家 / 沸騰する/ ロシア音楽芸術の伝統。音楽の授業のテーマは「ロシア人の音楽的伝統」。 19世紀のロシアの作曲学校

ロシア音楽芸術の伝統。音楽の授業のテーマは「ロシア人の音楽的伝統」。 19世紀のロシアの作曲学校

アリストテレスはまた、音楽の助けを借りて、人は人間の形成に一定の影響を与えることができ、音楽は魂の倫理的側面に一定の影響を与えることができると主張しました。古代の偉大な治療家アビセンナは、メロディーを食事、匂い、笑いと同様に「非薬用」の治療法と呼びました。
紀元前 3 世紀、パルティア王国に特別な音楽と医療のセンターが建設されました。ここでは、音楽は憂鬱や精神的苦痛を治療するために使用されました。

エジプト人には家庭でも軍事でも神聖な音楽がありました。宗教音楽のコンサートにはリラ、ハープ、フルートが使用され、祭りにはギター、パイプ、カスタネットが使用されました。兵役中、軍隊はトランペット、タンバリン、ドラムを使用しました。
ピタゴラスはエジプトで音楽を学び、イタリアで音楽を科学の主題にしました。神聖な音楽理論を熟知したピタゴラスは、球体の調和の科学を確立し、音楽を正確な科学として確立しました。ピタゴラス派は怒りや怒りに対して特別なメロディーを使用したことが知られています。彼らは音楽が知性に有益な効果をもたらすことに気づいたので、音楽を使った数学の授業を実施しました。

青少年および青少年の音楽教育に関連する今日の問題の中で、教師たちは、明るく楽しい音楽と、この音楽が若い世代の生活の中で占める位置の問題に懸念を抱いています。この問題は何ですか?解決するにはどのような方法がありますか?

ティーンエイジャーや若者が明るく楽しい音楽、特にダンスミュージックに興味を持つこと自体は非常に自然な現象であるため、それを問題にすることは若者そのものを問題にするのと同じことです。楽しむことができず、踊るのが嫌いで、いたずらなジョークの魅力も叙情的な悲しみの魅力も理解できない少女や少年を想像することは困難です。

社会学研究の結果を分析したところ、若者の音楽文化への導入は自発的かつ制御不能に行われていることが分かりました。音楽への渇望を感じた若者は、西洋のロック音楽のファッショナブルなスタイルを模倣することがよくありますが、多くの場合、その作品の意味を理解していません。社会的混乱は、文化的価値観、規範、社会的つながりが欠如した社会状態で発生します。

現代のポップミュージックのサウンドに合わせて、牛は横たわって食事を拒否し、植物はより早く枯れ、人々は混沌とした振動で生活空間を散らかします。西洋の医師たちは、「音楽中毒」という新しい診断名を用語集に導入しました。スイスの科学者は、ロックコンサートの後、それに参加したリスナーは自然の刺激に対して通常よりも3〜5倍悪く反応することを証明した。 B. ラウシュ教授は、ロック音楽を聴くといわゆるストレスホルモンが放出され、脳に保存されている情報のかなりの部分が消去されると主張しています。科学者R.ラーセン率いるアメリカの医師らは、ベースギターの反復的なリズムと低周波振動が脳脊髄液の状態に大きく影響し、その結果、ホルモンの分泌を調節する腺の機能に大きな影響を与えると主張している。血液中のインスリン濃度が大きく変化します。

T.E. チュチュンニコワ氏は、現代世界には多種多様な音楽があり、それぞれに独自の場所と目的があり、独自の聴き手と演奏者、独自の教師、独自の教育法があると述べています。そこには高度な音楽があり、その芸術的価値は普遍的であり、その作品は人々の世界の上にそびえ立つ山頂のように雄大です。原始的なものはありますが、気づく前に消えてしまいます。非常にスピリチュアルでありながら、同時に非常にシンプルな音楽があります。これは最も古く、主要な音楽要素であり、本質的には要素です。

私たちの社会生活における現在の状況は、20 世紀後半の特徴的な状況とは大きく異なります。文化の根幹が揺らぎました。人々、特に若者の間では、成長するにつれて安定したイデオロギーの「伴奏」がないと、精神的な指針を失ってしまう人々の心の中で、ある種の価値観の再評価が起こっています。

学校の音楽活動の最も重要な方向性は、10 代の生徒に高級音楽との独立した知識と音楽の独学を準備させることです。音楽教育を行う教師兼音楽家、課外音楽グループのリーダーは、生徒が音楽に出会う環境を変えるのを手助けし、その状況をより「人間的」で人間味のあるものにし、それなしでは音楽教育は成り立ちません。音楽に親しみ、効果的で「実践的な」ヒューマニズムの経験を獲得する青少年の精神文化における有益な内部変化の形成。

中学 2 年生の生徒たちとの仕事では、次の仮定に基づいて作業を進めます。教育中に青少年を音楽的に成長させ、音楽的自己教育と自己教育を彼らに導入するには、次の主な課題を解決する必要があります。

音楽芸術と人間の生活や社会とのつながり、また、青少年に仲間や大人の音楽生活に自主的に参加する準備を育むために、利用可能なすべての芸術的および教育的手段とのつながりについての前向きな考えを明らかにすること。
十代の若者たちに、審美的に必要で、繊細で、自己教育活動に関連した音楽の知識とスキルを身につけさせる。
精神文化の発展や人々の間の人道的な関係の設計における音楽芸術の位置、重要性、可能性についての価値判断を形成する。
芸術性の高い音楽サンプルに対する青少年の感情的な肯定的な反応を呼び起こし、音楽作品の美的分析に対する欲求を育み、思慮深く、感情的で、豊かで反復的で多用途な教育を行う。
彼らの音楽的自己教育への欲求を目覚めさせます。

中学2年生のテーマでは、現代美術における伝統と革新という考え方に赤い糸が通っています。伝統と革新の融合を示す説得力のある例は、A. リブニコフのオペラ「ジュノとアヴォス」です。作曲家自身がそう呼んだ「モダン・オペラ」は、クラシック音楽の深い伝統に基づいており、現代音楽言語の新しい成果をすべて使用しています。

伝統の中には、簡単なあらすじとしてのオペラ公演の序曲の役割の解釈、古典的なジャンルの使用（アリア、レチタティーヴォ、合唱）、オペラの音楽シーン（祈りのシーン、舞踏会のシーン）への分割などが含まれます。）、ライトテーマシステム（運命、愛、聖母のライトテーマ）、ポリフォニック開発方法 - 最終。

イノベーションは、クラシックオペラ、ミュージカル、ロックミュージックの特徴を組み合わせたロックオペラというオペラジャンルの解釈にあります。

ロックオペラのミュージカルと何が違うのですか？ .

1. 文学の一次情報源（A. Voznesensky）に訴え、プロットを凡庸から救います。
2.「永遠のテーマ」と時事問題を織り交ぜる。
3. ロマンチックなもの (レザノフ伯爵とコンチッタの愛) と悲劇的なもの (ロック、運命) が織り成す。
4. 現代音楽と古典音楽（ロシアの宗教音楽）の組み合わせ。
5. 音楽はアクティブな性格です。
6. 音楽ジャンルを歌、バラードに単純化（「白バラのバラード」）。
7. 合唱団 - 環境の特徴として、キャラクターとして - 「踊る合唱団」 - その結果、合唱部分が大幅に軽くなります。
8. まるで「ところで」のように、日常の演奏に近い歌い方（リズムの不正確さ、メロディーの不正確さ - 「メロディーを歌っていない」、喘鳴、叫び声）。
9. エンターテイメント性、絵の美しさ、演出の効果。

ロック音楽はオペラに何をもたらしますか?

1. リズムの圧倒的な重要性。
2. 究極のサウンド飽和。
3. 表現の鋭さ、むき出しの表現。これは「反音楽的」な歌い方につながります。
4. オーケストラの構成は電子楽器、シンセサイザーです。

それでは、オペラの比喩的な構造を分析してみましょう。

アレクセイ・リブニコフのロックオペラ「ジュノーとアヴォス」には、2つの運命、つまり2つのイメージがあります。ニコライ・ペトロヴィッチ・レザノフ伯爵の運命は、祖国への義務と奉仕への忠誠を体現するイメージです。サンフランシスコ知事の娘コンチータの運命は、忠実な恋人の明るいイメージです。彼らのテーマは、伝統的にコンチータとレザノフの運命を予言した「短い要約」と呼ばれる簡潔な序曲で独特に表現されています。イメージは音を表すイントネーションで織り込まれています。船の鐘の音は、ロシア祖国の栄光のために亡くなったレザノフ伯爵の死を告げる弔鐘の鳴り響きを象徴しています。うめき声、遠吠え、泣き声 - 永遠の涙とコンチータへの期待。

主人公の運命のイメージの発展は、「海軍将校のロマンス」（A.ボズネセンスキーの詩「サガ」）で続きます。ロマンスのリフレインは 2 つのフレーズです。「私はあなたを決して忘れません、私は決してあなたに会いません。」ロマンスにおけるこれらのフレーズの変更に注意を払う価値があります。

あなたは決して私を忘れないでしょう
ユール・ネバー・シー・ミー (コンチッタ)

あなたのことを絶対に忘れません

戻ってくるのは悪い予兆だ。
あなたには決して会えません（レザノフ）

あなたのことを絶対に忘れません
会えないよ (コンチッタ)

詩3と4は意味上のクライマックスです-死は伯爵が彼の最愛の人に会うことを妨げます、彼女は35年間伯爵を待ち、その後沈黙の誓いを立てて修道院に行きます。別れのシーンでは、リフレインが分割されているため、このアイデアは明確に聞こえます。

伯爵: 二度と会わないよ。

コンチッタ：あなたのことは決して忘れません。

しかし、N.P.レザノフの運命には、「カザンの神の母の外観」によって彼に植え付けられた1つの神秘的な予感があります。祈りの場面にこんな言葉があります。

ひどいせん妄が私を世界中に駆り立てます。
私は思春期の頃から心を病んでおり、
あなたの目が私に落ちたとき
カザンの神の母！
私は彼女の中に全能の処女を見出しませんでした。
そして桜色の目をした女性。
彼女を守りたかった、救いたかった！

このオペラの重要なテーマは人間と祖国、つまり義務への忠誠心、祖国への誠実な奉仕です。この話題は珍しく時事的かつ現代的だ。ロディナは何人の忠実な息子を「追放者」「放蕩息子」とみなしているのか、そのうち何人が「失われた計画」のままなのか！ A. ソルジェニーツィン、A. サハロフ、A. ガリッチ、V. ヴィソツキー、A. タルコフスキー、アフガニスタン人たち...

A. リブニコフによるロックオペラ「ジュノとアヴォス」の内容を簡単に分析すると、作品の主要なテーマを知ることができる断片の選択が示唆されます。

運命のテーマ：序曲、海軍将校のロマンス、別れの場面。

愛のテーマ：舞踏会シーン（出会い）、「待つ」、エピローグ「ハレルヤ」。

オペラの多用途性は、他の芸術作品との関連性を呼び起こします。

音楽：S.ラフマニノフ「徹夜徹夜」。 P.チャイコフスキー幻想序曲「ロミオとジュリエット」、E.グリーグ「ソルヴェイグの歌」。 J.S.バッハ - マルチェロ「クラヴィーア協奏曲」ニ短調、第2楽章。

文学：R. Burnsによる愛の詩。 V.ヴィソツキー「愛のバラード」。

美術：ロシアのイコン画（聖母と子、「カザン神の母」）、K.ワシリエフ「待つ」。

学生は、リブニコフのロックオペラ「ジュノーとアヴォス」に対する理解と態度を、自分の興味や所属に応じて選択したエッセイや絵などの宿題で表現することができます。宿題は、あなたの人生における立場、感情の深さ、考えの真剣さを判断するための一種のテストになる可能性があります。 VA スコムリンスキーは次のように述べています。「音楽は強力な思考の源です。音楽教育がなければ、子どもの精神的な完全な発達は不可能です。」

私のすべての考えと努力は、音楽が最も重要な精神的欲求となり、現代の若者が創造者、思想家、新しい人生の積極的な創造者となるように、創造的思考の音楽愛好家を育てることを目的としています。

文学：

1. アモナシュビリ Sh.A. 人道的な教育学についての考察。 M.、1996年。
2. アモナシュビリ Sh.A. 人道的な教育学のアンソロジー。カバレフスキー。 M.、2005年。
3. Bezborodova L.A.、Aliev Yu.B. 教育機関での音楽教育方法。 M.、「アカデミー」、2002年。
4.カバレフスキーD.B. 心と心の教育。 M.、「啓蒙」、1981年。
5. スコムリンスキー V.A. 私は子供たちに心を捧げます。ミンスク、「ナロドナ・オスヴェタ」、1981年。
6. チュチュニコワ T.E. 音楽は科学的な学問ではありません。 //小学校。 No. 1、2000、79 ページ。

歴史的発展の特徴

17 世紀は、ロシア国家の歴史の発展において最も重要な段階の 1 つとして際立っています。 17世紀にロシアの社会生活と文化には大きな変化と変革が起きている。これらの変化は、中世ルーシの発展の終わりと西ヨーロッパ文化に関連した新しい時代の始まりによって引き起こされ、2つの異なる思考体系の衝突とその後の紛争につながりました。変化は、文化や芸術を含む 17 世紀のロシアの生活のあらゆる側面に影響を与えました。 17世紀のロシア文化の発展の道。西ヨーロッパと交差しました。 17世紀後半まで中世を通して孤立して発展したロシア美術では、西ヨーロッパ美術の新しい形態が現れた。ロシアの生活様式は徐々に変わりつつある。

17世紀の歴史的発展の過程。社会的対立が特徴。 17世紀半ば。ロシア国家は強化され拡大しているが、同時に農民の奴隷化が徐々に進行しており、その結果として農奴制が確立され、長年にわたってロシアの農民に大きな負担を課してきた。これが不満、暴動、農民戦争を引き起こした。

17 世紀ロシアの歴史の最も劇的なページの一つとなった。その始まりには、外交政策上の不利な出来事が伴いました 1 - 「苦難の時代」 - 国を破滅に導いた継続的な戦争を伴う、長年にわたる困難な時代。飢餓と不作、国内矛盾、都市下層階級の反乱、イワン・ボロトニコフ率いる農民戦争（1606年）、ポーランドの介入に対する戦いが今世紀初頭の状況を特徴づけている。

17 世紀後半には、ロシア教会の分裂と古儀式派の運動、ステパン・ラージン率いる農民戦争、ストレルツィ暴動など、同様に劇的な出来事が関係しています。

ピョートル 1 世の改革は、ロシアの通常の生活様式に大きな変化をもたらしました。戦争の成功はロシア国家を強化し、ロシア国民の民族意識の高まりに貢献し、17世紀半ばを導いた。ロシアの力を強化するため。現時点では、ロシアにはウクライナ、ヴォルガ地域、シベリアの重要な部分、極東が含まれていた。 17 世紀のさまざまな出来事。それは民俗芸術や歴史的な歌、つまり農民の指導者ステパン・ラージンを追悼して作曲された自由民の歌、多くの歌はエルマック、グリシュカ・オトレピエフ、殺害されたツァレヴィチ・ディミトリ、ピョートル１世についてのものでした。

ロシア17世紀長期にわたる戦争、荒廃、深刻な政府変革を経験しました。現時点では、同様の状況があらゆる場所で発生しています。 17世紀に反宗教改革との闘いが進行中であり、多くのヨーロッパ諸国では民族解放を求める闘争における大衆運動が成長しつつある。それはウクライナで特別な範囲を獲得し、1654年のウクライナとロシアの再統一で終わりました。

17世紀の音楽生活

この時代の音楽人生は多面的で矛盾しています。その中では、新しい現象と古い現象が絡み合い、中世の教条的な考えと新しいヨーロッパの考えが葛藤します。そこで1648年、皇帝アレクセイ・ミハイロヴィチは、道化の追放と楽器の破壊さえも禁止する法令を発布した。「運命の器を焼き払え！」（そのような指示は、中世の深層部でも王子たちからは与えられませんでした。）しかしすぐに、同じアレクセイ・ミハイロヴィチの命令により、モスクワに最初の宮廷劇場が開設され、それは4年間（1672年から1676年）存在しました。

楽器は西側からロシアにもたらされます。宮廷だけでなく、大貴族たちも「ドイツ風」の音楽を演奏し始め、啓発された西洋人はオルガン、クラヴィコード、フルート、チェロを持ち始めました。 17世紀にモスクワ大公国では、詩篇や聖歌など、カルトではない形式の家庭音楽演奏が発展し始めました。

17世紀初頭から。ロシアの歌手の創造性は強化され、多くのオリジナルの聖歌や地元の伝統の聖歌が登場し、北部の曲（ソロヴェツキー、チフビン、ノヴゴロド、ウソルスキー）と南部の曲（キエフ、ブルガリア語、ギリシャ語）が広まっています。 17世紀にはさらに発展。最初に Ivan Shaidur によって、次に Alexander Mezents によって行われた改革につながった znamenny 記法の理論を発見します。両者とも記号のピッチレベルを明確にすることに取り組みました。シャイドゥルは辰砂記号を導入し、メゼネツは私たちの時代にズナメニー記法の解読を可能にする記号を導入しました。

17世紀の音楽の歴史。 2つの半分に分かれています。前者は依然として中世の伝統と関連付けられていますが、この時点では、時代の新しい精神に対応する要素がすでに導入されています。 17世紀後半から。（1652年にウクライナ人歌手がモスクワに到着したことにより）ロシア音楽の発展における新たな段階が始まり、五線記法（キエフ）と和声ヨーロッパ型のポリフォニーの出現が特徴となった。

17世紀後半。ロシアの音楽家は、理論と実践、作曲技法、新しい音楽ジャンルなど、西ヨーロッパの音楽文化に精通しています。芸術の新たな美学が、激しい議論の中で形成されつつあります。新旧の芸術の信奉者による論争的な論文が生まれます。

新しいスタイルの形成は教会音楽の枠組みの中で行われました。彼の発言はニコン総主教の改革に直接関係していることが判明した。古い儀式の支持者にとって、新しい西洋風の芸術は異質な異国の文化であり、元の古代ロシアの規範に反するものでした。

17 世紀は転換点です。あらゆる転換点と同様に、この時期も紛争が絶えません。 17世紀の新しい芸術の美学。古いものとは対照的です。この対立は芸術、さらには言語でも表現されています。神学的、言語的、言語学的問題、つまりニコン総主教の下で作成された神聖な本の新しい翻訳をめぐる論争は、古い儀式（古儀式派、古儀式派）の支持者と新しい儀式の支持者との間の対立の中心にありました。彼らは古い芸術と新しい芸術の衝突によって引き起こされる紛争を伴いました。古い理想を肯定した古い儀式の擁護者たちは、パルテスの音楽の中に、イデオロギー上の敵であるカトリック主義、カトリックの影響力の拡大を見た。新しい芸術の支持者は、新しい美的基準を肯定します。西洋芸術は、17 世紀後半のロシアの音楽家にとっての基準点にもなりました。西洋はさまざまな方法で認識され始めています：新しい芸術の擁護者（N.ディレツキー、I.コレネフ、S.ポロツキー、I.ウラジミロフ）にとって、西洋文化は標準になります。彼らは西洋の最良の例を使用し、繰り返し、コピーしようと努めています。古い文化の支持者、つまり「古代の敬虔さの熱狂者」にとって、西洋のものはすべて異質であり、否定と拒絶の対象となります（大司祭アヴヴァクム、アレクサンダー・メゼネツなど）。

バロック様式の原則は、西洋の音楽家や理論家の美学と信念体系の中で発展しました。ディレツキーとコレネフは、反対者を無知であると断罪し、ズナメニーの歌唱とその理論と表記法を拒否し、新しい価値のガイドラインを肯定する。中世と比較して根本的に新しいのは、器楽と声楽の両方に関して等しく使用される音楽（ミューシア）の概念でした。ディレツキーとコレネフは、音楽家、特に作曲家の訓練にオルガンを使用する必要性を認識しています。

これらの文化の対立と公然とした衝突は、和解できない紛争を引き起こし、すぐにそれが続きました。この時代の対立は古儀式派に反映され、17世紀後半のロシア文化全体を揺るがした。そこで生じた断絶は、音楽だけでなく、文学、美術、典礼、そして生き方にも現れました。

新しい音楽は新しい宗教意識の象徴でしたが、その闘争はイデオロギーや神学論争の領域だけでなく、芸術的創造性や音楽論争において実質的に表現されました。パルテスの音楽は西洋のカトリック文化と結びついていました。「モスクワでは、彼らは神聖な歌ではなくラテン語で歌を歌い、法律や規則もラテン語です。彼らは手を振ったり、頭をうなずいたり、足で踏みつけたりします。これは、オルガンを学ぶラテン語の学生の間でよくあることです。」 3 - これアヴヴァクム大司祭は、17世紀にモスクワの教会で広まった西洋風のラテン語による新しい歌を非難している。「聞くものは何もない。道化ダンサーたちがラテン語で歌っているだけだ」と彼は不満を漏らす 4 。

古い時代の文化を保存し保存したいという願望は、一般に保守的で保護的な傾向を固守した17世紀の多くの人物の特徴でした。 D.S.リハチェフは、この種の「修復」活動に新たな時代の兆しを見ている。この種の「修復」現象には、ABC における znamenny 記法記号の新しい体系化も含まれます。例えば、メゼネツ長老による「一致マークの通知」では、マークだけでなく、フックの読み方を簡略化する標識も紹介されています。「スピーチのために」本やテキストを修正したり、ポリフォニーと闘ったりすることも、同じ種類の現象に属します。

17世紀のロシア美術の発展の特徴。そしてそれはまさに文化の対話的発展にあります。古いものは死ぬことなく、新しいものと共存します。芸術的および歴史的プロセスの安定化に伴い、それはさらに 2 つの道に沿って発展し続けています。1 つはヨーロッパの芸術スタイルの発展と同期して進む西ヨーロッパ文化との幅広い接触の道であり、もう 1 つは古代の芸術の保存の道です。古儀式派のコミュニティの伝統は、自分たちの芸術と古い伝統を外部のものから保護しており、3 世紀にわたって影響を与えています。この時、彼らは古い信仰と古い文化の担い手であり、急速に発展する新しい芸術に囲まれ、古代の守護者であるという特別な立場にありました。

17世紀後半の状況。 11世紀の状況に近い。 10世紀から11世紀のキエフ大公国のように。 17 世紀、異教とビザンチンという 2 つの異なる文化が衝突しました。古いロシアの中世文化は西ヨーロッパの文化と衝突します。 17世紀にこれら 2 つの文化の矛盾が露呈すると、「古い」と「新しい」という対立が生じます。「古いもの」と結びついているのは、何世紀にもわたって祝福されてきた古代の中世の正典音楽の伝統であり、「新しいもの」と結びついているのは、バロック様式、西洋型のパート・ポリフォニーです。古代のイコン絵画のような、一見平坦で一次元的な古い単調なズナメニーの歌は、バロックの立体的で多声的な芸術と対比されました。新しい空間感覚を生み出します。豊かで多層的で風通しの良いその質感は、バロック時代のあらゆる種類の芸術に典型的な動きの感覚を伝えます。

17世紀のあらゆる衝撃と変化の影響下にあります。中世の世界観の基礎が揺らぎ始める。古い芸術と新しい芸術の支持者間の論争の中で、新しい美学が徐々に形成されています。あるスタイルの方向性を別のスタイルに置き換えることは、世界観の深刻な再構築によって引き起こされた激しい闘争の中で起こりました。中世の芸術からバロック芸術への移行は、世俗的な原則の強化、新しい音楽のジャンルや形式の積極的な発展、新しいタイプの音楽的思考と関連していました。

バロック時代 (17 世紀半ばから 18 世紀半ば) のロシアの多声音楽の発展の道程は、そのスピードにおいて驚くべきものがあります。西洋芸術が700年かけて習得したものを、ロシアは100年かけて習得した。ロシアでは、西ヨーロッパのバロックの伝統がすぐに浸透しますが、それはロシア版です。若くてエネルギッシュで新鮮なバロック芸術は、その美しさ、豊かさ、そして血の通った色彩で人々を魅了します。多合唱コンサートは最初にウクライナで、次に白雲母ロシアで広まり、前例のない素晴らしさで聴衆を驚かせた。

17世紀後半から18世紀前半のバロック美術。これは、パルテスコンサート（ラテン語のパルティス-パーティーに由来）の出現に関連しており、ユニゾンのロシアの歌とは異なり、部分的に歌われたため、そう呼ばれています。ロシアのバロック時代は、ポリフォニーの急速な開花と関連していました。ほぼ700年続いたモノディの長い統治の後、ポリフォニーの支配の時代が始まります。 4、8、12、最大 48 声のパート多声作品が作成され、12 声の作品が標準になります。ハーモニックライティングやポリフォニックライティングの技術が開発されています。 17世紀半ばから。バロック時代に対応したパート歌唱の新しいスタイルが確立されつつあり、古代の聖歌、オリジナルの楽曲、カント、詩篇、コンサートのパートハーモナイゼーションで体現されています。

ウクライナから白雲母ロシアに持ち込まれたコンサート歌唱はヨーロッパ文化の産物であった。ドイツ、イタリアからポーランドを経て、ウクライナ、そしてモスクワへと浸透します。この道は、芸術における西洋の影響の多くが主にポーランドからウクライナを経由してロシアに入ってきた 17 世紀の時代にとって自然なものでした。

白雲母ロシアにおける南西部の影響

17世紀半ば。ロシアと西ヨーロッパとの直接の関係は大幅に強化されているが6、ウクライナのロシア併合（1654年）以来強まったウクライナ・ベラルーシの啓蒙の影響は、この時期に特に重要であることが判明した。ウクライナとロシアの統一は、ロシア文化の変革に貢献した。ポーランド・リトアニア連邦の一部であるウクライナは、カトリックポーランド文化の多くの特徴を習得してきました。 17世紀初頭。ウクライナでは、ポーランド文化の影響を受けて、西ヨーロッパ、特にイタリアの影響と直接関係する新しい形式の芸術的思考が形成されています。 17世紀半ばのウクライナ人音楽家を通じてポーランド文化を伝えた。モスクワ・ロシアの文化に積極的に影響を与え始めます。

17世紀半ば。ウクライナとベラルーシの科学者、歌手、筆記者がモスクワに移住。その中には、ウクライナの文献学者、翻訳家、教師、辞書著者のエピファニー・スラヴィネツキーや、王室の子供たちの教師としてモスクワ宮廷で重要な地位を占めていたベラルーシの詩人で劇作家のポロツクのシメオンも含まれていた。

これらの教育者の活動のおかげで、学校、大学などの新しい教育機関が開設されています。これらの機関の 1 つはスラブギリシャラテンアカデミー (1687 年) であり、文献学、言語、詩に大きな注意が払われる高等教育機関としての役割を果たしました。最大の文化センターはニコン総主教によって設立された復活新エルサレム修道院でした。ユウ・V・ケルディシュが述べているように、この修道院の役割は非常に重要であり、ここで「詩と教会歌唱の分野における新しい傾向、新しい音楽と詩のジャンルが生じ、支持を得た」8。

ウクライナでは常に歌が主要な場所とされてきました。 16 世紀から 17 世紀にかけて、ウクライナの人々は本質的に非常に音楽的でした。正統派とカトリックの間の闘争によって、歌のスキルはすぐに上達しました。ウクライナ音楽はポーランドの音楽文化に大きな影響を受けました。 1596 年のユニオン 9 により、ラテン歌唱が合唱団に参加しやすくなりました。これは特にウクライナ南西部に強い影響を及ぼし、そこではポーランドの政治的優位性、統一軍のローマへの宗教的依存、ポーランドとの文化的結びつきが西ヨーロッパ音楽の普及への道を提供した。

ポーランドの影響力の浸透は、カトリックの影響力と競合し、また相互に競合する多数の南ロシア同胞団によって大いに促進された。ポーランドのカトリックの影響力との戦いにより、ウクライナの歌手たちは新しい歌を学び、敵の武器を使うことを余儀なくされた。たとえば、16世紀半ばのリヴィウ同胞団が知られています。ギリシア語とセルビア語の聖歌を学ぶためにモルドバに書記を派遣し、ルーマニアの教会の歌を学ぶためにガリシアの都市も書記を派遣した。

ポリフォニックな「オルガン・ヴォーカル」の歌唱、つまりオルガンの音を模倣して歌うことは、ロシアでは「ラテン語の異端」、誘惑であると認識されていた10。以前の精神的な詩の代わりに、詩篇と聖歌が、多くの場合ポーランド語で歌われました。パフォーマンスの美学が変わりました。ズナメニー聖歌の厳しく抑制されたメロディーは、表現力豊かな「穏やかな」メロディーに置き換えられました。ウクライナとモスクワの歌唱スタイルの違いは、1654年から1656年にウクライナとモスクワを訪れたアラブ作家パーヴェル・アレッポによって最もよく示されている。心から出てきて、あたかも口だけで演奏するかのように、彼らは音楽的な歌、優しく甘いメロディーを情熱的に愛しています。」モスクワの「イルモロイン」（ユニゾン・シンギング）で、P・アレプスキーはロシア人の低い男性の声への偏愛に驚いた、「彼らの最高の声は荒々しく、太く、低音が効いていて、聴く人に喜びを与えない。私たちと同じように」それを不利だと考えているので、彼らはその曲が下品であると考えてハイになっています。彼らはコサックの曲を嘲笑し、これはフランク人とポーランド人の曲だと言います。」

17世紀のウクライナ。新しいスタイルの表現力豊かな歌唱が登場し、新しいタイプの単調な聖歌が生み出されています。 17世紀のウクライナの歌唱写本。 - イルモロジオンには地元の聖歌が溢れています。彼らの名前は、ほとんどの場合、ウクライナの原産地と分布地（ヴォリン、リヴィウ、オストログ、スルツク、クレメネツ、ポドゴルスキー）に関連付けられています。時々、彼らの聖歌は地元の修道院の伝統的な歌唱と関連付けられており、ほとんどの場合、スプラスル、キエフ・ペチェールスク、メジゴルスキー、クテインスキーなどの大規模な修道院と関連付けられています。しかし、モスクワで広く知られるようになった最も一般的なのは、キエフ、ブルガリア、ギリシャの3つでした。これらは50年代にモスクワに来たウクライナ人歌手によって持ち込まれたものとみられる。 17世紀、特に有名なウクライナの教育者で政治家であるラザール・バラノヴィチが創設者であるキエフ同胞団修道院の歌学校からの出身です。

キエフ語、ブルガリア語、ギリシャ語の聖歌はキエフ記譜法で書かれており、オスモグラスシステムと関連付けられており、ズナメヌイ聖歌とは区別されるいくつかの共通の文体的特徴がありました。これらは、異なるテキストを持つスタンザのメロディーの繰り返しに基づいたスタンザイックな聖歌でした。新しい聖歌では、厳密に定義された拍子とリズミカルな周期性が現れ、ヨーロッパの旋律主義、叙情的な歌らしさ、さらには踊りやすさの特徴を持つ聖歌や詩篇に近づきました。このようにして、古代ロシアの歌唱文化の美学は徐々に変化しつつあります。まるでメーターなしで旋律が舞い上がるかのように、際限なく展開する厳格なズナメニー聖歌の代わりに、韻律的で、よりシンプルで歌のような、メロディックで覚えやすい曲が登場します。

ブルガリアの聖歌は、その表現力とメロディーによって区別されます 12 。そのリズムは対称的で、通常は 4 拍子に収まり、テキストは適度に詠唱されますが、大きな音節内の聖歌もよく見られます。

ギリシャ聖歌第 13 番は、簡潔さと単純さが特徴です。ギリシャ聖歌の旋律は旋律的で朗読的であり、対称的なリズムを持っています。それらは、ラインのさまざまな繰り返しに基づいて音楽作品に結合されます。

キエフ聖歌は、ズナメヌイ聖歌の南ロシア支部です。それは、テキストを一行ずつ詠唱するストロフィシティに基づいています。キエフの聖歌のメロディーにはレチタティーヴォと聖歌の両方の構造があり、テキストの個々の単語やフレーズが繰り返されることがよくありますが、ズナメニーの歌唱ではこれは許可されていませんでした。キエフ聖歌は 17 世紀後半からモスクワに広く広まりました。キエフの聖歌には、大聖歌と小聖歌 (大聖歌の短縮版) の 2 つの種類が知られています。

ズナメヌイ聖歌、日常生活の最も重要なテキスト、徹夜徹夜と典礼の毎日の聖歌は、キエフ聖歌とギリシャ聖歌で唱えられました。それらの多くはロシア南部のイルモロジオンにあります。 17世紀後半にはパート歌唱が導入されました。キエフ、ブルガリア、ギリシャの聖歌のパルテス多声ハーモニーが登場しました。

ページ 1 - 1/3
ホーム | 前へ | 1 | 追跡。 | 終わり | 全て
© 無断複写・転載を禁じます

19世紀のロシア音楽。 - 今は音楽文化の発展における輝かしい時代です。それは、世界的に重要な全国的な作曲および演奏学校の形成に関連しています。西ヨーロッパの最高の音楽成果の導入は、その発展の一般的な性質に有益な効果をもたらし、独創性と独自性が民俗の伝統の遵守を主に決定しました。 19世紀に声楽や交響楽の新しいジャンルが出現しました。オペラの芸術は大きな進歩を遂げました。 M.I. グリンカ、M.P. グリンカなどの素晴らしいロシアの作曲家の作品。ムソルグスキー、A.P. ボロディン、N.A. リムスキー - コルサコフ、P.I. チャイコフスキーは、世界の音楽文化の宝庫に入りました。

ロマンス「誘惑しないでください」。 "疑い"; 「歌わないでください、美人さん、私の前で」。「素晴らしい瞬間を覚えています。」交響楽「カマリンスカヤ」。「アラゴンのホタ」; 「マドリッドの夜」。ロシア国立オペラ「ツァーリの生涯」（「イヴァン・スサーニン」）。オペラ童話「ルスランとリュドミラ」。

MA バラキレフ (1836 – 1910)。 Ts.A. 崔（1835 – 1918）。 AP ボロディン (1833 – 1887)。 MP ムソルスキー（1839 – 18810; N.A. リムスキー＝コルサコフ（））。

1850年代の終わりに創設されたこの友好的な組合の主催者であり、イデオロギーのインスピレーションを与えたのは、音楽愛好家だけでなく、才能のある演奏家や作曲家を自分の周りに団結させることができた素晴らしいピアニスト兼作曲家であるミリー・アレクセーヴィチ・バラキレフでした。彼の並外れた能力、優れた演奏能力と芸術的能力、多彩な音楽知識、そして鋭い洞察力に満ちた頭脳は彼を喜ばせ、揺るぎない権威をもたらしました。

MA バラキレフは多くの素晴らしい作品の作者です。彼は悲劇「リア王」の音楽、M.Yuの詩に基づいた交響詩「タマラ」を作成しました。レールモントフ「ロシア」と「チェコ共和国にて」、「スペイン序曲」、「ロシアの３つの歌の主題による序曲」。お気に入りの楽器であるピアノのために、コーカサスへの旅行の印象からインスピレーションを得て、東洋のファンタジー「イスラム」を制作しました。 40 曲のロマンス、ソナタ、マズルカ、夜想曲、ワルツ、ロシア歌曲集は、作曲家の最高の成果です。

この作曲家の創造的遺産は非常に広範囲に及びます。「マンダリンの息子」（1859 年）、「ウィリアム・ラトクリフ」（ハインリヒ・ハイネにちなんで、1869 年）、「アンジェロ」（ヴィクトル・ユゴーの戯曲に基づく、1875 年）、「サラセン」（父アレクサンダー・デュマのプロットに基づいたもの、1898年）、「大尉の娘」（A.S.プーシキンの作品、1909年）、4つの子供向けオペラ。オーケストラ、室内楽器アンサンブル、ピアノ、ヴァイオリン、チェロのための作品。合唱団、声楽アンサンブル、ロマンス（250以上）、叙情的な表現力、優美さ、声の朗読の繊細さによって区別される『マンダリンの息子』 1859年ウィリアム・ラトクリフからハインリヒ・ハイネへ 1869年ヴィクトル・ユーゴーの劇のアンジェロ・プロット 1875年アレクサンドル・デュマの『サラセン人』（父） 1898年 A.S.プーシキンに『大尉の娘』 1909年ピアノヴァイオリンヴィオロンチェリー・ロマンス

Alexey Porfirievich Borodin は、主要な科学者であり化学者であり、科学研究にすべての時間を捧げました。彼自身の告白によると、彼は病気の期間にのみ音楽を作曲しなければなりませんでした。この作曲家の音楽的創造的遺産は少ないですが、ロシアの音楽文化の発展に対する彼の貢献は重要です。ボロディンの作品はロシア音楽の栄光と誇りを構成しています。交響曲3曲。ロシアの詩人の詩に基づいた 15 のロマンス。唯一のオペラ「イーゴリ公」

19世紀の傑出したロシアの作曲家の一人であるモデスト・ペトロヴィチ・ムソルグスキーの創造的遺産は計り知れず、ユニークなものである。彼の短い生涯は、交響曲やオペラ音楽の分野での輝かしい作品によって特徴づけられました。衛兵学校を卒業した後、輝かしい軍人としてのキャリアを捨て、音楽に専念することだけを考えて 1858 年に退役しました。次々と音楽の傑作を生み出し、音楽芸術の歴史に新たな時代を刻みます。

19世紀のロシア音楽文化の輝かしい1ページ。ニコライ・アンドレーヴィッチ・リムスキー＝コルサコフの作品に関連しています。彼の音楽キャリアの始まりは輝かしいものだった。 1867年、彼は有名なノヴゴロド叙事詩に基づいた交響詩「サドコ」を描きました。 1年後、作曲家はアラブの民話のプロットに基づいて交響曲「アンタール」を書きました。その後、1888年、リムスキー＝コルサコフは、有名なコレクション「千夜一夜物語」の中世のアラビアの物語に基づいた組曲「シェヘラザード」で再び東洋のモチーフに目を向けました。

オペラ「プスコフの女」、「皇帝の花嫁」、「目に見えない都市キーテジと乙女フェブロニアの物語」、「雪の乙女」、「サルタン皇帝の物語」、「金鶏」、「カシチェイ」「不滅の者」、「五月の夜」、「メリークリスマスの前夜」、「モーツァルトとサリエリ」。約80のロマンス（「嵐の日は去った」、「風ではない、高みから吹いている」、「飛ぶ雲の尾根は薄くなっている」）

傑出したロシアの作曲家ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー (1840 - 1893) の生涯はわずか 53 年であり、彼が作成した広範な作品リストには、10 のオペラ、3 つのバレエ、9 つのプログラムの交響曲、コンサート、四重奏曲、劇的なパフォーマンスのための音楽などが含まれます。百のロマンスとその他多くのエッセイ。チャイコフスキーは次のように述べています。彼女は彼女を認識する人々の前に現れます。」

チャイコフスキーは自分自身のユニークで独創的なスタイルを見つけることができ、それが世界の音楽文化の歴史における彼の特別な位置を決定しました。交響楽の分野では、プログラム交響詩（「幻想曲」または「序曲 - 幻想曲」）というジャンルを開発しました。チャイコフスキーの作品の中でオペラは重要な位置を占めています。この作曲家の最高のオペラ作品は「エフゲニー・オネーギン」と「スペードの女王」です。 P.I.のバレエ音楽が幻想的でロマンチックな光に照らされます。チャイコフスキーでは、彼は優れた改革者としてだけでなく、先駆者としても登場します。音楽評論家 G.A. ラロシュは「音楽という点では、『白鳥の湖』は私が今まで聴いた中で最高のバレエだ…」と書いている。

歌は音楽芸術の最も古い形式の一つであると解釈されていましたが、すぐにそうなったわけではありません。それは常に、人間の感情表現に対する基本的かつ有機的に固有のニーズと関連付けられ続けています。そして、この人間の根源的な必要性は、差し迫った社会的必要性に劣らず、人類の文化において歌が占める例外的な位置を決定します。

N. チェルニシェフスキーは、歌うことを生み出す理由を調査して、次のように書いています。 「歌は会話と同じように独創的で不可欠なものであり、芸術作品ではなく人間性の営みです。」 この発言は、人間が自然から受け取った最初の主要な楽器が人間の声であるという意味で真実である。そして彼は、特定の時代の一般的なイントネーションの雰囲気によって決定され、形成される自発的で無意識の自己表現の結果として、感情の影響を受けて歌手になりました。民間伝承の伝統の一部として、歌うことは芸術であることもあれば、芸術ではないこともあります。民間伝承では、すべてのものは、歴史的、社会的、労働的経験、生き方、道徳、習慣、世界観、倫理的、美的観念など、人々の生活のあらゆる要素と有機的な関係の中で発生し、発展し、機能します。

民間伝承は芸術でもあり非芸術でもあるため、その話者間のコミュニケーションは、美的つながりと非美的つながりの両方の形で行われますが、民間伝承の歴史のさまざまな段階や民間伝承のさまざまな種類やジャンルにおけるバランスは一定ではありません。同じ。この集団的な創造性自体は、仕事や日常生活、人々の生活活動全体と密接に結びついており、社会化された人間関係規範の不可欠な複合体の一部を形成しています。それらを知ることで、伝統を内側から聞き、それを独自の法則に従って評価することが可能になります。

ソングライティングの過程で形成されるつながりの性質と機能の決定に基づいて、民間伝承におけるコミュニケーション形式の次の類型学が提案されています。

芸術的創造の過程におけるコミュニケーションは、仕事の活動に直接関係します。歌いながら同時に仕事をする人々は、共通のポジティブな感情と仕事に対する集団的な美学化された態度によって団結しています。
芸術的創造の過程におけるコミュニケーション。神話的思考の形での労働活動と間接的に関連しており、それに対応する労働過程の儀式的再現や自然の力に対するその他の魔法の影響。人間 - 仕事 - 自然という複合概念を 1 つに統合するこのタイプのコミュニケーションは、暦儀式の民間伝承の中で、次の 3 つの主な形式で実現されます。 a) 自然の力との直接的な儀式コミュニケーションとして。 b) コリャダ、マースレニツァなどの象徴的な儀式上の人物とのコミュニケーションとして。 c) 生きた仲介者である司祭の助けを借りたコミュニケーションとして。

歌の民間伝承は、それを生み出した集団内のコミュニケーションの特徴的な形式が保存されている限り、生きた手続き的な現象であり続けますが、これらの形式が他の形式に取って代わられるとすぐに、そうではなくなります。それは生産プロセスではなくなり、民俗芸術の優れた記念碑、専門家のための素材になります。

上記を踏まえると、レパートリーの機知に基づいた情報に基づいた選択と解釈、および舞台上での芸術的適応の最適な尺度の決定に必要な、民俗芸能の法則に関する知識と民俗学の性質の理解が得られます。特別な重要性。

パフォーマーにとって、民間伝承を芸術的なテキストとしてだけでなく、テキストのないコミュニケーション、芸術的な質感、パフォーマンスのジャンルのすべての特性を備えた生きたパフォーマンスのプロセスとしても理解することが重要です。

民俗生活における歌や歌はいつでも誰にでも開かれています。この「広さ」、「歌手の地位を重視しないこと」は、伝統の驚くべき柔軟性によって確保されています。 1 つの歌会では、さまざまなレベルの才能やスキルを持つさまざまな人々が快適に感じます。誰もが主に自分自身のために歌い、自分の「私」を実現します。同時に、芸術的な共同創造がコミュニケーションの目標となり、集団で歌うことは、音楽だけでなく行動的な行為でもあり、多声の歌であり、音楽のイントネーションだけでなく人間関係も明らかにします。

歌の伝統を担う人々が共同で音楽を作ることの意味は、声楽パートの調整だけではなく、それ以上に、「音楽」と「非音楽」の間に明確な境界線がない歌う人々の深い関係にあります。「音楽的」、美的で非美的、自然でランダム。

したがって、民間伝承は常に新たに創造されます。人々がよく知っている歌を歌うときでも、自発性は存在します。必然的に生じる「驚き」は、歌の欠陥ではなく、歌の自然な性質、その内面、その意味です。

L.V. シャミナ

「民謡教育学の基礎」

連邦教育庁

ウファ州立経済サービスアカデミー

観光ホスピタリティ学部

コースワーク

「世界文化と芸術」分野

テーマ: 19 世紀のロシアの音楽文化とその世界的重要性

完成者: 学生 gr. SD-21

ミハイロワ I.V.

検査者：博士・准教授

コトバ T.P.

導入

歴史的背景

19世紀におけるロシアの歌謡文化の発展

ロシア作曲学校

ミハイル・イワノビッチ・グリンカ

アレクサンダー・セルゲイビッチ・ダルゴミシスキー

「力強い一握り」

・天才ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー

結論

参考文献

アプリケーション

導入

それなし音楽人生は間違いだろう。（フリードリヒ・ニーチェ）

音楽- これは美しい音に込められた知性です。 (イワン・セルゲイビッチ・ツルゲーネフ)

音楽- 心の生活と感情の生活の間の仲介者。（ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベン）

ロシア語の「音楽」という言葉はギリシャ語に由来します。すべての芸術の中で、音楽は人間の知覚に最も直接的な影響を与え、「感情に影響を与えます」。魂の言語、これはまさに音楽が人の感情の領域の潜在意識レベルに強い影響を与えるため、このように音楽について話すのが通例ですが、それが感情にも影響を与えることを排除することはできません。心の領域。「音楽」という現象（あるいは物質）を徹底的に正確に定義することは不可能です。

ロシア音楽の豊かさは計り知れない。 10世紀以上にわたり、その伝統は他国の音楽文化と密接に接触し、他の種類の芸術的創造性と絶えず交流しながら形成され、発展してきました。

ロシア音楽はロシア文化の最も重要な部分です。ロシア文学、詩、絵画、演劇と同様に、社会生活のあらゆる段階、ロシアの哲学的および美的思想の形成を鮮やかに反映しています。その多様なジャンルと形式には、人々の歴史、解放闘争、ロシア人の性格、ロシアの自然と生活の独創性が体現されています。

私のコースワークでは、愛国戦争、デカブリスト蜂起、農奴制の廃止など、最も重要な歴史的出来事を背景に起こった19世紀のロシアの音楽的発展を示すことにしました。

この作品の目的は、19 世紀のロシアの音楽文化の状況を分析し、その特徴を特定し、今世紀の作曲家とその作品について語り、さらに世界文化における 19 世紀のロシア音楽の重要性を特定することです。。

コースの作業には、文献や文書の研究と分析、一般化、活動の成果物の分析、説明などの研究方法が含まれます。

このトピックを研究するとき、私は文献を使用します：百科事典「Around the World」、E. Smirnova、Nikitina L.D.によるロシアの音楽文学。ロシア音楽の歴史など。

歴史的背景

ミュージカルソングカルチャー作曲家

ロシアの 19 世紀は大きな政治的および社会的変化と関連しており、1812 年の戦争と農奴制の廃止はこれに大きな役割を果たしました。文学、詩、音楽、絵画において、社会的不平等というテーマはより深刻になっています。

すでに 19 世紀前半には、ロシア文化はまばゆいばかりの輝かしい花開きを迎えていました。模倣の要素から解放され、最も多様で広範なコンテンツの独自の表現形式を見つけ、普遍的な重要性を持つ偉大な永続的な価値を創造します。文学ではプーシキン、レールモントフ、ゴーゴリ、音楽ではグリンカなどの輝かしい代表者の作品は、ロシアのみならず世界芸術の最高峰の一つを構成しています。

1812 年の愛国戦争は、国民の自発性の台頭に強力な推進力を与え、ロシア国民の愛国心は、共通善への関心の高まり、国家共通の利益に対する広範な認識、社会を向上させたいという願望として現れています。国民文化と幸福のレベル。

デカブリストの蜂起は、19 世紀のロシア文化の発展に大きな影響を与えました。あらゆる感情、思考、経験が当時の多くの音楽作品に反映されていました。デカブリストの時代は、ロシアにおける革命歌の発展の始まりとなった。この点での大きな功績は、デカブリスト運動の人物、リレフとベストゥジェフに属します。デカブリストの詩人によって築かれた革命歌の伝統は、同時代の人々によって取り入れられ、発展しました。自由への愛と抗議、社会的抑圧との戦いというテーマは、日常の歌に深く浸透しました。

解放の思想が成長し、広まるにつれて、それらに対する政府の反対も激化した。アレクサンドル 1 世の治世の後半にはすでにこの反動的路線が決定され、大学の破壊と検閲の強化という形で表現されました。デカブリスト蜂起の鎮圧とニコライ1世の即位後、前例のない残酷で聴覚障害者で無慈悲な反応が長期間ロシアの生活に君臨した。民主主義ジャーナリズムの存在、さらには実践的な革命活動を行っている政治組織の存在。ロシアでは不可能な活動だった。

このような状況下では文学が特に重要となり、プーシキン、ゴーゴリ、レルモントフの作品が解放思想の主要な代弁者となる。

上記のすべては、ロシアの国民文学と芸術の古典的な学校を形成するための前提条件を作り出します。

ロシア音楽の発展において、グリンカはロシア文学の発展におけるプーシキンと同様の役割を多くの点で果たしました。プーシキンと同様に、グリンカは現代芸術文化のさまざまな要素を広く受け入れ、実践しました。グリンカは、前任者たちの遺産から価値ある実行可能なすべてのものを吸収して、その限界を克服し、莫大な富、内容の完全性、芸術的表現の完璧さを達成しました。内なるバランス、理想的な調和のとれた完全性、完全性という点において、グリンカの作品は、プーシキンの詩と同様に、後世の疑いの余地のない模範であり、古典的な規範であることが判明しました。グリンカは、その作品によって世界的な影響力の基礎を築きました。ダルゴミシスキーは作品の中でグリンカの道をたどります。彼は、より優れた社会的鋭敏さ、日常的および心理的特徴付け、風刺とユーモアの要素をロシア音楽に導入し、60年代の若い国民学校の作品で明確な表現を受けることになるものの多くを準備しました。グリンカは、その作品によって世界的な影響力の基礎を築きました。

この頃から、ロシア音楽に関する報道が外国の報道機関に頻繁に掲載されるようになった。グリンカに関するベルリオーズの記事が掲載される数か月前、フランスの有名な音楽学者フェティスは、まだ若いダルゴミシスキーについて、ロシアの独創的で将来有望な音楽的才能として書いている。

歴史的期間 60 ～ 80 年。 19 世紀は通常改革後と呼ばれます。1861 年に国王令により農奴制が廃止され、ロシアの社会生活の自由化が伴いました。この段階は、統合的かつ独創的な現象としての芸術文化の高度な繁栄によって特徴づけられました。そのとき、精神的および美的価値観の特定のシステムが芸術の中に形成され、文学、演劇、絵画、音楽に具体化されました。

19世紀におけるロシアの歌謡文化の発展

「それは歌の時代だった」 - これは詩人の G.R. が啓蒙時代について語った言葉です。デルザビン。当時の歌謡文化の様相は異常に多様であり、さらには多言語でした。日常生活では、ロシアとフランス、ジプシーとドイツ、農民と都会、アマチュアとプロの歌が複雑に絡み合っています。この歌は文学作品のページから響き渡り、「多くの愛好家の喜びのために」特別なコレクションとして出版され、貴族の家で演奏されました。

19世紀に民俗学の研究に細心の注意を払い続けました。ロシアの作曲家は民族音楽をインスピレーションの源と考えていました。彼らは独自の音楽言語の独創性を失うことなく、民謡を収集し、しばしば作品に使用しました。

いくつかの新しいジャンルが出現し、古い形式（日常の歌、放浪をテーマにした歌、風刺歌）が新しい生活内容の影響下で進化し、イメージの性質とイントネーション表現手段が変化しています。日常の民謡は、国家的に重要な主要な政治的および社会的出来事に反応します。

この作品には 1812 年の愛国戦争が広く反映されており、口頭伝承の伝統と関連した 12 年目に関する一連の歌が私たちに届けられています。内容も音楽的、詩的な形式も非常に多様です。時には、古い伝統的な民謡のテクニックを使用することもあります。

愛国戦争はまた、表現力豊かな叙情詩の出現を引き起こしました。

祖国の重大な災害、祖国の荒廃、愛する人の喪失によって引き起こされた人々の深い悲しみ、悲しみ、悲しみを捉えた歌。

ロシア民謡は非常に幅広い人気を博し始め、合唱団、伴奏付きの声、個々の楽器など、さまざまな編曲で広がりました。 1806 年から 1815 年にかけて、プラハのコレクションは第 2 版と第 3 版が出版されました。それに基づいて、公的にアクセス可能なタイプの歌集が作成されました。

農奴出身の才能あるロシアの音楽家、ダニラ・カシンは、民謡の改作で広く知られていました。 1833年から1834年にかけて。彼のコレクション「ロシア民謡」は3部構成で出版されました。これは、18 世紀から 19 世紀にかけてのプラチの「コレクション」と同じくらい、その時代の特徴を表しています。 40 年代初頭には、カシンコレクションの第 2 版が登場し、その人気と需要の多さを証明しました。カシンの加工技術には、時にはややヒステリックな性質を伴う、強調された感性への欲求が明らかに顕著です。

カシンと同じ道をたどって、フォークソングと都会のロマンスのイントネーションが相互浸透したもう一人の有名なソングコレクター、元は農奴で、才能のある歌手兼パフォーマーでもあったイヴァン・ルーピンも続きました（彼の姓は同時代人によって「」と発音されました）イタリア語の語尾 - ルピニ) および 1831 年に出版されたポピュラーソング集の編纂者

ロシア民謡のさまざまな日常の屈折とともに、叙情的で感傷的なロマンスが発展し、社会の最も多様な層の間で非常に幅広い人気を博しました。 18 世紀の「ロシアの歌」のように、ロシアのロマンスの大部分は家庭での音楽制作の領域と関連していました。日常のロマンスの音楽言語では、手段の単純さが誠実な自発性と誠実な表現と組み合わされています。。作曲家アリヤビエフ、ヴァルラモフ、グリレフ、ヴェルストフスキーは、19 世紀のロシアロマンスの発展に重要な役割を果たしました (付録 1 を参照)。

アレクサンダー・アレクサンドロヴィチ・アリヤビエフ(1787-1851) 古い貴族の家に生まれました。若い頃、彼は軍隊に勤務し、1812 年の愛国戦争に参加しました。その後、兵役を離れ、創作活動に専念した。アリヤビエフは、「あなたを愛しました」、「冬の道」（どちらもアレクサンダー・セルゲイビッチ・プーシキンの詩に基づく）、「ナイチンゲール」などの有名なロマンスの作者です。」 ナイチンゲール「これは、アリヤビエフのお気に入りで最も広く普及した曲の 1 つです。すべてが控えめでシンプルです。この曲は、ギターをかき鳴らすような活気のあるピアノのイントロが始まります。ボーカルパートの最初の抑揚から、魅惑的で柔らかく思慮深いメロディーが展開します。幅広で滑らかな丸みを帯びたその厳格な美しさに、すぐに魅了されます。

作曲 アレクサンダー・エゴロヴィチ・ヴァルラモフ(1801-1848) - 大衆ロマンスの作家。彼は、主にロシアの詩人の詩（「赤いサンドレス」、「通りに沿って吹雪いている」、「夜明けに彼女を起こさないでください」、「孤独な人」）に基づいて、このジャンルの作品を合計約 200 点作成しました。セイル・イズ・ホワイト』など）。ヴァルラモフは歌手、ギタリスト、指揮者、教師としても知られていました。彼はロシアの声楽家向けの最初の教科書の 1 つである「The Complete School of Singing」（1840 年）を執筆しました。

アレクサンダー・リヴォヴィッチ・グリレフ(1803-1858) は農奴音楽家の息子でした (1831 年に彼と父親は解放されました)。作曲家、ピアニスト、ヴァイオリニスト、ヴィオラ奏者、そして教師でもあったグリレフは、歌とロマンスの作家として有名になりました。彼の最も有名な曲は、「Mother Dove」、「Bell」、「Sarafan」、「Swallow is Flying」、そしてロマンス曲「Separation」、「You Can't Understand My Sadness」です。ボーカルの歌詞に加えて、作曲家はピアノ音楽のジャンルでも活動し、民謡を収集して編曲しました。

アリヤビエフ、ヴァルラモフ、グリレフの作品は、ロシア音楽の宝庫への貴重な貢献である。彼らの最高の歌とロマンスは、歌手や合唱団のコンサートレパートリーに組み込まれており、現代の人々の間で愛を込めて歌われています。

19世紀のロシアの作曲学校

ミハイル・イワノビッチ・グリンカ

間違いなく、19 世紀前半の作曲家一派の最も著名な代表者は次のとおりです。 ミハイル・イワノビッチ・グリンカ（1804-1857）。ミハイル・イワノビッチ・グリンカの作品はロシア作曲楽派の起源に位置し、彼の作品、制作方法、音楽ジャンルや伝統に対する態度は19世紀において模範的なものとして認識されていました。ヨーロッパで本格的な音楽教育を受けたグリンカは、ロシア国民音楽の特殊性を深く理解した最初の人であり、主にこのマスターのおかげで、ヨーロッパのジャンルはロシアで独自の解釈を受けました。グリンカの子供時代の印象は彼の作品に反映されています。彼の人生の最初の数年間は、スモレンスク地方の田舎の自然に囲まれた父親の土地で過ごしました。そこで彼は民謡を学び、恋に落ち、民謡を聴きました。彼を優しく献身的に愛した農奴乳母アヴドティア・イワノフナの物語は、幼いグリンカの多感な子供心に深く浸透しました。

1812 年の出来事はグリンカに大きな衝撃を与えました。ナポレオン軍の侵攻から逃れるため、グリンカの家族は邸宅を離れました。少年はパルチザンの英雄的行為について多くの話を聞き、ロシア国民、彼らの強大な強さ、精神的な美しさへの愛と敬意を永遠に植え付けられた。

グリンカさんの家族の家庭生活では音楽がよく流れていました。近くに住んでいた叔父は、農奴音楽家で構成された優れたオーケストラを持っていました。その音楽は少年に素晴らしい印象を与え、コンサートの後、彼は放心状態で歩き回っていました。「音楽は私の魂だ」と彼はかつて言った。叔父の農奴楽団は民謡を含むさまざまな作品を演奏しました。グリンカは幼少期の印象を思い出しながら、次のように書いている。「おそらく、子供の頃に聞いたこれらの歌が、その後私が主にロシア民俗音楽を発展させ始めた最初の理由だったでしょう。」

グリンカの作曲スキルは 2 つのオペラで最も明確に示されました。 ツァーリのための人生"("イワン・スサーニン") と " ルスランとリュドミラ」彼はロシアの国民的オペラ、英雄叙事詩オペラやおとぎ話オペラの例を生み出しました。これらのジャンルのその後の発展は、グリンカが定めた原則と関連しています。

オペラ「皇帝の生涯」（30～80年代のソ連では「イワン・スサーニン」という名前が採用された；1836年）は、歴史的で愛国的なストーリーに基づいて書かれた。作曲家は17世紀初頭の出来事に目を向けました。 - ポーランドの征服者に対するロシア国民の闘争。この作品のプロット（イワン・スサーニンの偉業）は、詩人ヴァシーリー・アンドレーヴィッチ・ジュコフスキーによってグリンカに提案されました。

「皇帝の生涯」は、会話のない初のロシアのオペラです。それは継続的な音楽の発展に基づいています。作品の音楽構造には合唱シーンが浸透しています。特に、彼らは冒頭（コーラス「My Motherland」）と作品を完成させます（最後の歓喜に満ちた勝利のコーラス「Glory」）。

オペラの中心にはロシアの農民イワン・スサーニンの像があります。作曲家は主人公の道徳的な強さを強調しています。音楽的な特徴としては、民謡のメロディーのイントネーションが使われています。スサーニンの娘アントニダは、明るく詩的な（グリンカ自身によれば「優しく優雅な」）イメージのロシア人少女である。アントニダの婚約者であるソビニンは民兵の兵士で、大胆不敵な男だが、ヴァーニャはスサーニンの養子で、13歳の少年グリンカによれば「純朴な性格」だという。スサーニン家の若いメンバー、ヴァーニャ、アントニダ、ソビニンのイメージは、日常のロマンスソングの伝統とイントネーションで描かれています。

ロシアのイメージはポーランド人の敵対陣営によって反対されている。詳細な振り付け画像は、オペラの「ポーランドの行為」、つまり古城での壮大な舞踏会を表しています。この交響的な作品は、ポーランドの貴族であるジェントリーの輝き、優雅さ、誇りを伝えています。ポロネーズ、マズルカ、クラコヴィアクのメロディーとリズムが響きます。音楽の美しさは魅惑的ですが、一般に、「ロシア」のシーンの単純さと誠実さは、「ポーランド法」の派手な華やかさと対照的です。

最後に、2つの陣営は直接衝突します。ポーランドの分遣隊がドムニーノの村に来て、スサーニンに、皇帝ミハイル・ロマノフがいる場所に彼らを導くよう要求します。スサーニンが森の茂みの中でポーランド人たちと彼らを死に導いた場面は、このオペラのクライマックスである。結末は悲劇的です - 主人公はロシアのために命を捧げます。夜、森の中でスサーニンは死に際の独白である「彼らは真実を感知している」というレシタティーヴォを演奏し、それがアリアの祈り「あなたよ起きよ、私の夜明け」に変わり、そこで主人公は最後の時を迎えるための力を神に求めます。深い悲しみと希望の両方を伝えます。音楽はテンポが遅く、厳格で集中した雰囲気で、教会の賛美歌を思い出させます。

オペラ「ツァーリの生涯」は、1836 年 11 月 27 日にサンクトペテルブルクのボリショイ劇場の舞台で大成功を収めました。ロシア社会の指導的人々は彼女を高く評価した。

創造的な勝利の意識は作曲家に新しいアイデアを呼び起こし、数年後にはオペラ「おとぎ話」が登場しました。 ルスランとリュドミラ」（1842年）。これは、A. S. プーシキンの同名の詩のプロットに書かれています。音楽アクションのゆっくりとした展開は、古代の叙事詩や伝説を思い出させます。オペラには、民俗儀式の場面、色とりどりの自然の絵、幻想的なイメージが含まれています。ロシアの英雄（ルスラン、ラトミール）、歌手ボーヤン、ウラジミール王子の世界は、魔法使いのおとぎ話の世界、チェルノモールとナイナによって対立されています。英雄たちは壮大な真剣さと壮大な威厳をもって描かれています。チェルノモアとナイナ（そしてルスランの不運なライバルであるファーラフ）は、間違いなくユーモアたっぷりに描かれています。著者は聞き手に、「これらは単なるおとぎ話の登場人物であり、悪というより滑稽だ」と言っているようだ。魔法の城の主であるチェルノモールの主な特徴は、半分冗談のような行進です。オーケストラは映像を生み出す上で大きな役割を果たします。チェルノモール王国を描写し、作曲家は東洋音楽のイントネーションを使用しています。トルコとアラビアのダンスとレズギンカが聴衆の目の前で披露されます。オペラ「ルスランとリュドミラ」は、他のおとぎ話と同様、善が悪に対する勝利と愛の勝利で終わります。

ロマンスと歌 グリンカ- ロシアの古典の誇り。作曲家は生涯を通じてそれらを書きました。グリンカの叙情的なロマンスは、彼の魂の一種の告白です。それらの中には、ロシアの自然や生活を描いたものもあります。グリンカはロマンスの中で、日常のロマンスの作者である先人や同時代人によって生み出された最高のものをすべて要約し、発展させました。「私はここにいます、イネシリヤ」、「素晴らしい瞬間を覚えています」などの多くの有名なロマンスは、A. S. プーシキンによって詩に書かれました。グリンカはまた、V. A. ジュコフスキー、A. A. デルヴィグ、その他のロシアの詩人の作品にも目を向けました。当時人気の詩人ネストル・ワシリエヴィチ・クコルニクの言葉に基づいて、作曲家は12のロマンスからなるサイクル「ペテルブルグへの別れ」（1838年）と、傑出したロシアの歌手フョードル・イワノビッチ・シャリアピンが愛した有名なロマンス「疑惑」を創作した。実行する。

グリンカはオーケストラのために、私的に幻想的な交響曲序曲を 1 曲書きました。このジャンルにおける彼の最高傑作は、「カマリーナ」（1848 年）、「アラゴンのジョタ」（1845 年）、「マドリッドの夜」（1851 年）です。ロシアの作曲家の一般的な意見によれば、「カマリンスカヤ」はロシアの交響楽の基礎を築きました。「スペイン」序曲「アラゴンのイオタ」と「マドリッドの夜」は、グリンカがスペイン音楽のイントネーションとスタイルを熟知していることを示す素晴らしい例です。 P.I.チャイコフスキーによる交響的ワルツの出現に備えて準備されたオーケストラのための作品「ワルツ幻想曲」（1856年）。

ミハイル・イワノビッチ・グリンカの功績により、ロシアの音楽学校はヨーロッパでの知名度を獲得しました。その後の世代の作曲家、そして単に音楽愛好家は、ロシア文化に対する巨匠の貢献を常に高く評価してきました。

アレクサンダー・セルゲイヴィチ・ダルゴミシスキー (1813-1869)

ダルゴミシスキーは若い現代人であり、グリンカの信奉者である。彼は「音楽の真実の偉大な教師」、勇敢な革新者としてロシア音楽の歴史に名を連ねた。

ダルゴミシスキーの見解は30〜40年代に形成されました。 19 世紀、ロシア文化が急速に発展した時代。彼はロシア芸術の先進的かつ進歩的なものすべてに敏感に反応しました。彼の作品において、彼はロシアの民主的な作家や芸術家に近かった。ダルゴミシスキーの声楽とプーシキン、ゴーゴリ、レルモントフとの関係は特に密接です。ダルゴミシスキーの最高の作品がプーシキンとレルモントフの詩に基づいているのは偶然ではありません。

ダルゴミシスキーの作品の中で ロマンスとオペラが中心的な位置を占める。この作曲家は生涯を通して室内声楽を作曲し、100 を超えるロマンス、歌、声楽アンサンブルを書きました。これらのジャンルはダルゴミシスキーにとって一種の創造的な実験室であり、彼の音楽言語はそれらの中で形成されました。最も有名なロマンスは、「I Loved You」（A. S. プーシキンの詩に基づく）、「退屈と悲しみの両方」、「私は悲しい」（ミハイルユリエヴィチレールモントフの詩に基づく）です。そして孤独な雰囲気。

A.S. Dargomyzhskyの作品に新しいジャンルのボーカル歌詞が登場しました - 風刺的な歌。そのような作品の鮮明な例は、曲「Worm」と「Titular Advisor」（どちらも 50 年代）です。自然な発話に近いレシタティーヴォを使用して、作曲家は表現力豊かな社会的肖像画を描きました。

ダルゴミシスキーの最高傑作には次のようなものがあります。 オペラ「ルサルカ」（1855年）。 A. S. プーシキンの同名の未完の戯曲のテキストに基づいて、作曲家自身が台本を書きました。「ルサルカ」は、心理的で日常的な音楽劇の性質を持つロシア初のオペラです。作曲家によって設定された主な課題は、登場人物の精神的な世界、彼らの経験、登場人物を反映することです。

60年代ダルゴミシスキーは広く世間に認められました。彼のオペラの初演は大成功を収め、作曲家はロシア音楽協会サンクトペテルブルク支部の委員に選出された。

「力強い一握り」

19世紀後半 - 改革後の時代、農奴制の廃止、公的生活の自由化、ロシア社会における革命感情の隆盛。この段階は、統合的かつ独創的な現象としての芸術文化の高度な繁栄によって特徴づけられました。そのとき、精神的および美的価値の特定のシステムが芸術の中に形成され、文学、演劇、絵画、音楽に具体化されました。

音楽芸術は、現代の深刻な問題と無縁ではありません。ポピュリズム的な立場は、ロシア国民の歴史的精神的偉業の勝利における救世主的な役割を信じた多くの作曲家の世界観の特徴である。この音楽は、当時のロシアのインテリの強烈な道徳的探求の全範囲を反映しており、時間からインスピレーションを得た理想を音楽のイメージで具体化しました。ロシアの歴史と民俗生活の純粋さを理想化する巨匠もいれば、民俗倫理の法則に基づいた個人の自己改善を信じる巨匠もいた一方、永遠の伝統から生まれた民俗文化の原型を自分の作品の中に具体化しようとする巨匠もいた。生きた源 - 手つかずの自然。

ロシア音楽のジャンルの独自性は、改革後の時代の芸術文化の特徴である「文学中心主義」と密接に関係しています。リアリズムの美学によって生み出されたそれは、芸術的かつジャーナリズムという言葉の優先的な役割で表現されました。当時の音楽の主要なジャンルはオペラでした。歴史的、叙事詩的、叙情的、劇的なものでした。ロマンス、歌など、他の合成音楽ジャンルも発展し続けています。声楽はロシアの詩の「音楽百科事典」を補完し、社会的、告発的、抒情的心理学的イメージで詩を豊かにします。

19世紀後半は、批評家V.V.の軽い扱いを受けたパートナーシップの出現の時期です。スタソワ、名前 「力強い一握り」。そこにはMAも含まれていました。バラキレフ、Ts.A. 崔議員ムソルグスキー、NA リムスキー＝コルサコフ、A.P. ボロディン。

「マイティ・ハンドフル」はロシア芸術の傑出した現象である。彼女はロシアだけでなく、ロシアの文化生活の多くの領域に深い足跡を残しました。次世代の音楽家の中には、私たちの時代に至るまで、ムソルグスキー、ボロディン、リムスキー＝コルサコフ、バラキレフの直系の後継者が数多くいます。彼らを団結させたアイデア、彼らの進歩的な見解は、長年にわたって一流のアーティストのモデルとなりました。

「マイティ・ハンドフル」の頭兼リーダーは、 ミリー・アレクセーヴィチ・バラキレフ（1836/37-1910）。彼は、自由音楽学校の創設者 (1862 年) および理事 (1868 ～ 73 年および 1881 ～ 1908 年) の 1 人です。 1867年から1869年までロシア音楽協会の指揮者、1883年から1894年まで宮廷歌唱礼拝堂のマネージャーを務めた。彼の最も有名な作品は、「3つのロシアの歌の主題による序曲」（1858年）、交響詩「タマラ」（1882年）、「ロシア」（1887年）、「チェコ共和国にて」（1905年）、そして東洋の詩である。ピアノのための幻想曲「イスラメイ」（1869年）、ロマンス曲、ロシア民謡の編曲など。

「マイティ・ハンドフル」の作曲家の中で モデスト・ペトロヴィッチ・ムソルグスキー(1839-1881) は音楽界で最も著名な指数であった 革命的な民主主義思想60年代ぐ。 19 世紀。ムソルグスキーは、これまで以上に、包括的かつ大きな告発力をもって、ロシア国民の生活の厳しい真実を音楽で明らかにし、V.V. スターソフが言ったように「ロシア国民の海全体を再現することができた」のである。人生、性格、人間関係、不幸、耐え難い重荷、屈辱。」オペラ、歌曲、合唱団など、ムソルグスキーが書いたものは何でも、どこでも彼は社会的不正義に対する怒りと情熱の非難者として行動します。

1863年、作曲家はオペラ「サランボ」（フランスの作家ギュスターヴ・フローベールの同名の小説に基づく）の作曲を開始し、1868年にはオペラ「結婚」（N. V. ゴーゴリの喜劇の変更されていないテキストに基づく）を作曲し始めました。どちらの作品も未完成のままだったが、ムソルグスキーはオペラ「ボリス・ゴドゥノフ」（1869年）の創作に向けて準備を整え、このオペラはロシア音楽における重要な現象となった。

ムソルグスキーの才能の全貌が明らかになったのは、 オペラ「ボリス・ゴドゥノフ」プーシキンの悲劇を基にした作品。この悲劇において、ムソルグスキーは、国民の力の目覚めをオペラで表現する機会に惹かれ、その結果公然たる不満が生じ、最終的には自発的な蜂起に至った。オペラの主なアイデアは、反乱につながる犯罪者ボリスと民衆の間の対立です。作曲家の注意は、王と民衆の間の衝突という主要なアイデアを明らかにすることに集中していました。ムソルグスキーのオペラの主人公は人々です。群衆のシーンが非常に重要であるにもかかわらず、オペラでは登場人物の内面を特徴づけることに主な注意が払われています。もちろん、前景にはボリスのイメージがあり、それは広範な独白シーンを通じて明らかにされます。レチタティーヴォのテクニックを見事に習得したムソルグスキーは、漠然とした不安、悲しみ、憂鬱、良心の痛み、恐怖、さらには幻覚など、主人公の精神状態を音楽で伝えます。オペラのオーケストラパートは非常に複雑です。彼はその声に柔軟に追従し、ボーカルパートに重要な心理的なニュアンスを加えます。このオペラは、60 ～ 70 年代のロシア社会に存在した革命民主主義の感情に精神的に近いものです。 19 世紀。

1872年、作曲家は自ら「民族音楽劇」と呼んだオペラ「ホヴァンシチナ」の制作に着手した。同時に、彼はまったく異なるタイプの作品、N.V.ゴーゴリの物語に基づいた抒情コメディオペラ「ソロチンスカヤフェア」（未完成のまま）を書きました。

同時代の人々によれば、ムソルグスキーは優れたピアニストであったという。お気に入りの楽器へのオマージュとして、彼は10曲からなる大規模なピアノ組曲を作成しました。 「展覧会の絵」（1874年）。このスイートのアイデアは、友人で芸術家、建築家のヴィクトール・アレクサンドロヴィッチ・ハルトマンの死後の展覧会からインスピレーションを得たものでした。このサイクルは序奏から始まり、それが作品のライトモチーフとなります。著者がそれを「ウォーク」と呼んだのには理由があります。展示ホールを通る訪問者の動きを伝えるからです。これに、「ノーム」、「古城」、「チュイルリー公園」、「牛」、「孵化していないひよこのバレエ」などの個々の「絵」が続きます。導入音楽は定期的に繰り返され、これのおかげでサイクルが獲得されます。統一性があり、統合された構成として認識されます。

ムソルグスキーは有名な歌曲やロマンスの作者です。最初に出版された曲「小さな星、どこにいるの...」（詩人で翻訳者のニコライ・ポルフィリエヴィッチ・グレコフの言葉）は、作曲家の声楽作品に叙情的なテーマを生み出し、ファンタジーロマンス「夜」で頂点に達しました（ A.S.プーシキンの言葉）。ロシアの家族生活の面白いスケッチは、ロマンス「でもあなたに会えたら」（詩人ワシーリー・ステパノヴィチ・クロチキンの言葉）、「スヴェティク・サビシュナ」と「セミナリスト」（作曲家の言葉）の中で提示されています。

ムソルグスキーは真の民族作曲家であり、ロシア国民の人生、悲しみ、そして希望の物語に全作品を捧げた。彼の創造性はとても素晴らしかった 独創的で革新的、今でもさまざまな国の作曲家に強い影響を与えています。

アレクサンダー・ポルフィリエヴィチ・ボロディン (1833-1887) -唯一無二のユニークな作曲家。音楽において、彼はグリンカの伝統をさまざまな方法で継承しました。ボロディンは音楽の中で、ロシア国民の偉大さと力、ロシア国民の英雄的な性格特性、国家叙事詩の荘厳なイメージを体現しました。そして、これに加えて、ボロディンの作品には、情熱と優しさに満ちた、叙情的で誠実なイメージがあります。

ボロディンはロシア語の創作者の一人です。 古典交響曲(2番目、「 ボガティルスカヤ」、1876年、ロシア交響曲の英雄叙事詩の方向性を開いた。交響詩「中央アジアで」、1980年）、ロシアの古典弦楽四重奏団。声楽抒情の巨匠（「遠い祖国の岸辺へ」）。英雄叙事詩のイメージをロマンスに導入し、60年代の解放の思想を具体化しました。 19世紀（『眠り姫』、『暗い森の歌』）。

12世紀の古代ロシア文学の注目すべき作品「イーゴリ遠征物語」はボロディンを魅了し、魅了し、オペラを創作するきっかけを与えました。信徒は、ポロフツ人に対する勇敢なイーゴリ王子の失敗した作戦について語った。著者は王子たちに団結するよう呼びかけ、この作品の愛国的な方向性には進歩的な役割が含まれていた。ボロディンはこのプロットに基づいて壮大なオペラを作成しました 「イーゴリ王子」（1890年にリムスキー＝コルサコフによって完成）。

「イーゴリ公」は、プロローグのある 4 幕からなる抒情的で叙事詩的なオペラです。オペラの音楽は主にロシアや東洋の民謡のイントネーションに基づいています。ロシアと東洋の両方の民俗場面が明るい色で描かれています。この作品において、ボロディンはグリンカの信奉者であり、敵の陣営を描く芸術的に説得力のある特徴も見出しました。

ニコライ・アンドレーヴィチ・リムスキー＝コルサコフ（1844-1908）。『マイティ・ハンドフル』の作曲家の中で、リムスキー＝コルサコフは特別な位置を占めています。彼の作品により、ロシア音楽は花開きました。 おとぎ話。彼の生涯は芸術に対する無私無私の奉仕であり、彼の理想への忠誠です。

リムスキー＝コルサコフが体現するテーマとプロットの範囲は幅広く、多様です。すべての「クチキスト」と同様に、作曲家はロシアの歴史、民俗生活の写真、東洋のイメージに目を向け、日常劇の領域や叙情的心理領域にも触れました。しかし、リムスキー＝コルサコフの才能が最も最大限に発揮されたのは、ファンタジーの世界やさまざまな形のロシアの民俗芸術に関連した作品です。おとぎ話、伝説、叙事詩、神話、儀式は、テーマだけでなく、彼の作品のほとんどのイデオロギー的意味も決定します。リムスキー＝コルサコフは、民間伝承ジャンルの哲学的な内包を明らかにしながら、人々の世界観を明らかにします。より良い生活、幸福という永遠の夢は、明るいおとぎ話の国や都市（「雪」のベレンディー王国）のイメージに具体化されています。乙女」、「サルタン皇帝の物語」のロリポップの街）。彼の道徳的かつ美的理想は、一方では魅惑的に純粋で優しいオペラのヒロインたち（「不滅のカシチェイ」の王女）によって、他方では伝説的な歌手（レル、サドコ）によって擬人化されており、これらの色あせることのない象徴は、民俗芸術。生命を与える力と永遠の自然の美しさに対する彼の賞賛。最後に、光、正義、善の力の勝利に対する人々の消えることのない信仰が、リムスキー＝コルサコフの作品に内在する楽観主義の源である。

作曲家のスタイルと芸術的手法の特徴が最も完全に明らかになったのは、 オペラの創造性。リムスキー＝コルサコフの 15 のオペラは、ジャンル、ドラマチック、構成、文体の驚くべき多様性を表しています。その中には、数字の構造に引き寄せられる作品（「五月の夜」、「雪の乙女」、「皇帝の花嫁」）や継続的な発展（「モーツァルトとサリエリ」、「不滅のカシチェイ」、「見えざる者の伝説」）も含まれます。キーテジ市」、「金鶏」）; 大群衆のシーンのあるオペラ（「プスコヴィテ」、「五月の夜」、「雪の乙女」、「ムラダ」、「サドコ」、「キーテジ」）、および群衆のシーンのないオペラ（「モーツァルトとサリエリ」、「ヴェラ・シェロガ」、「不滅のカシュチェイ」）」）、拡張された完全なアンサンブルあり（「皇帝の花嫁」）とアンサンブルなし（「モーツァルトとサリエリ」、「黄金の雄鶏」）。それぞれの特定のケースでは、ジャンルの選択、劇的な解決策と文体的な解決策の原則が決定されます。敷地のそばで。 リムスキー＝コルサコフは、「私はただ一つの真のオペラ形式を信じたこともないし、信じていない」と強調した。。リムスキー＝コルサコフは、主に音楽による作品としてのオペラの見方を肯定しながら、同時にその詩的な基礎、文学スタイルの統一性と一貫性について高い要求を出しました。彼は台本作家の作品を積極的に指導しました。作曲家は自ら多くのオペラ台本を書きました。

リムスキー＝コルサコフの交響曲作品は、オペラに比べてそれほど大規模で多様性に富んだものではありません。しかし、彼はこの分野に明るく独創的な貢献をしました。作曲家の音楽的思考の想像力豊かな具体性が、彼のプログラム的（主に絵画的、視覚的）およびジャンル（民謡やダンスのテーマに関連した）シンフォニズムへの傾向を決定しました。したがって、ジャンルと形式の特徴的な選択 - 序曲（幻想曲）、交響的絵画、組曲、およびスタイルの特定の方向性 - バリエーションへの傾向、素材の展開における装飾、ハーモニーとオーケストレーションの色彩の可能性への特別な注意。

リムスキー＝コルサコフは、ほぼすべての音楽ジャンルに多大な創造的遺産を残しました。彼の作品の内容は多岐にわたりますが、主な特徴は人々の生活や生き方、思想や願望に深く浸透していることです。

天才ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー (1840-1893)

ロシアのクラシック作曲家の中でチャイコフスキーの名前は際立っています。世界中の音楽愛好家にとって大切なものです。彼の作品は、プロの音楽家も一般の人々も、等しくすべての人々を魅了し、興奮させます。チャイコフスキーは、その作品を人間、祖国とロシアの自然への愛、幸福への願望、そして闇の悪の勢力との勇敢な闘いに捧げました。作曲家の音楽には、喜び、悲しみ、希望、闘争、絶望など、人間の人生全体が含まれています。そして、チャイコフスキーが何を話しても、彼は常に真実で誠実です。

チャイコフスキーの音楽スタイルは、国民的アイデンティティの性質に関する作曲家の型破りな考えの文脈の中で発展しました。「国家」と「民族」の解釈において、彼は「クチクス主義」の信奉者とは異なる道をたどりました。ロシアの民間伝承は彼にとって普遍的な情報源、つまり音楽言語の根本的な基礎ではありませんでした。一般化され媒介された民謡のイントネーションの助けを借りて、チャイコフスキーは「ロシアらしさ」、ロシア、現代の多用途性の中にあるロシアの現実という国家イメージを具体化した。したがって、作曲家は音楽の中で本物の農民の民間伝承の特定のジャンルを使おうとしたのではなく、彼を取り巻く都市の音楽生活の「イントネーション語彙」に目を向けました。親しみやすい都会的なイントネーションと、感情の開放性、誠実さ、メロディーが組み合わさって、チャイコフスキーの音楽はロシア国内外の幅広い聴衆にとって理解しやすく、親しみやすいものになりました。だからこそ、チャイコフスキーの作品はすぐにヨーロッパ人の共感を勝ち取り、世界中でロシア音楽の国際的認知に貢献したのです。

チャイコフスキーはほぼすべてのジャンルで作品を書き、それぞれのジャンルで才能あるアーティストとしての新たな言葉を述べました。しかし、おそらく彼の好きなジャンルは オペラ。その中で、チャイコフスキーは真の改革者として登場しました。作曲家はオペラを最も民主的なジャンルとして想像しました。「オペラ」と彼は書いた、「そして、人々をより身近にし、あなたの音楽を現実の大衆に近づけるのはオペラだけです...」オペラのアクションは人間の強い感情や経験に基づいています。チャイコフスキーはオペラの内容に細心の注意を払い、常にロシアの生活からのプロットを優先しました。なぜなら、彼が本当に知り、よく理解していたのはロシア人だったからです。

チャイコフスキーの最高傑作のひとつ オペラ「エフゲニー・オネーギン」。「エフゲニー・オネーギン」のプロットに基づいてオペラを書くことを決めるずっと前に、チャイコフスキーはプーシキンの詩に情熱を注ぐようになりました。この詩的な小説の中で彼のお気に入りの部分の 1 つは、オネーギンへのタチアナの手紙であり、作曲家はこの言葉に合わせて音楽を作曲することを夢見ていました。このオペラの初演は、作曲家の要請により、1879 年 3 月 17 日に N. ルービンシュタインの指揮の下、モスクワ音楽院の学生たちによって行われました。

チャイコフスキーは自分のオペラを「叙情的な場面」と呼びました。作曲家は、英雄たちの内面の精神的な世界を明らかにすることに全神経を集中させました。

オペラ「エフゲニー・オネーギン」は、ロシアのオペラ芸術の最高傑作の一つです。プーシキンの小説の真実のイメージは、登場人物が「実際に生きている人々」である「親密だが強力なドラマ」を作成するという問題を解決するのに役立ちました。日常的な写真を背景に、登場人物たちの個人的なドラマが展開されます。日常のさまざまな場面がオペラに特別な魅力を与えています。

「白鳥の湖」の革新性、つまりその異常さとそれまでのすべてとの相違点は、たとえ一度では完全に理解されなかったとしても、すぐに大衆と批評家の両方によって注目されましたが、時には啓発された音楽愛好家の間で当惑を引き起こしました。創造的な想像力の貧困、テーマとメロディーの単調さ、そしてある種の単調さで作曲家を非難する人もいました。他の人は、その音楽は美しい、実際、バレエには良すぎるとさえ考えました。それにもかかわらず、モスクワのボリショイ劇場でのバレエの初演（1877 年 2 月 20 日）は成功を収め、この公演は 1883 年までレパートリーに残りましたが、そのときこの作品の舞台は完全に荒廃してしまいました。

新しいバレエの創作が評価された最初のマスコミのレビューは、G.A. の作品でした。ラロシュ：「音楽に関して言えば、『白鳥の湖』は私がこれまでに聴いた中で最高のバレエです。メロディーは、もう一方よりもプラスチック的で、よりメロディアスで、より魅惑的で、宝庫から出てくるかのように流れ出ます。ダンスナンバーの間に広がるワルツのリズムは、これほど多彩で優雅で魅惑的なパターンで具体化されており、才能豊かで多才な作曲家がより輝かしい試練に耐えたというメロディックなイメージは決してありません...」

同時に、チャイコフスキーの作品では交響曲も重要な位置を占めています。彼は6つの交響曲とプログラム交響曲「マンフレッド」、ピアノとオーケストラのための3つの協奏曲、ヴァイオリンのための1つの協奏曲、および多数のオーケストラ組曲を作曲しました。交響的一楽章劇の中では、幻想曲「フランチェスカ・ダ・リミニ」やシェイクスピアのプロットに基づいたプログラム劇（序曲幻想曲「ロミオとジュリエット」、幻想曲「テンペスト」）が特に目立つ。

作曲家の創作的関心の範囲は異常に広い。彼の残した作品には、10 曲のオペラ (エフゲニー・オネーギン、オンディーヌ、鍛冶屋のヴァクラ、スペードの女王など)、3 つのバレエ (白鳥の湖、眠れる森の美女、くるみ割り人形)、7 つの交響曲、10 以上のオーケストラ作品、器楽コンサート、合唱団、ピアノ曲、室内楽、声楽作品。チャイコフスキーはあらゆる分野で革新者でしたが、決して改革者になろうとはしませんでした。作曲家は伝統的なジャンルを使用して、それらを更新する機会を見つけました。

チャイコフスキーは、「私の音楽が広まり、音楽を愛し、音楽に慰めや支援を見いだす人が増えることを、魂を込めて願っている」と書いている。。作曲家の願いが叶いました。

チャイコフスキーの作品は、19 世紀の世界音楽文化の頂点であり、20 世紀と同時代の作曲家たちが絶えずインスピレーションを得る、永遠に生き続ける貴重な泉です。

結論

19世紀はロシア音楽と世界音楽に素晴らしい作品をもたらしました。「ルスランとリュドミラ」「イワン・スサーニン」「エフゲニー・オネーギン」「白鳥の湖」はロシア文化の誇りです。ロシア音楽の黄金基金には、ボロディンの作品、バラキレフ、リムスキー＝コルサコフ、ボロディン、キュイのロマンス作品が含まれています。

ロシアの作曲家たちは海外旅行を始めた。そこで彼らは著名な音楽芸術の巨匠と交流し、最も重要なことにヨーロッパの音楽教育を受けました。ロシアはヨーロッパへの相互的な関心を呼び起こし、1世紀を通じて多くの優れた音楽家がモスクワとサンクトペテルブルクをツアーしました。ヨーロッパ文化への紹介は、ロシアの作曲家や演奏家の知的および専門的レベルを向上させただけでなく、彼らが国民音楽の伝統をより深く理解し、自分自身をより深く知るのにも役立ちました。

最近アメリカで一番好きなロシアの作曲家は誰ですか? もちろんチャイコフスキーも。多くのアメリカ人はピョートル・イリイチをアメリカの作曲家だとさえ考えています。ニューヨークの有名なカーネギーホールのオープニングに招待されたとき、彼はアメリカで作品を指揮していました。彼の音楽、特に交響曲第 4 番と第 6 番、ピアノ協奏曲第 1 番はアメリカのラジオでほぼ毎日聴かれています。アメリカで一番好きなバレエはくるみ割り人形です。

グリンカ、ダルゴミシスキー、ボロディン、リムスキー＝コルサコフ、チャイコフスキーといったクラシック作曲家たちの作品は、19世紀ロシア文化の真の宝物です。彼らの伝統は、19 世紀後半から 20 世紀初頭の作曲家、タネーエフとグラズノフ、リャドフとアレンスキー、カリニコフ、スクリャービン、ラフマニノフの作品に実装され発展しました。彼らは皆、偉大な先人たちの立派な後継者です。

私のコースワークでは、19世紀のロシアの音楽発展を示し、音楽文化の状況を分析し、その特徴を特定し、今世紀の作曲家とその作品について話し、さらに19世紀のロシア音楽の重要性を明らかにしました。世界文化の世紀。

19世紀のロシアの音楽文化は、ヨーロッパ文化との融合とその変容を経て、独自の特色を獲得し、大きな影響を与え始め、今日まで発展してきました。

参考文献

1. ソビエト大百科事典

2. Levashova O.、Keldysh Y. ロシア音楽の歴史 - M.、1980

世界の百科事典

スミルノワ E. ロシア音楽文学 - M.、2001

ニキティナ L.D. ロシア音楽の歴史 - M.、1999

ラパツカヤ LA ロシア音楽の歴史: 古代ルーシから「白銀の時代」まで - M.、2001

7.www.rimskykorsakov.ru

付録 1

グリレフ、ヴァルラモフ、アリャビエフ、ヴェルストフスキー

ヒョードル・イワノビッチ・グリンカ

スヴェトザールの衣装のスケッチ。オペラ「ルスランとリュドミラ」

付録 2

ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー

ボリショイ劇場俳優も参加したバレエ「くるみ割り人形」

家庭教師

トピックを勉強するのに助けが必要ですか?

私たちのスペシャリストが、あなたの興味のあるトピックについてアドバイスまたは個別指導サービスを提供します。
申請書を提出する相談が受けられるかどうかを調べるために、今のトピックを示します。

ロシア音楽芸術の伝統。 音楽の授業のテーマは「ロシア人の音楽的伝統」。 19世紀のロシアの作曲学校

家庭教師

パスワードの復元

ロシア音楽芸術の伝統。音楽の授業のテーマは「ロシア人の音楽的伝統」。 19世紀のロシアの作曲学校