سبک باروک در مجسمه سازی و نمونه ها. مجسمه های باروک در ایتالیا، فرانسه و اروپای مرکزی. بیان احساسات مذهبی در اسپانیا

در زمان رسیدن پیروزمندانه باروک به تاج و تخت فرهنگ اروپایی، استادان هنرهای پلاستیکی قبلاً به همه چیزهایی دست یافته بودند که مجسمه سازی قرن هفدهم را به یکی از مؤثرترین ابزار قدرت تبدیل می کرد. مجسمه‌سازی باروک بر پایه‌ی رئالیسمی که رنسانس احیا شده بود و نتایج جستجوهای خلاقانه‌ی منیریست‌ها، محکم ایستاد. یکی از دستاوردهای اصلی منریسم در مجسمه سازی بیان بود که سبک باروک آن را به سطح بی سابقه ای توسعه داد. در همان زمان مجسمه سازان این دوره به رهبری برنینی عنصر نمایشی بودن را در ساخته های خود تقویت کردند. هنر باروک یک تئاتر است: همه ژانرهای آن مکمل یکدیگر بودند و فضایی را ایجاد می کردند که در آن معماری به عنوان یک صحنه تلقی می شد و مجسمه سازی و نقاشی یک اجرای زنده ایجاد می کردند.

این دستورالعمل ها شامل شرح مختصری از مجسمه های باروک در ایتالیا، اسپانیا، فرانسه و آلمان است که در بخش های مربوطه ارائه شده است و ویژگی های سبکی مشترک و ویژگی های ملی را شناسایی می کند، همچنین شرح مختصری از فضای داخلی کاخ ها و عمارت های خصوصی باروک دارد. متن با تصاویری همراه است که به آشکار شدن کاملتر محتوای مطالب آموزشی کمک می کند. بخش ها حاوی سوالات تستی در مورد موضوع مورد بررسی با تمرکز بر اهداف مطالعه و افزایش سطح خودکنترلی دانش آموزان است.

هدف از این دستورالعمل ها کمک به شکل گیری پایه ای از دانش سیستماتیک لازم در مورد موضوع "مجسمه باروک" است و ایده ای از ظهور، ویژگی ها، گسترش سبک، جایگاه و اهمیت آن در تاریخ ارائه می دهد.

1. مجسمه باروک ایتالیایی

جریان قدرتمند باروک معماری، مجسمه‌سازی، نقاشی و هنرهای زینتی را به‌طور یکنواخت به همراه داشت که هیچ‌کدام از آنها جرأت نداشتند بدون ارتباط با دیگران ظاهر شوند. مجسمه سازی باروک ارتباط نزدیکی با معماری دارد. نما و فضای داخلی کلیساها، ویلاها، قصرهای شهر، باغ ها و پارک ها، محراب ها، سنگ قبرها، فواره ها را تزئین می کند.

نوآوری ارائه شده توسط مجسمه سازی باروک علاقه به پیچیدگی و تنوع چشمگیر جهان بود. توجه اصلی به پویایی گروه به دلیل تجسم صحنه ها، لحظه خاصی از برخی اقدامات معطوف شد. مجسمه سازان به دنبال گنجاندن مخاطب در فضای مجسمه و افزایش تماشایی صحنه بودند. بسیاری از استادان شروع به استفاده از ترکیب مواد مختلف در آثار خود کردند. مجسمه سازی، مانند نقاشی و معماری، در خدمت سلطنت، کلیسا و بورژوازی بود.

در باروک گاهی اوقات نمی توان کار معمار و مجسمه ساز را از هم جدا کرد. هنرمندی که استعداد هر دو را ترکیب کرد، جووانی لورنزو برنینی (1598-1680) بود. برنینی به عنوان معمار دربار و مجسمه ساز پاپ ها، دستورات را اجرا می کرد و سرپرستی تمام کارهای عمده معماری، مجسمه سازی و تزئینی را که برای تزئین پایتخت انجام می شد، به عهده داشت. او صاحب معمولی ترین آفرینش باروک است - غنای تزئینی خیره کننده از مواد مختلف، تخیل هنری بی بند و بار در کلیسای جامع سنت پیتر (1657-1666) (شکل 1.1)، و همچنین بسیاری از مجسمه ها، نقش برجسته ها. و سنگ قبرهای کلیسای جامع.

برنینی، مانند استادان رنسانس، به موضوعات باستانی و مسیحی روی آورد. اما تصویر او از دیوید (شکل 1.2)، برای مثال، با تصویر دوناتلو، وروکیو یا میکل آنژ متفاوت است. «دیوید» برنینی یک شورشی است؛ وضوح و سادگی تصاویر کواتروسنتو یا هارمونی کلاسیک تصاویر رنسانس عالی را در خود ندارد. برنینی بر خلاف پیشینیان خود دوئل بین دیوید و جالوت را نشان داد و نه آمادگی برای آن و نه فینال آن. دیوید به تندی می چرخد ​​تا سنگی را از زنجیر خود به سر حریفش پرتاب کند. پاها به طور گسترده ای از هم باز شده اند، صورت منعکس کننده هیجان غم انگیز نبرد است. مجسمه ساز داوود را به نماد عدالت الهی تبدیل کرد.

برنج. 1.2 جووانی لورنزو برنینی

یک هنرمند معمولی بود که از طرف کلیسای کاتولیک کار می کرد. بنابراین، در تصاویر محراب او، یک ایده مذهبی خاص همیشه به وضوح به زبان پلاستیکی باروک بیان می شود. به عنوان مثال، یکی از بهترین ساخته های او - "خلسه سنت ترزا" (1645-1652) (شکل 1.9) در کلیسای سانتا ماریا دلا ویتوریا در رم است. در اینجا او مرمرهایی با رنگ‌های مختلف و برنز طلاکاری شده را در یک اثر ترکیب می‌کند و به وهم‌انگیز بودن کامل و نهایت زیبایی مجسمه دست می‌یابد. برنینی سنگ را صیقل داد و آن را با نکات برجسته بازی کرد. او بهترین تفاوت های ظریف را منتقل کرد: بافت پارچه، درخشش چشم ها، جذابیت حسی بدن انسان. گفته او به طور گسترده ای شناخته شده است: "من سنگ مرمر را مانند موم انعطاف پذیر ساختم." این را گروه‌های مجسمه‌سازی باشکوه «تجاوز به پروزرپینا» (1621-1622) (شکل 1.3) و «آپولو و دافنه» (1622-1624) (شکل 1.4) که بر اساس مضامین اساطیر روم باستان ساخته شده‌اند، تأیید می‌کند. "مبارک Lodovica Albertoni" (1674) (شکل 1.5) - آخرین کار استاد.

استاد محراب‌های مجسمه‌ای بسیاری برای کلیساهای رومی، سنگ قبرهای افراد مشهور زمان خود، فواره‌های میدان‌های اصلی رم (پیازا باربرینی، پیازا ناوونا (شکل 1.7، شکل 1.8) و غیره) و در همه این آثار خلق کرد. ارتباط ارگانیک آنها با محیط معماری.

آر

است. 1.3 شکل. 1.4

برنینی خالق پرتره باروک است. این تصویر تشریفاتی، نمایشی، تزئینی است، اما خودنمایی کلی تصویر، ظاهر واقعی مدل را مبهم نمی کند. برای مثال، پرتره کاردینال Scipione Borghese (1632) است (شکل 1.6).

برنج. 1.6 شکل. 1.7. فواره "چهار رودخانه".

قطعه. 1648 - 1651

برنج. 1.8. میدان ناوونا. فواره "چهار رودخانه". 1648 - 1651

برنینی را خالق و نماینده باروک می دانند. مجسمه سازی او ویژگی های اصلی این سبک را در بر می گرفت:

محو کردن مرزهای بین وظایف مجسمه سازی و نقاشی؛

امتناع از استراحت پلاستیکی؛ نه تنها در حالت، بلکه

و در بازی چهره ها میل به بیان زندگی و اشتیاق آشکار می شود;

بازتولید نه از وضعیت قهرمانان، بلکه از کنشی که از آن حاصل شده است

لحظه کوتاهی ثبت می شود.

انتقال وهمی بافت اشیا;

عشق به ترکیب مواد مختلف (بافت، رنگ)؛

پیچیدگی سیلوئت ها و زوایای چهره ها، که به شما امکان می دهد درک کنید

مجسمه سازی از دیدگاه های مختلف;

تئاتری شدن کنش؛

درگیر کردن بیننده در کنش و ایجاد فضای تعاملی

بین او و کار

مجسمه سازی باروک یک سبک هنری در زمینه مجسمه سازی است. در قرن هفدهم - نیمه اول قرن هجدهم به عنوان یکی از اجزای دوره باروک در فرهنگ ظهور کرد. مشخصه های آن: - نمایشی شدن تصاویر تاکید شده - پویایی ژست ها - رسا بودن چهره ها و ژست ها - زیاده خواهی خاص لورنزو برنینی. دیوید

اولین نوآوری که توسط مجسمه باروک معرفی شد، علاقه به پیچیدگی و تنوع چشمگیر جهان بود. توجه اصلی به پویایی گروه از طریق اجرای صحنه هایی بود که یک لحظه خاص از برخی اقدامات را به تصویر می کشد. مجسمه سازان به دنبال گنجاندن مخاطب در فضای مجسمه و افزایش تماشایی صحنه بودند. مجسمه سازی، مانند نقاشی و معماری، در خدمت سلطنت، کلیسا و بورژوازی بود. فرانسوا ژیراردون آپولو و پوره ها.

جیان لورنزو برنینی () برنینی را خالق و نماینده باروک می دانند. مجسمه او عناصر اصلی این سبک را تجسم می بخشد: - پویایی ژست ها، - چرخش شدید بدن ها، - بیان حرکات و چهره ها، - سطح مرمر صیقلی، و همچنین - زوایای متعدد، که به شما امکان می دهد مجسمه را از نقاط مختلف درک کنید. از دید از بهترین آثار او در دوره اولیه می توان به «آپولو و دافنه» () و «دیوید» (1623) اشاره کرد.

"Saint Longinus" () در کلیسای سنت پیتر پرتره کنستانزا بوونارلی (1635)

سنگ قبر پاپ اوربان هشتم () "خلسه سنت ترزا" ()

آخرین دوره خلاقیت مجسمه ساز () با افزایش معنویت مشخص شد. در میان آثار این دوره «لودویکا آلبرتونی متبرک» (1674) خودنمایی می کند.

مجسمه اسطوره ای فرانسوی غرور فرانسوی قرن هفدهم. آغاز انحطاطی بود که تنها تعداد کمی از نویسندگانی که در ایتالیا ظهور کردند توانستند از آن اجتناب کنند. ژاک سارازین که مکتب ایتالیایی را گذرانده بود، کلاسیک و باروک را در آثار خود ترکیب کرد و از سبک لویی چهاردهم جلوتر بود. مجسمه لویی چهاردهم در ورسای.

دو مجسمه ساز، فرانسوا ژیراردون و آنتوان کویزوکس، میراث برنینی را شکستند. هر دو روی تزئینات کاخ ورسای کار می کردند و مجسمه سازان مورد علاقه پادشاه بودند. فرانسوا ژیراردون ستون گرد. کاخ ورسای. آنتوان کویزوکس. گلدان جنگ در پارک ورسای.

فرانسوا ژیراردون سنگ قبر کاردینال ریشلیو ().

بیان احساس مذهبی در اسپانیا در هنر پلاستیک، دوگانگی خاصی بین رئالیسم و ​​نمادگرایی برقرار شد: موضوعاتی که از زندگی واقعی گرفته شده بودند استفاده می شد، اما خواندن آنها در یک کلید مذهبی پیشنهاد شد. از نظر شکل مجسمه به کلاسیک گرایی نزدیکتر بود و از نظر محتوا به باروک. گرگوریو فرناندز. پیتا (1617؛ موزه ملی مجسمه سازی، وایادولید).

در اندلس، تمام فعالیت ها در دو شهر سویا و گرانادا متمرکز بود، جایی که مجسمه سازان بر واقع گرایی تصاویر مقدس تأکید داشتند، اما احساسات و معنویت آنها را افزایش دادند. پدرو رولدانو. تزئین محراب در کلیسای جامع سویل (). سویل

در دوران رنسانس، مجسمه سازان برای الهام گرفتن به دوران باستان کلاسیک روی آوردند، اما در عین حال رویکردهایی را برای تفسیر فرم توسعه دادند که به درک مدرنی از آن اشاره می کرد. بنابراین، برای مثال، آنها ایده‌های مربوط به بدن ایده‌آل انسان را با مفاهیم اومانیست‌ها و نه با قوانین باستانی مرتبط می‌کردند، برخلاف آنچه که مثلاً با معماریسفارشات مجسمه سازان دوره رنسانس معتقد بودند که مجسمه سازی باستانی پدیده ای منحصر به فرد است که مطالعه این هنر را باید بر روی آوردن مستقیم به طبیعت ترجیح داد. بر اساس بیانیه ای که به میکل آنژ نسبت داده می شود، او معتقد بود که مردی که نیم تنه آپولو بلودره را خلق کرد از خود طبیعت عاقل تر بود. ضرر بزرگ به نظر او این بود که فقط نیم تنه آپولو باقی ماند.

هنرمند، معمارو مورخ هنر جورجیو وازاری یکی از نظریه پردازانی بود که در این دوره از ایجاد سیستم جدیدی از ارزش ها بر اساس مطالعه کار افراد نابغه حمایت کرد. او نقاشان برجسته را مطابق با شیدایی آنها، سبک فردی و منحصر به فرد هر یک از آثارشان توصیف کرد. این رویکرد آرمان های کلاسیک رنسانس را تغییر داد. در دوره Cinquecento، میل معمول مجسمه ساز فقط بازتولید نبود، بلکه دقیقاً تکرار طبیعی بود. تشکیل می دهد، بلکه به لطف تخیل از طبیعت پیشی گرفته است. این روند تا حدی پیش‌بینی آثار منریست‌ها بود که مدت‌ها توسط دانشمندان مورد انتقاد قرار می‌گرفت تا اینکه منتقدان هنری ماکس دووراک و هرمان ووس این جنبش را در قرن بیستم بازسازی کردند. از ویژگی های تعیین کننده آن می توان به تقسیم بندی ها و نسبت های کشیده اجسام، حالت های مصنوعی و ترکیب مواد مختلف در یک ترکیب اشاره کرد. ترکیب‌بندی‌های مجسمه‌سازی رفتارگرایانه می‌تواند بر ویژگی‌های متضاد شخصیت‌ها مانند فرسودگی و جوانی، زیبایی و زشتی تأکید کند و چهره‌های مرد و زن را متحد کند. از مهمترین دستاوردهای منریست مجسمه ها- اختراع به اصطلاح figura serpentinata - یک حرکت مارپیچی پیچیده از چهره ها یا کل گروه ها که به سمت بالا می پیچند و این تصور را ایجاد می کنند که آنها تابع قوانین گرانش نیستند. این موتیف برای اولین بار در گروه مجسمه سازی "پیروزی" و "بردگان در حال مرگ" (راست ببینید) ظاهر شد که بین سال های 1519 تا 1530 قدمت دارند، اما نمای جلویی همچنان بیننده اصلی اینجا بود. موقعیت ثانویه یک چهره و تصویر دیگری در تمام قد و حرکت در جهت مخالف، مضمون برنده و مغلوب را برجسته می کرد. هنگامی که جیامبولونیا به فیگور سرپنتیناتا روی آورد، این موتیف را ادامه داد و به شکلی جدید توسعه داد و گروهی را ایجاد کرد که باید از هر طرف دیده می شد. اگر بیننده در اطراف آن قدم بزند، یک ترکیب پیچیده می تواند به درستی درک شود. در همان زمان، زوایای جدیدی به طور مداوم باز می شد، که با این حال، بر حرکت رو به بالا کل ترکیب تأکید می کرد. در تضاد بیشتر بین پیروزی میکل آنژ و بردگان در حال مرگ، فیگوراتیو سرپانتیناتای رفتارگرا، در میان چیزهای دیگر، اظهارات وازاری را در مورد مانیر منعکس می‌کند، که برخی آن را انحطاط سبک کلاسیک به سمت خودنمایی بیش از حد می‌دانستند. این دوره انتقالی تحسین بیش از حد برای تسلط کامل بر تکنیک و ظرافت بیش از حد را می توان پیشرو سبک باروک در هنر دانست که پس از تشکیل شورای ترنت ظاهر شد و صدایی تازه به احساس مذهبی بخشید. با این وجود، جیامبولونیا تأثیرگذارترین مجسمه ساز ایتالیایی در این دوره باقی ماند و هنر او لحن تمام مجسمه سازی اروپایی اواخر قرن شانزدهم و اوایل قرن هفدهم را تعیین کرد. آثار او را می توان انتقالی بین آثار میکل آنژ و برنینی دانست. مورخان هنر، به ویژه در نیمه اول

قرن بیستم، مشغول روشن شدن ماهیت واقعی این مجموعه بسیار پیچیده بودند هنرباروک، و اختلافات آنها حول موضوعات سبک می چرخید. اغلب به نفوذ ناتورالیسم تزئینی در آثار متاخر منریست ها، تصاویر رنگارنگ آنها یا اهمیت سبک ناتورالیستی به عنوان واکنشی به شیوه گرایی اشاره شده است.

اگر اصلاحات لوتر اروپا را به دو اردوگاه ایدئولوژیک قدرتمند تقسیم کرد، پس این ایتالیا در دوره سینکوئنتو بود که سرسختانه در برابر آن مقاومت کرد. در اینجا وحدت جدیدی بین ایمان و کلیسا پدید آمد. سپس شورای معروف ترنت که بین سالهای 1545 و 1563 برگزار شد، آمد. و اگرچه منجر به اتحاد کاتولیک ها شد کلیساهادر عین حال فضای فکری نسبت به هنر رنسانس با الهام از دوران باستان نامطلوب شد و مظاهر روح اومانیسم رنسانس را به کلی رد کرد. تغییر دیدگاه‌های مذهبی مردم (و به‌ویژه هنرمندان) و چگونگی انعکاس وقایع تاریخی در آنها به خوبی با این مثال نشان داده می‌شود. مجسمه سازبارتولومئو آماناتی.

امانتی در آغاز فعالیت خلاقانه خود، خود را وقف مطالعه مجسمه سازی دوران رنسانس و باستان کرد و مجسمه ای در مقیاس بزرگ ایجاد کرد.

الساندرو ویتوریا

سنت سباستین، 1561-1563

مرمر ارتفاع 117 سانتی متر

سن فرانچسکو دلا ویگنا، ونیز

الساندرو ویتوریا

سنت سباستین، حدود 1600

سنگ مرمر، ارتفاع 170 سانتی متر سن سالواتوره، ونیز

یک ترکیب مجسمه‌سازی برای یک فواره در فلورانس با روح سنت رفتارگرایی اواخر رنسانس. او که در زندگی شخصی خود دچار بحران شده بود، از این سبک و مضامین قبلی آثارش روی گردان شد. او با محکوم کردن کار خود در روح ضد اصلاحات، به ویژه به دلیل حضور بسیاری از چهره های برهنه در آن، کل میراث خود را به نظم یسوعی به وصیت داد.

در اوایل دهه 1950، جولیو کارلو آرگان، منتقد هنری ایتالیایی، مفهوم بلاغت را وارد فهم کرد. باروک، این سبک را به عنوان "بلاغه هنری" توصیف می کند که در آن توجه اصلی به اقناع است. این امر بیننده را در رابطه ای کاملاً متفاوت با اثر هنری قرار می داد. در زمان‌های پیشین، هنر به دنبال برانگیختن احساس تحسین برای پدیده زیبا یا کاملی بود که در تصویر نشان داده می‌شود؛ بنابراین، واکنش بینندگان مانند رابطه آنها با موضوع تصویر - دنیای واقعی بود. یان بیالوستوکی، منتقد هنری لهستانی نوشت: در قرن هفدهم، هنرمند به دنبال رابطه جدیدی بین بیننده و یک اثر هنری بود.

تصور معماری باروک بدون تزئینات مجسمه‌سازی غیرممکن است. مجسمه سازی باروک بر اساس هدف خود به فرقه و سکولار تقسیم می شود. مجسمه‌های فرقه شامل مجسمه‌های منفرد، گروه‌های مجسمه‌سازی، ترکیب‌های برجسته و سنگ قبرهای مجسمه‌سازی می‌شود. موضوع اصلی آنها به تصویر کشیدن شخصیت های کتاب مقدس، صحنه های معجزه و شهادت است. مجسمه باروک فرقه ای شبیه به احساسات و عواطف زمینی است که با انگیزه معنوی رنگ آمیزی شده است. به‌عنوان بارزترین نمونه، می‌توان به نمونه‌ای از ترکیب مجسمه‌سازی جووانی برنینی «خلسه سنت ترزا» اشاره کرد.

مجسمه‌های باروک سکولار با بناهایی با انواع و اهداف مختلف نشان داده می‌شوند: مجسمه‌های تشریفاتی پادشاهان، پرتره‌های اشراف، مجسمه‌هایی برای فواره‌های شهر و مجسمه‌های منظره. یکی از ویژگی های معمول مجسمه سازی باروک نیاز به محیط، تعامل فعال با آن، با عناصر آب، هوا، نور است. آثار مجسمه‌سازی باروک نیاز به قاب معماری یا منظره دارند، بنابراین تصور آنها در محیط موزه از بین می‌رود. مجسمه‌سازان باروک عاشق سنگ مرمر و برنز هستند که ترکیبی از مواد گرانبها از نظر تزئینی بیانگر است. اما در کشورهایی با سنت های قوی صنایع دستی دهقانی (باواریا، اتریش، لهستان، کشورهای بالتیک)، چوب احیای درخشانی را در مجموعه های تزئینی دکوراسیون کلیسا تجربه می کند.
در مجسمه های باروک ما شاهد تبعیت مواد از ایده هنری هستیم. بیان حرکت در هنر پلاستیک باروک به ویژه در گروه های مجسمه سازی ایجاد شده برای فواره ها مشهود است. از جمله آثار معروف برنینی - فواره "تریتون" در پیازا باربرینی در رم، فواره "چهار رودخانه" در پیازا ناوونا و غیره. هسته اصلی طراحی ترکیبی آنها حرکت آب است. مجسمه و آب یک کل را تشکیل می دهند. مجسمه ها و بلوک های سنگی ناهموار با فرم های نامتقارنشان، حرکت آب، جریان ها و جویبارهای آن را در جهات مختلف بازتاب می دهند. همه چیز در یک مجموعه پیچیده و به ظاهر تصادفی به هم متصل است - محصولی از عناصر طبیعی. همه با هم احساس زندگی تسلیم ناپذیر طبیعت را می دهد.

در رنسانس، نقاشی به سمت اصول مجسمه سازی گرایش داشت؛ در دوره باروک، مجسمه سازی به سمت زیبایی گرایش داشت. استادان به توانایی خود در تشبیه مجسمه سازی به نقاشی افتخار می کنند. بازتاب نوری که روی سطح مجسمه ها پخش می شود به این اثر کمک می کند. نقشه های مجسمه سازان به گونه ای طراحی شده اند که ظریف ترین انتقال نور و سایه را در بدن انسان درک کنند، بنابراین فضای هوایی اطراف پیکرها نقش بسیار مهمی در هنر باروک دارد. این باروک بود که دوران مناظر و پارک مجسمه سازی سکولار را باز کرد.

در اواخر دوره باروک، مجسمه‌های تزئینی به آزادی کامل دست می‌یابند: مجسمه‌ها کل فضای کلیساها و نماها را پر می‌کنند، روی تاقچه‌های قرنیز می‌نشینند و تا گنبد پرواز می‌کنند. در دوره رنسانس، مجسمه سازی به عنوان تزئینی برای دیوارها عمل می کرد؛ در دوره باروک، به تزئینی برای فضا تبدیل شد.
درخشان ترین استاد مجسمه سازی فرقه باروک، بالتاسار پرموسر ("یاس از نفرین شدگان"، "سنت آمبروز") بود. آثار او با بیانی که به قدرت درونی بزرگ تبدیل می شود، منحصر به فرد بودن آثار کوچک پلاستیکی و مشکلات فلسفی جهانی متمایز می شوند.
مجسمه ساز آنتونیو کانوا به خاطر کارهایش در سبک باروک شناخته شده است. مشخصه آثار او انتخاب موضوعات مرتبط با مضامین کتاب مقدس، اساطیری با طبیعت قهرمانانه یا نمایشی است. آثار او به خاطر ماندگاری، غیرمعمول بودن، پرمدعا بودن، زوایای پویا و صدای کلی دراماتیک ("اورفیوس"، "هرکول و لیچاس") متمایز می شوند. به تدریج کانوا از سبک باروک فاصله گرفت و بهترین آثار او متعلق به کلاسیک بود.
در دوران باروک، پرتره های تشریفاتی و بناهای تاریخی متعددی نیز ایجاد شد.
بزرگترین نمایندگان مجسمه سازی باروک L. Bernini در ایتالیا، آلمان و فرانسه هستند، جایی که کلاسیک در ارتباط نزدیک با باروک توسعه می یابد (ویژگی های هر دو سبک در آثار F. Girardon، A. Coisevoux و غیره در هم تنیده شده است).
در روسیه به سبک مجسمه سازی باروک کار می کرد.

مجسمه سازی، مانند نقاشی و معماری، در خدمت سلطنت، کلیسا و بورژوازی بود. یکی از دستاوردهای اصلی مانیریسم (از مانیر ایتالیایی، شیوه) در مجسمه سازی بیان بود که سبک باروک آن را به سطح بی سابقه ای توسعه داد. به طور کلی، روند زیر در مجسمه سازی وجود داشت: یک شخصیت انسانی در پس زمینه یک ساختمان به کنسرت برای صدا و ارکستر تشبیه می شود. فیگورها فراتر از طاقچه گسترش می یابند، قاب به فرمی سه بعدی تبدیل می شود که می توان آن را در پشت سر وارد کرد. مجسمه سازی شبیه نقاشی است، نقاشی شبیه مجسمه سازی است. اولین نوآوری که توسط مجسمه باروک معرفی شد، علاقه به پیچیدگی و تنوع چشمگیر جهان بود. توجه اصلی به پویایی گروه از طریق اجرای صحنه هایی بود که یک لحظه خاص از برخی اقدامات را به تصویر می کشد. مجسمه سازان به دنبال گنجاندن مخاطب در فضای مجسمه و افزایش تماشایی صحنه بودند. بسیاری از استادان شروع به استفاده از ترکیب مواد مختلف در آثار خود کردند. در مجسمه‌سازی باروک، هارمونی و وضوح رنسانس جای خود را به عناصر فرم‌های متغیر، به شدت پویا، اغلب مملو از شکوه و شکوه می‌دهد. روندهای تزئینی به سرعت در حال رشد هستند: مجسمه سازی به معنای واقعی کلمه با معماری کلیساها، کاخ ها، فواره ها و پارک ها در هم آمیخته است. در دوران باروک، پرتره های تشریفاتی و بناهای تاریخی متعددی نیز ایجاد شد. اصول کلاسیک گرایی، که در دوران روشنگری بازاندیشی شد، نقش مهمی در توسعه مجسمه سازی اروپای غربی در نیمه دوم قرن هجدهم - ثلث اول قرن نوزدهم ایفا کرد که در آن، همراه با موضوعات تاریخی، اساطیری و تمثیلی، وظایف پرتره انجام می شد. اهمیت زیادی پیدا کرد.

بزرگترین نمایندگان مجسمه سازی باروک عبارتند از L. Bernini در ایتالیا، A. Schlüter در آلمان، P. Puget در فرانسه، جایی که کلاسیک در ارتباط نزدیک با باروک توسعه یافت (ویژگی های هر دو سبک در آثار F. Girardon، A. کویزوکس و غیره). یکی دیگر از مجسمه سازان اصلی آنتونیو کانوا بود که اولین آثار او بازتابی از سبک باروک است. انتخاب موضوعات مرتبط با مضامین کتاب مقدس، اساطیری با طبیعت قهرمانانه یا نمایشی معمولی است. آثار او به خاطر ماندگاری، غیرمعمول بودن، پرمدعا بودن، زوایای پویا و صدای کلی دراماتیک ("اورفیوس"، "هرکول و لیچاس") متمایز می شوند. به تدریج کانوا از سبک باروک فاصله گرفت و بهترین آثار او متعلق به کلاسیک بود. در عین حال، مجسمه سازان این دوره عنصر نمایشی بودن را در ساخته های خود تقویت کردند.

جووانی لورنزو برنین (1598-1680) که بزرگترین استاد باروک ایتالیایی به حساب می آید، قابل توجه است. G. Bernini به عنوان معمار دربار و مجسمه ساز برای پاپ ها، سرپرستی تمام کارهای معماری در رم را بر عهده داشت. در کار او، تعامل فعال توده های معماری و فضا، مشخصه باروک، به وضوح آشکار شد. آثار او با گستره فضایی، شکوه تشریفاتی تزئینات، پویایی انعطاف پذیر فرم ها و جلوه های پرسپکتیو متمایز می شوند. او با استفاده از نقاشی، تذهیب و سنگ مرمر، مواد مختلف را به طرز زیبایی ترکیب کرد. اولین کار معماری برنینی بازسازی کلیسای رومی سانتا بیبیانا (1624) همراه با پیرو دا کورتونا بود. او سپس به دلیل طراحی محراب مرتفع در کلیسای سنت پیتر (1624-1633) که به طور مشترک با فرانچسکو بورومینی ساخته شد، که در مرکز فضای داخلی وسیع کلیسای جامع، زیر گنبدی که توسط میکل آنژ ساخته شده است، مشهور شد. مطابق با طرح برنینی، یک سازه کامل بر فراز محراب، با ستون‌های برنز پیچ خورده عظیم ۲۶ متری که یک سایبان برنز طلاکاری شده غنی را پشتیبانی می‌کردند، برافراشته بود. این بنا به عنوان یک سایبان به یاد ماندنی بر فراز مقبره سنت پیتر در نظر گرفته شده بود، که یادآور سایبانی است که به طور سنتی بر فراز پاپ در حالی که از کلیسا عبور می کند، نگه داشته می شود. در بالا یک توپ و یک صلیب وجود دارد که توسط چهار فرشته پشتیبانی می شود. نقوش ستون‌های پیچ خورده برای اولین بار در معماری گوتیک ظاهر می‌شود، این شکل اساساً ساختارشکن توسط برنینی استفاده می‌شود و در اینجا، در کلیسای جامع St. پیتر، معنای یکی از موضوعات اصلی معماری. هر دو ستون، در هم تنیده با شاخه های لور، و خود سایبان با نیلو پوشانده شده است؛ در این زمینه، جزئیات درخشان طلاکاری شده ظاهر می شود که جلوه معماری قوی ایجاد می کند. برنینی مجسمه ساز برجسته زمان خود بود. از ویژگی های آثار او مدل سازی پلاستیکی کامل، پویایی و رسا بودن تصاویر بود. به ویژه ترکیب مجسمه‌سازی معروف او «خلسه سنت ترزا» در کلیسای رومی سانتا ماریا دلا ویتوریو است که تصویری عرفانی از همکار مشهور کلیسا، ترزا کارملیتی را به تصویر می‌کشد، که در طی آن فرشته‌ای با صدایی به قلب او نفوذ کرد. تیر آتشین عشق الهی برنینی فضای داخلی کلیسای کوچک کورنارو را در اطراف گروه مجسمه سازی خود با سنت ترزا می سازد. آلاچیق مرمری با دهانه‌ای در بالا که نور از پنجره‌ای بلند جاری می‌شود، اثر توهم‌آمیز ابرها روی طاق، جایگاه‌های کاذبی که در آن تماشاگران نشسته‌اند و به این صحنه فکر می‌کنند... دستیابی به قیاس بزرگ‌تر با تئاتر غیرممکن است. در سال 1629، برنینی به عنوان معمار اصلی کلیسای سنت پیتر و کاخ باربرینی منصوب شد. یکی از زیباترین کلیساهای ایتالیا در قرن هفدهم. کلیسای رومی Sant'Andrea که توسط برنینی در سال 1653 ساخته شده است، به درستی در نظر گرفته شده است. چشمگیرترین تزئینات مذهبی و هنری ساخته شده توسط برنینی "تخت سنت پیتر" (1657-1666) است - یک پوشش برنزی طلاکاری شده از تخت چوبی قرون وسطایی (کاتدرا) پاپ. این توهم ایجاد می شود که صندلی توسط 4 چهره برنزی از پدران بنیانگذار کلیسای اولیه پشتیبانی می شود: St. آمبروسیوس، آتاناسیوس، جان کریزوستوم و آگوستین، بالای آنها شکوه طلایی فرشتگان بر روی ابرها در پرتوهای نوری است که از روح القدس سرچشمه می گیرد به شکل کبوتری در پنجره بیضی شکل. در اواخر دوره خلاقیت خود، برنینی طراحی کلیسای جامع کلیسای جامع سنت پیتر - Santissimo Sacramento (1673-1674) را تکمیل کرد، که در آن نیمرخ های نرم فرشتگان بهشتی را با معماری گنبد برنزی مقایسه کرد. بزرگترین اثر اخیر، کلیسای آلتیری در سان فرانچسکو ریپا (حدود 1674) در رم است. در طاقچه ای در بالای محراب مجسمه ای وجود دارد که مرگ مبارک لودویکو آلبرتونی را به تصویر می کشد.