Exemples de performances. Qu’est-ce que la performance ? Caractéristiques distinctives de la performance en tant que forme d'art

Vous marchez dans la rue et soudain vous voyez devant vous deux sculptures, figées et apparemment sans vie. Quelqu’un met une pièce de monnaie dans un chapeau posé sur le trottoir et les sculptures prennent vie. Ils exécutent une danse ou exécutent un mouvement caractéristique des personnages qu'ils représentent, puis se figent à nouveau. La performance (performance) n'est pas terminée tant que les sculptures sont là, continue-t-elle, elle s'est simplement transformée en une forme statique.

"Performance? Qu'est-ce que c'est?" - tu demandes. C'est l'une des directions de l'art moderne. Il est apparu dans les années soixante du siècle dernier, lorsque les stéréotypes ont été brisés dans tous les domaines. vie humaine: art, politique, social et les relations interpersonnelles. De nombreuses nouvelles tendances apparaissent alors dans la philosophie, le cinéma, les beaux-arts et la musique. Quant à l'art contemporain, dans le même temps, apparaissent des mouvements similaires à la direction « performance art » sous forme de présentation - actionnisme, happenings et autres. Qu’ont-ils en commun et en quoi sont-ils différents ?

Comprenons d'abord qu'une performance est une courte action artistique ou théâtrale qui se déroule dans ce moment dans un lieu donné et est réalisé par l'artiste lui-même ou un groupe de participants. Ce qui le distingue du théâtre est que les participants au spectacle ne jouent pas les rôles appris et répétés des autres. Ils agissent dans le cadre du personnage ou du groupe de personnages qu’ils incarnent et le « vivent ». Ils n’ont pas de rôles écrits, mais l’intrigue est généralement présente. Une autre particularité de ce mouvement de l’art moderne est le rôle central de celui qui le représente. Si quelqu'un a une question : « La performance, qu'est-ce que c'est ? » - on peut répondre en toute sécurité qu'il s'agit avant tout de l'artiste du spectacle lui-même, de son corps, de ses gestes, des attributs supplémentaires sous forme de costumes, d'accessoires et autres moyens expressifs. C'est la principale différence avec les beaux-arts, où l'objet de représentation est une toile ou une sculpture. De plus, contrairement à l'art classique, la perception et la compréhension de la performance ne nécessitent pas de préparation intellectuelle particulière : elle s'adresse à tout passant qui a regardé, a été surpris et est passé à autre chose, sans réfléchir à la manière de classer cette action, qui en a été le fondateur et quoi. il y aura des conséquences.

Les plus proches associés de ce type de représentation sont l’actionnisme et les événements. On sait déjà de la performance qu'il s'agit d'une action théâtrale de l'artiste qui ne poursuit aucun but précis et ne nécessite pas la participation directe du public. C'est là sa principale différence avec un événement qui n'est possible qu'avec la participation active du public. L'événement n'est que « déclenché » par l'artiste, et ce qui en résulte dépend des spectateurs qui y participent.

L'actionnisme est une tendance de l'art moderne qui se concentre non pas sur le fruit de la créativité, mais sur la créativité elle-même, sur le processus de création d'une œuvre d'art. Un artiste peint en public, un musicien marche sur des pédales musicales et de la musique résonne sous ses pieds, etc. Peu à peu, l’actionnisme évolue et se confond avec la politique et l’outrage. Aujourd’hui, nous voyons beaucoup d’outrages appelés « actions artistiques ». L'une des plus célèbres et des plus marquantes d'entre elles est la « farce » du groupe Pussy Riot dans la cathédrale du Christ-Sauveur. Il s'agissait d'une action de protestation menée à travers des activités musicales et arts visuels(collants multicolores sur la tête, utiliser instruments de musique, récitation de certains textes politiques). Les filles croyaient donc qu’elles accomplissaient une action dans un esprit d’actionnisme ; nous savons ce qui en est arrivé.

Les tendances décrites (actionnisme, événements, performances) dans l'art sont perçues différemment. Les partisans comme les opposants fournissent des arguments convaincants en faveur de leurs positions. Peut-être que le seul juge digne de ce différend sera le temps, qui remettra chaque chose à sa place. Attendons un peu...

Art-, Comment direction moderne l'art est difficile à percevoir. Du moins tant que c'est neuf. Aujourd’hui, on oublie presque avec quelle acharnement ils critiquaient, avec quelle moquerie les peintures impressionnistes étaient ridiculisées. La même chose s’est produite avec le cubisme, le surréalisme… Vous n’avez même pas besoin de les énumérer ! Chaque innovation majeure dans l’art était accueillie par un ridicule méprisant et des cris : « Est-ce de l’art ?! » C’était ainsi avant et c’est ainsi que les larges masses le perçoivent aujourd’hui. performance.

Dans la seconde moitié du XXe siècle, de nombreux mouvements artistiques et pratiques artistiques sont apparus, je n'en parlerai pas en détail maintenant, je dirai seulement ce qui, à mon avis, les unit.
Ils sont unis par une attitude fondamentalement nouvelle envers l'espace (je parle maintenant des arts visuels). Si auparavant une personne visait à percevoir une œuvre distincte dans un espace neutre, désormais l'environnement même dans lequel se trouve l'œuvre cesse d'être neutre. L'espace dans lequel est placée une œuvre de land art, ou dans lequel et performances, ou des promotions ont lieu - activement. Cet espace présuppose une expérience esthétique complètement nouvelle, fondamentalement différente, contrairement à l'expérience de perception, par exemple, de la peinture de chevalet. Cette expérience gravite vers les mystères anciens, dans lesquels d’immenses masses de personnes étaient incluses. Ce n'est que dans ce cas que l'on peut parler du côté profane de ces mystères, dépourvus de contenu sacré. Il y a d’autres forces à l’œuvre ici : objets naturels, les gens, les villes - inclus dans un événement artistique, commencent à être perçus d'une manière nouvelle tant par les participants à ces actions que par le public.
De plus, la notion même de « spectateur » devient très conditionnelle. Les frontières entre art et non-art deviennent transparentes. Et chaque personne, volontairement ou involontairement, devient participant à cette action.

L'art est provocateur. Cela provoque la réflexion.

Quand un Parisien ordinaire sort dans la rue de son pas habituel, absorbé dans ses pensées, jette son regard habituel sur le Pont Neuf et... Il voit quelque chose qui lui fait regarder le Pont Neuf, et Paris, et l'architecture. et l'art en général avec des yeux complètement différents...
Art de la performance L’artiste bulgare Hristo Yavashev (né en 1935) peut à juste titre être classé comme artiste « de l’environnement », c’est-à-dire ses œuvres représentent un espace artistique holistique, actif et non utilitaire organisé par lui (l'artiste et une équipe d'ingénieurs, de techniciens, etc.).

Christo et Jean-Claude "Pont Neuf Emballé" (Paris, 1985)

Le Nouveau Pont enveloppé semblait disparaître et, en même temps, devenait plus évident que jamais. Il est impossible de ne pas s’arrêter, au moins quelques instants, après avoir vu cela. Peut-être que cet « arrêt » de notre Parisien pressé est l'effet que Christo cherchait à obtenir ?.. Souvent, une rencontre avec l'art commence par la surprise.

Et voici « Le Reichstag enveloppé » (Berlin, 1995)

Une direction très intéressante, à mon avis, dans l'art contemporain est le land art : le matériau ici est constitué d'objets naturels combinés avec une quantité minimale d'éléments artificiels. Artistes de performance Christo et son épouse et co-auteur Jean-Claude ont créé un certain nombre d'objets d'art de ce type (depuis 1958, Christo vit en France et depuis 1964, aux États-Unis). L’une des plus intéressantes est celle des « îles entourées » de Floride. Dans le golfe de Gascogne, le Christ a « enveloppé » 11 petites îles d'un tissu étincelant Couleur rose avec superficie totale 6 millions de m² pi. Christo a dédié cette œuvre à Claude Monet.

Christo et Jean-Claude "Surrounded Islands" (Floride, 1983)

L'artiste américain Walter de Maria (né en 1935) a également beaucoup travaillé dans ce sens (land art). L'une de ses œuvres les plus intéressantes est « Le champ lumineux ». Sur une superficie de 1 mile sur 1 km, il a enfoncé dans le sol 400 tiges d'acier (16 rangées de 25 broches chacune, de 2 pouces de diamètre et d'une hauteur moyenne d'environ 7 m) afin que les extrémités supérieures des broches soient dans un plan horizontal parfait quels que soient les changements du terrain. Si vous regardez ce champ de loin à l'aube et au coucher du soleil, les bâtonnets sont presque invisibles, mais le rayonnement réfléchi par eux est clairement visible. Un effet spécial se produit sur le « Champ lumineux » lors d'un orage.

Walter De Maria "Champ lumineux" (Nouveau Mexique, 1977)

Un artiste travaillant dans cette direction se tourne environnement naturel dans un espace artistique actif. Souvent, les « land artistes » associent leur travail à l’idée de protéger la nature et environnement. Je pense qu'il est évident que cet objectif n'est pas le principal : tout objectif utilitaire, par définition, ne peut être le but de l'art, comme en témoignent tous les historique des performances. Cependant, ces projets eux-mêmes portent toute une série de significations, dont l’une peut être un appel à la préservation du monde en voie de disparition – peu importe – le monde naturel ou le monde culturel.

Une partie importante de ces projets artistiques est leur enregistrement. Et c’est là que surgissent de nombreux malentendus et malentendus. Beaucoup de gens pensent que les photographies représentant ces objets d’art sont des œuvres d’art. C'est l'une des erreurs les plus courantes. Oui, ces œuvres sont souvent quasiment inaccessibles à la perception (elles sont créées dans des lieux peu aménagés par l'homme - déserts, montagnes, etc.), ou sont localisées dans le temps, comme une action, un événement ou performance théatrale, - la documentation (photographie et vidéographie) devient donc une partie très importante de l'existence de ces œuvres. Mais vous ne devez en aucun cas mélanger du matériel photo et vidéo enregistrant ces œuvres avec eux-mêmes.
Je ne sais pas à quel point cet exemple est réussi, mais à mon avis, c'est comme qualifier l'enregistrement vidéo d'une performance d'œuvre d'art. Il est clair qu'une œuvre d'art, c'est la performance elle-même, son action, son acoustique, son lien direct avec le public, etc. Et l’enregistrement de cette performance peut d’ailleurs être d’une qualité dégoûtante. Mais néanmoins, même un enregistrement de mauvaise qualité nous donnera une idée de l'œuvre d'art (performance). C'est à peu près la même chose ici. Nous ne pouvons pas ressentir pleinement tous les sentiments, comme si nous étions des participants directs et inclus dans l'espace esthétique de l'œuvre. Mais on peut s'en faire une idée.

Et comme conséquence de cette erreur courante, il existe une perception typique du travail de l’artiste américain Spencer Tunick (né en 1967). On l'appelle souvent à tort « photographe » (et il a en fait commencé comme photographe régulier), bien qu'il soit certainement un artiste travaillant dans le domaine de l'esthétique environnementale.
Il est bien connu pour avoir créé performance nue. Sa technique principale est une multitude de corps nus placés dans un environnement précis – naturel ou culturel.

Il est curieux que la grande majorité des personnes participant à ses actions ne soient pas des nudistes. Ces personnes ont ensuite parlé du sentiment incroyable de liberté et de célébration qu'elles ont ressenti lors de ces actions.

Comme il est confortable et calme de s'asseoir dans la salle d'un théâtre académique...

Comme il est familier et facile de percevoir le tableau de Rubens « Vénus et Adonis », accroché dans un cadre doré dans la salle vide et austère du musée...

Comment osait-il?! ...L'art est provocateur. Si cela vous a fait réfléchir, ce n’est pas mal.
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Diverses manifestations d'artistes d'action provoquent de temps en temps une réponse du public, après quoi tout le monde les oublie jusqu'à la prochaine représentation de ce type. L’incident récent de Loubianka en est un exemple frappant. Cependant, ce spectacle et d'autres incompréhensibles pour la plupart des gens ordinaires ne sont pas les seuls spectacles présentés dans notre pays. Il existe d’autres militants en Russie, et cet article nous racontera leurs performances les plus mémorables.

Mouvement E.T.I., « E.T.I. - Texte"

1991, Place Rouge

Les pionniers de ce qu'on appelle communément l'actionnisme moscovite, créé par Anatoly Osmolovsky "Mouvement E.T.I.", ont déposé le mot commençant par la lettre X avec leur corps sur les pavés de la Place Rouge. Formellement, la représentation était programmée pour coïncider avec l'adoption. de la loi relative aux bonnes mœurs du 15 avril 1991, qui prévoit notamment l'interdiction des propos obscènes dans dans des lieux publics. C’est cette action que de nombreux critiques d’art considèrent comme le point de départ de l’actionnisme moscovite en raison de l’écho qu’elle a suscité dans l’opinion publique.

Oleg Kulik, « Chien fou »

1994, Iakimanka,
Galerie Marat Gelman

En novembre 1994, l'artiste de Kiev Oleg Kulik montrait pour la première fois à Moscou son célèbre homme-chien, l'un des symboles de l'art radical russe des années 90. Un Kulik nu, attaché à une chaîne, a sauté des portes de la galerie de Marat Guelman à Yakimanka, tandis que l’autre extrémité de la chaîne était tenue par Alexander Brenner, un autre militant éminent de Moscou. Kulik a ensuite montré ses performances de « chien » partout : à Zurich, Stockholm, Rotterdam et New York. Selon l'artiste, il s'est rendu compte que le « cycle du chien » s'était épuisé lorsqu'il a commencé à être invité à se produire sous cette image lors d'événements fermés contre de l'argent.

Alexander Brener, « Ce que David n’a pas fini »

1995, Place Loubianka

L'artiste Alexander Brener, qui a exploré dans les années 90 la relation entre l'homme et la législation, a traversé le flux de voitures le 11 mai 1995, s'est tenu au centre de la place Loubianka, là où se dressait autrefois le monument à Félix Dzerjinski, et a crié haut et fort : "Bonjour! Je suis votre nouveau directeur commercial ! Brener a réalisé la deuxième de ses actions les plus célèbres quelques mois plus tôt : il est sorti sur la Place Rouge avec des gants de boxe et a crié : « Eltsine ! Sortez, ignoble lâche ! En 1997, l’artiste quitte définitivement la Russie.

Anatoly Osmolovsky, Avdey Ter-Oganyan,
Konstantin Zvezdochetov et autres, « Barricade »

1998, rue Bolchaïa Nikitskaïa

A l'occasion du 30e anniversaire de la révolution étudiante française, un groupe d'actionnistes moscovites ont bloqué la rue Bolchaïa Nikitskaïa avec des cartons vides, scandant des slogans tels que « Il est interdit d'interdire ! », « Vous êtes trompés ! et "Tout pouvoir à l'imagination!" Il s'agit de la plus grande manifestation artistique organisée à Moscou : environ 300 personnes y ont participé. Les auteurs de "Barricade" - artistes et amis de la revue "Radek" - ont défini leur acte comme un test des technologies non conventionnelles de la lutte politique dans la Russie contemporaine.

Avdey Ter-Oganyan, « Jeune athée »

1998, "Manège"

La célèbre performance d'Avdey Ter-Oganyan à l'exposition « Art-Manege-98 » : coupant à la hache les icônes « Sauveur non fait à la main », « Vladimirskaya » mère de Dieu" et " Sauveur Tout-Puissant ". Selon Elena Romanova, conservatrice d'Art Manege, l'artiste a ainsi contrasté sa vision du monde christianisme orthodoxe. Le spectacle a été arrêté à la demande des spectateurs indignés et une affaire pénale a été ouverte contre Ter-Oganyan au titre de l’article « Incitation à la haine nationale, raciale ou religieuse », qui a été classée sans suite en 2010, vraisemblablement après l’expiration du délai de prescription. Ter-Oganyan a quitté la Russie en 1999.

Oleg Mavromatti, "N'en croyez pas vos yeux"

2000, quai Bersenevskaya

Le spectacle le plus célèbre de l'actionniste Oleg Mavromatti : dans la cour de l'Institut d'études culturelles du ministère de la Culture de la Fédération de Russie, il a été attaché à une croix en bois, clouée dessus, et les mots « Je ne suis pas le fils de Dieu » ont été gravés sur son dos avec un clou. Cette action était censée désacraliser la douleur et la souffrance physique. Une affaire pénale a également été ouverte contre Mavromatti pour incitation à la haine ethnique et religieuse ; dans les années 2000, il a dû quitter la Russie.

Groupe « Bombily », « Rassemblement automobile des dissidents »

AVRIL 2007, boulevard Pokrovsky

Le groupe « Bombily » a été créé par les étudiants et employés du studio d’Oleg Kulik, Anton « Madman » Nikolaev et Alexander « Superhero » Rossikhin. Le jour de la « Marche de la dissidence », le 14 avril 2007, un « sept » a parcouru les rues de Moscou, sur le toit duquel un homme et une femme ont fait l'amour. Ainsi, les artistes ont voulu dire que le contrôle sur la société s'apparente au contrôle sur vie sexuelle. Beaucoup considèrent que cette action marque le début d’une vague de nouvel actionnisme russe.

Groupe "Bombily", "Ligne Blanche"

MAI 2007, Krymsky Val

La même année, les « Bombes » ont organisé une autre action bien connue : en référence au « Viy » de Gogol, elles ont dessiné un cercle à la craie le long de la ligne du Garden Ring. Le cercle s'est refermé sur la vallée de Crimée et les artistes eux-mêmes ont déclaré qu'ils voulaient purifier Moscou des mauvais esprits qui remplissaient le centre.

Groupe "Guerre"
« ***** pour l'héritier de l'ourson »

MARS 2008,
Musée biologique nommé d'après Timiryazev

Une action qui a longtemps défini l'image du principal groupe actionniste de la fin des années 2000, chez des gens très éloignés de l'art contemporain : sexe simultané de plusieurs couples dans un musée biologique la veille. élections présidentielles 2008. Selon les militants, au moment où Vladimir Poutine a annoncé que son successeur, Dmitri Medvedev, était alors inconnu de tous, "le pays était vraiment foutu", et ils ont traduit cela dans le langage de l'art moderne.

Groupe "Guerre"
« Lenya ***** protège le gouvernement fédéral »

2010, quai du Kremlin

Le 22 mai 2010, le militant de Voina Leonid Nikolaev, mieux connu sous le nom de Lenya *** (Crazy), a sauté sur une voiture officielle de l'OFS avec un gyrophare près du Bolchoï. pont de pierre. Pour cette action, Nikolaev a été inculpé en vertu de l'article « Hooliganisme », qui prévoit une peine maximale d'arrestation pouvant aller jusqu'à 15 jours.

Groupe « Guerre », « Déchets de Lobzay »

2011, Kitaï-Gorod et autres stations de métro

Les militants du groupe Voina ont célébré l'entrée en vigueur de la loi « sur la police » le 1er mars 2011 par une action dans le métro de Moscou : Nadezhda Tolokonnikova et Ekaterina Samutsevich ont embrassé des policiers. Tolokonnikova a noté plus tard que les femmes étaient plus choquées non pas par le fait qu'elles étaient embrassées, mais par le fait que des représentants du même sexe le faisaient.

Pussy Riot, « Mère de Dieu, chasse Poutine »

2012, Cathédrale du Christ Sauveur

Il semble que même dans les coins les plus reculés de la Russie, on ait entendu parler de la « prière punk » du groupe punk féministe Pussy Riot dans la cathédrale du Christ-Sauveur, et il n'est pas nécessaire d'en parler. Après la représentation, deux de ses interprètes - Nadejda Tolokonnikova et Maria Alyokhina - ont été condamnées à deux ans de prison en vertu de l'article « Hooliganisme » et libérées en décembre 2013 grâce à une amnistie, deux mois avant la fin officielle de leur peine de prison. Nadejda Tolokonnikova a par la suite reconnu à plusieurs reprises l'action du KhHS comme un échec.

Piotr Pavlenski, « Fixation »

2013, Place Rouge

La première action moscovite et en même temps la plus célèbre de l'actionniste pétersbourgeois Piotr Pavlenski : l'artiste nu a cloué son scrotum sur les pavés de pierre de la Place Rouge. Pavlensky lui-même expliqua plus tard que cette action était devenue une métaphore de l'apathie et de l'indifférence politique. société russe. De nombreux militants des années 90 ont salué l’action de Pavlensky, mais le ministre de la Culture Vladimir Medinsky a recommandé à tous les fans de l’œuvre de Pavlensky de visiter le Musée d’histoire de la médecine et de la psychiatrie.

Piotr Pavlenski. "Bifurquer"

2014, Institut Serbski

Simultanément à l’examen psychologique et psychiatrique de la pilote ukrainienne Nadezhda Savchenko, qui n’a pas été autorisée à voir le consul et l’avocat ukrainiens, Pavlensky a mené l’action de « séparation » suivante : couteau de cuisine lui a coupé le lobe de l'oreille alors qu'il était assis sur le toit du bâtiment de l'Institut serbe de psychiatrie. Le but de l’action, selon l’avocat de l’artiste, était de condamner les étiquettes psychiatriques attachées aux personnes qui ne rentrent pas dans le cadre de l’opinion publique.

« Le Cavalier Bleu », « Les Exorcistes. Profanation du mausolée"

Janvier 2015, Place Rouge

Le 20 janvier 2015, les membres du groupe Blue Rider, Oleg Basov et Evgeny Avilov, ont aspergé le mausolée de Lénine d'eau bénite en criant « Lève-toi et pars ». Après l'action, les militants, qui ont vu le sens de leur action dans le nettoyage des esprits modernes de l'héritage soviétique, ont été arrêtés pendant dix jours.

Katrin Nenasheva, « N'ayez pas peur »

Juin 2015, Place Rouge

Une action de 30 jours de la performeuse Katrin Nenasheva en soutien aux femmes emprisonnées, qui s'est également terminée sur la Place Rouge. Nenasheva a parcouru Moscou pendant un mois seulement, vêtue d'un uniforme de prison, et le dernier jour, sa collègue Anna Beauclair a rasé la tête chauve de Catherine à deux pas du Kremlin. Avant de pouvoir terminer le spectacle, les filles ont été détenues et placées en état d'arrestation pendant trois jours.

Piotr Pavlenski, « La menace »

Novembre 2015, Place Loubianka

«La menace de représailles imminentes pèse sur tous ceux qui se trouvent à portée des dispositifs de surveillance externes, des écoutes téléphoniques et du contrôle des passeports aux frontières. Les tribunaux militaires éliminent toute manifestation de libre arbitre. Mais le terrorisme ne peut exister que grâce à l’instinct animal de peur. Un réflexe de protection inconditionné oblige une personne à aller à l'encontre de cet instinct. C'est un réflexe pour lequel il faut se battre propre vie. Et la vie vaut la peine de commencer à se battre», a commenté Piotr Pavlenski à propos de l'incendie criminel des portes du bâtiment principal du FSB. Devant le tribunal Tagansky de Moscou, où le verdict dans l'affaire de l'artiste a été prononcé le 10 novembre, Pavlensky a exigé qu'il soit jugé pour terrorisme - comme les « terroristes de Crimée », le réalisateur Oleg Sentsov et l'anarchiste Alexandre Kolchenko. Cependant, le tribunal a refusé de requalifier l'affaire et a condamné Pavlensky à un mois de détention provisoire.

La question apparemment simple « qu’est-ce que l’art » suscite aujourd’hui de nombreuses discussions. Avec l’art traditionnel, disons que tout est clair. Par exemple, en peinture, il s'agit de paysages « classiques », de natures mortes, de portraits, de peintures sur des sujets mythologiques et historiques, etc. - tout est reconnaissable et familier. Mais l’art contemporain, qu’est-ce que c’est ? Et de quelles performances une rare exposition d’art contemporain peut-elle aujourd’hui se passer ?

Caractéristiques de l'art moderne

L'art contemporain, ou, comme on l'appelle aussi, l'art contemporain, a des frontières si floues que même les professionnels les plus expérimentés ne peuvent les définir. On peut dire que c'est une expérience complète. Il existe une recherche sans fin de nouvelles idées, images, techniques et moyens d'expression. L'art se transforme constamment et recherche la nouveauté, au point de perdre la matérialité de l'objet de créativité.

Très souvent, la base de l'art moderne est un concept, une idée en tant que forme de connaissance de la réalité - c'est pourquoi l'art est aujourd'hui plus proche que jamais de la philosophie. Un concept est un phénomène purement intellectuel, la compréhension devient donc plus importante que l'expérience émotionnelle du spectateur.

Dans ce cas, l'art a le droit de ne pas prendre de formes conventionnelles, et tout peut le devenir : une phrase aléatoire, une photographie, un dessin ou un processus, un événement, un phénomène.

Comme vous le savez, le monde change et l’art avec lui. Mais pourquoi si radicalement ? Paul Valéry, poète et critique d'art français, expliquait au début du siècle dernier la transformation de l'art moderne par le fait qu'il avait perdu son fondement, son sens sacré originel. En outre, Paul Valéry pensait que la situation était aggravée par le fait que sur la scène artistique, la technologie gagnait une voix - des machines, subjuguant parfois la volonté de l'homme, et le public lui-même, jusqu'à récemment complètement passif par rapport au processus artistique.

Performance au festival SKIF-2017 à Saint-Pétersbourg.
Photo : Yana Barabanova

C’est peut-être là qu’il faut chercher les raisons de l’émergence de la variété infinie des formes d’art que nous avons aujourd’hui.

En plus de l'art conceptuel, que nous avons déjà mentionné ci-dessus, dans les années 70 du siècle dernier, le minimalisme était populaire avec son amour de la simplicité, de la monotonie et de la répétition, puis dans les années 80 et 90, il y a eu un nouvel intérêt pour la couleur, visualisation et figurativité.

Plus tard encore, des mouvements fondés à la fois sur des images de société de consommation et la culture populaire, et sur les innovations techniques. Les formes visuelles de l'art contemporain restent populaires, parmi lesquelles se distinguent les performances sensationnelles, diverses de ce qu'on appelle. art actionniste (du mot action, c'est-à-dire action).

Art de la performance

Ce qu’est la performance est aussi difficile à définir que de définir les limites de l’art contemporain. Cela peut être complètement différent. La seule constante est peut-être l’accent mis non pas sur un objet artistique statique, mais sur l’action, c’est-à-dire sur le processus même de création d’une œuvre. Pour ce faire, quatre composantes doivent être présentes (le temps, l'espace, l'artiste lui-même et le spectateur), grâce auxquelles l'œuvre gagne soudain en dynamique et prend vie.

La performance peut être facilement comparée au théâtre, langue parlante arts visuels. Ils opèrent tous deux avec la plasticité et l’expressivité du corps, mais il existe une différence significative entre eux. Contrairement au théâtre, la représentation existe dans un lieu et un temps réels et non conventionnels.

Les premières représentations apparaissent au milieu des années 1950, lorsque D. Pollock, puis J. Mathieu, transforment le processus de création, traditionnellement caché aux regards indiscrets, en une action publique. Mais leurs véritables origines doivent être recherchées encore plus tôt, au début du XXe siècle. - dans les provocations de rue des futuristes qui peignent leurs visages comme des toiles, dans les pitreries des dadaïstes qui nient le rationalisme et la logique, dans les productions du Bauhaus de formes géométriques. À cette époque, la peinture commençait déjà à surgir de la toile et de telles idées l’aidaient à dépasser l’espace du tableau. Dans les années 1960, des représentations sont mises en scène par Yves Klein, Chris Bourdain, Yoko Ono, Vito Acconci, Joseph Beuys.

Aujourd'hui, les figures de l'art performatif incluent Marina Abramovic, Vahram Zaryan et Steven Cohen. Et en Russie, ce sont Oleg Kulik, Elizaveta Morozova, Andrey Kuzkin, Elena Kovylina, Stas Baretsky, etc. Oui, oui, la performance en tant que forme d'art contemporain n'est pas dépassée au fil de toutes ces années et reste toujours très populaire. Jugez par vous-même : en 2014, Art Basel, la foire d'art contemporain la plus célèbre, a fait découvrir au public le travail de pas moins de 14 artistes performeurs.

Aujourd'hui, la performance est devenue une composante familière et parfois nécessaire de l'espace d'exposition, qui l'organise (à la fois en espace ouvert et fermé en intérieur), et établit également une communication entre l'artiste et le spectateur, ce qui est particulièrement pertinent à notre époque.

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La performance est une sorte d'action, une performance dans laquelle les participants tentent de transmettre une certaine pensée ou idée au public.
Le mot « performance » vient du verbe français « perfounir » et se traduit littéralement par « fournir pleinement » et Verbe anglais"effectuer" - "effectuer".
Le concept de « performance » a été introduit pour la première fois dans les années 50 du siècle dernier par le compositeur américain J. Cage ; sa performance (le mot apparaissait sur l'affiche) s'appelait « 3,33 minutes de silence ». Cependant, ce n’est qu’une vingtaine d’années plus tard que le concept de « performance » est devenu à la mode.

Définitions de la performance

Il y a beaucoup d'entre eux

• Forme d'art moderne dans laquelle l'œuvre est composée des actions d'un artiste ou d'un groupe dans un lieu et une époque spécifiques.
• Une représentation quasi théâtrale, mise en scène et interprétée par un artiste professionnel, seul ou avec une poignée d'initiés - figurants engagés, collègues associés, généralement sans accompagnement verbal, ou insignifiant par rapport à la partie visuelle.
• L'art des actions réalisées par les artistes devant des spectateurs. Ils diffèrent de tous les types d’art visuel en ce que l’essentiel n’est pas le résultat du travail de l’artiste (peinture, sculpture, composition matérielle), mais le processus de ce travail, c’est-à-dire une certaine action.
• Une forme d'art moderne, une courte performance réalisée par un ou plusieurs participants devant un public, planifiée à l'avance et se déroulant selon un certain programme. Le sens de la performance n'est pas en soi, mais dans l'espace des expériences profondément individuelles, esthétiques et événementielles des témoins oculaires et des participants.
• Un des types d'art moderne. Une performance axée sur la perception audiovisuelle, synthèse de diverses directions : théâtre, musique, effets spéciaux.
• Un type d'art contemporain où l'œuvre est l'action de l'artiste lui-même ou d'un groupe d'artistes. Si dans d’autres formes d’art l’objet est une peinture, une sculpture ou un objet en mouvement, alors dans la performance, l’auteur lui-même est l’œuvre.

Performance - « chacun décide pour lui-même »

En général, la performance est un concept si flexible qu'on peut l'appeler n'importe quelle action publique, surtout si elle est incompréhensible pour les esprits moyens (l'artiste américain D. Pollack a étalé une toile et s'est tenu dessus, éclaboussant de peinture autour de lui sur la surface de La toile.
Les artistes du groupe « Actions collectives » dans la forêt près de la rivière ont cousu une coquille « boule » d'un diamètre de 4 mètres en chintz panaché, l'ont bourrée de 500 ballons gonflés, ont mis une cloche électrique allumée avec une batterie dans le « balle", l'a attaché et l'a laissé flotter sur la rivière, s'est levé et a admiré à quel point la "balle" flotte magnifiquement. L'artiste Oleg Kulik s'est déguisé en homme-chien et s'est précipité sur les passants avec un grognement. Les participants du studio InZhest ont représenté de « vraies fleurs » sur l'asphalte)

Interprétations de Marina Abramovic

L'artiste serbe Marina Abramovic, qui vit à New York, est considérée comme l'une des inventrices les plus créatives dans le domaine de la performance.
- Puis elleà la galerie Studio Mona de Milan, elle invite les spectateurs à faire quelque chose avec son corps à partir d'objets disposés sur une table. La représentation a été interrompue au moment où Abramovich, déjà à moitié nue (les spectateurs-participants ont coupé ses vêtements en morceaux), quelqu'un lui a mis le canon d'un pistolet dans la bouche.
- Puis je me suis connecté votre bouche avec celle de votre collègue à l’aide d’une unité spéciale. Les anormaux se respirèrent mutuellement jusqu'à ce que l'oxygène s'épuise et tous deux tombèrent au sol, inconscients, les poumons remplis de dioxyde de carbone.
- Puis je l'ai lavé une montagne d'ossements sanglants à la mémoire des victimes de la guerre en Yougoslavie.
- Puis elle a échangé regard avec tout visiteur de l'exposition, qui a été enregistré par la caméra. Elle a donc regardé 1 500 personnes dans les yeux pendant près de 720 heures.
- Presque deux semaines vivait dans une sorte d'appartement (trois plates-formes ouvertes) suspendu au mur de la galerie. Pendant le spectacle, l'héroïne n'a rien parlé ni mangé, laissant tout le temps de la journée à la vue de tous. Elle ne pouvait pas descendre : les escaliers étaient en forme de couteaux, tranchants et déjà ensanglantés.