLAND

Trotz eines gewissen Rückgangs in der Entwicklung des Landes erreichte die russische Malerei im 14.-15. Jahrhundert ihren Höhepunkt. In der modernen Literatur wird diese Zeit als russische Wiederbelebung gewertet. Zu dieser Zeit arbeitete eine Reihe bemerkenswerter Maler in Russland.
Ende des 14. und Anfang des 15. Jahrhunderts wirkte der aus Byzanz stammende Maler Theophanes der Grieche in Nowgorod, Moskau, Serpuchow und Nischni Nowgorod. Er verband auf hervorragende Weise die byzantinische Tradition mit der bereits etablierten russischen. Manchmal arbeitete er unter Verstoß gegen die Kanonen. Seine Bilder sind psychologisch, spirituelle Spannung wird in seinen Ikonen transportiert. Er schuf das Gemälde der Erlöserkirche in der Ilyen-Straße in Nowgorod zusammen mit Semyon Cherny - das Gemälde der Moskauer Kirche der Geburt der Jungfrau Maria (1395) und der Erzengelkathedrale (1399).
Der große russische Künstler, der in dieser Zeit arbeitete, ist Andrei Rublev. Er ist ein Meister der lakonischen, aber sehr ausdrucksstarken Komposition. In seinen Werken ist eine erstaunliche malerische Farbe sichtbar. Und in seinen Ikonen und Fresken spürt man das Ideal moralischer Vollkommenheit. Gleichzeitig gelang es ihm, die subtilen emotionalen Erfahrungen der Figuren zu vermitteln. Er beteiligte sich an der Bemalung der alten Verkündigungskathedrale im Kreml (1405) zusammen mit Theophan dem Griechen und einem Prokhor aus Gorodets, malte die Himmelfahrtskathedrale in Wladimir (1408). Dreifaltigkeitskathedrale im Dreifaltigkeits-Sergius-Kloster und die Spasski-Kathedrale des Andronikow-Klosters (1420). Sein Pinsel gehört zum Meisterwerk der Weltmalerei - der Ikone der Dreifaltigkeit.
Ende des 15. Jahrhunderts leistete der herausragende Ikonenmaler Dionysius einen großen Beitrag zur Entwicklung der russischen Malerei. Er war ein ausgezeichneter Kolorist und ein sehr komplexer Meister. Zusammen mit seinen Söhnen Theodosius und Vladimir sowie anderen Studenten schuf er die Fresken der Himmelfahrtskathedrale des Kremls. Zu seinen Kreationen gehörte die berühmte Ikone des Retters in der Macht.
Gleichzeitig funktioniert auch die Schule für Ikonenmalerei in Nowgorod. Es zeichnet sich durch die Helligkeit der Farben und die Dynamik der Komposition aus.
ARCHITEKTUR VON RUSSLAND

Im 14.-16. Jahrhundert wurde Moskau im Zusammenhang mit der Zentralisierung des Staates dekoriert (unter Ivan Kalita entwickelte sich der Steinbau). Unter Dmitry Donskoy wurde erstmals ein Kreml aus weißem Stein errichtet. Während des Jochs wird eine Reihe alter russischer Kirchen restauriert. Dank Fertigstellungen und Umbauten gibt es eine Tendenz zur Herausbildung des russischen nationalen Baustils, der auf der Synthese der Traditionen der Länder Kiew und Wladimir-Susdal basiert und in der Zukunft zum Modell für spätere Bauten im späten 15 frühen 16. Jahrhundert.
Auf Anraten von Sophia Paleolog wurden Meister aus Italien eingeladen. Ziel ist es, die Macht und den Ruhm des russischen Staates zu demonstrieren. Der Italiener Aristoteles Floravanti reiste nach Wladimir, untersuchte die Himmelfahrts- und die Dmitrijewski-Kathedrale. Es gelang ihm erfolgreich, die Traditionen der russischen und italienischen Architektur zu verbinden. 1479 schloss er erfolgreich den Bau des Haupttempels des russischen Staates ab - der Himmelfahrtskathedrale des Kremls. Anschließend wurde eine Granitkammer gebaut, um ausländische Botschaften aufzunehmen.
Die Berufung auf die nationale Herkunft kam besonders deutlich in der Steinarchitektur des traditionellen russischen Zeltstils zum Ausdruck, der so charakteristisch für die Holzarchitektur Russlands ist. Die Meisterwerke des Zeltstils waren die Himmelfahrtskirche im Dorf Kolomenskoje (1532) und die Fürbittekathedrale auf dem Kremlplatz in Moskau. Das heißt, ihr eigener architektonischer Stil erscheint.