Русская живопись 13 14 века. Русская живопись XIV века. Фреска Феофана Грека в церкви Спаса на Ильине улице в Новгороде

Ведущую роль в итальянской живописи 13 столетия играла византийская традиция. Италия представляла собой пестрый конгломерат культурных центров. Особую роль среди многочисленных местных школ играла Флоренция и вообще область Тоскана - города Пиза, Лукка, Сиена. Первые признаки Возрождения согласно Вазари появляются в конце 13 века вместе с двумя великими флорентинцами - Чимабуэ и Джотто, которые отбросили византийские приемы и возвратились к подлинным античным традициям. Живописная реформа Джотто оказалась источником плодотворных и творческих поисков художников 14 столетия. И хотя ни одному из них не удалось стать преемником синтетического стиля Джотто, все крупнейшие художники ведущих центров - сиенцы Симоне Мартини, Пьетро и Амброджо Лоренцетти, и северо-итальянские художники Пьетро да Римини и Джованни Милано - в своем творческом развитии идут путем намеченным Джотто. После фресок в церкви Сан-Франческо расположенной в Ассизи Чимабуэ становится самым крупным флорентийским живописцем 14 века. Его влияние на развитие тосканской живописи становится определяющим. Он повлиял и на сложение стиля ведущего сиенского художника того времени Дуччо.

В композиции «Богоматерь на троне в окружении ангелов» стиль Чимабуэ изменяется под влиянием работ скульптора Никколо Пизано, которые он мог видеть в Риме и особенно в Пизе. Художник стремится отойти от византийской манеры в сторону античного наследия. На смену жестокой трактовке форм приходит более нежная и гибкая, даже чувственная в изображении плоти. В изображении драпировок вместо золотых линий появляются пластичные, мощные складки, имитирующие скульптуру. Колорит становится более изысканным, с преобладанием голубых, розовых, сиреневых, бледно-желтых оттенков.

Фото картины Чимабуэ «Богоматерь на троне в окружении ангелов»

В истории европейского искусства живописи Джотто всегда считался первым, кто принес в живопись черты реализма. Направление в живописи, которое началось с Джотто, подразумевало объемную трактовку пространства как трехмерного и реального. На смену бесплотным телам в ирреальном пространстве в его живописи приходят плотные, объемные персонажи. Пластическая сила фигур, сдержанный драматизм и сила повествования, трехмерная трактовка архитектуры, предметы, изображенные в затейливых ракурсах, - все эти черты, характерные для знаменитых росписей Джотто в капелле де Арена, что в Падуе, отмечают решительность перелома в византийских традициях и предвосхищают поиски художников итальянского Кватроченто. Влияние Джотто, который, помимо Падуи, работал в Римини, Флоренции, Ассизи, Милане и Неаполе на современную итальянскую живопись было огромно.

В коленопреклоненной фигуре Святого Франциска («Святой Франциск, получающий стигматы») появляется то ощущение массы и скульптурного объема, которое отличает зрелые работы мастера.

картина Джотто ди Бондоне «Святой Франциск, получающий стигматы»

Флорентийский мастер Треченто Бернардо Дадди в известной мере воспринял традиции искусства Джотто и его мастерской, но сочетал их с изысканностью сиенской школы. В своих работах он своеобразно воплощает новаторские идеи заимствованные у Джотто и Пьетро Лоренцетти. Картина «Благовещение» как раз и свидетельствует о том, что художник не только наделен даром повествования, но и обогащает свои работы изысканными декоративными деталями.

картина Бернардо Дадди «Благовещение»

Джованни да Милано - один из самых выразительных итальянских художников Треченто. Будучи во Флоренции, он опирается на художественное видение Джотто. Его стилю присущ только реализм. Такие работы как «Святой Франциск Ассизский» отличаются элегантностью вытянутых пропорций, интимностью образа, острой физиономической характеристикой. Творчество Джованни ди Милано оказало заметное влияние на мастеров интернациональной готики, в Италии его преемниками были Джентиле да Фабриано, Мазолино, Сассетта.

Мастер Святого Франциска был родом из Умбрии. Начиная с 1340 годов, он принимал участие в украшении храма Сан Франческо в Ассизи, где его кисти принадлежат росписи в нижней базилике на сюжеты из жизни Христа и Святого Франциска. Архаичный, изысканно линейный стиль Мастера Святого Франциска свидетельствует о его приверженности византийской манере как, например, в картине «Распятие».

картина Мастера Святого Франциска «Распятие»

Симоне Мартини своими темами аристократической утонченностью определил своеобразие сиенской школы живописи вплоть до середины 15 го века. Кроме того, он сыграл особую роль в развитии готического вкуса в живописи, особенно благодаря поздним произведениям, созданным для папы Клемента V, перенесшего свою резиденцию в Авиньон. Приехав в Авиньон в 1340 году, Мартини приносит влияние сиенской школы на север Европы, прежде всего во Флоренцию. На протяжении последующих четырех лет художник работает над серией картин, в которых поиски готической абстракции смягчены тонким чувством реальности. Динамическая патетика пронизывает и всю композицию «Несение креста».

картина Симоне Мартини «Несение Креста», 1333, темпера на дереве, 28 см. x 16 см.

Липпо Мемми в 1324 году женился на сестре художника Симоне Мартини и тогда же стал его учеником. В своих работах, например «Святой Петр», он был рафинированным интерпретатором искусства учителя, с которым вместе работал над знаменитым алтарем со сценой Благовещения.

картина Липпо Мемми «Святой Петр», около 1330, 94 см. x 44 см.

Пьетро Лоренцетти подобно Мартини сформировался в кругу Дуччо в Сиене, однако позже обратился к искусству Джотто, сочетая в своей живописи сиенскую традицию и современную трактовку пространства. Знаменитая фреска Пьетро Лоренцетти Распятие в нижней церкви Сан-Франческо в Ассизи, поражающая мощной патетикой и трагизмом, оказала большое влияние на итальянское искусство того времени. Умение подчеркнуть объем, погруженный в пространство, соразмерное фигурам, отличает алтарные композиции Пьетро Лоренцетти, как его картине « Поклонение волхвов».

Творчество Амброджо Лоренцетти развивалось параллельно творчеству его старшего брата Пьетро. Несмотря на разные стилистические концепции, они интересовались поисками живописи флорентийской школы, рассматривая их с точки зрения сложившихся сиенских традиций. Образы восприятия мира становятся человечнее и современнее, а жесты фигур более правдивыми, словно увиденными в реальной жизни. В его картине «Милосердие Святого Николая Мирликийского» линейная элегантность присущая сиенской школе живописи, сочетается с флорентийским, восходящим к Джотто расположением объема в пространстве.

картина Лоренцо Монако «Пир Ирода»

Таким образом, в северо-итальянской живописи начиная со второй половины 14 века, формируются такие северо-итальянские качества или реалистичные принципы (так называемый «эмпирический реализм»), которые проявляются в обостренном внимании к разнообразию окружающего мира, к пейзажам и архитектурным фонам, интерьерам, животному и растительному миру, к изображению человека. Такие качества делают композиции итальянских художников, отличающиеся большей свободой и независимостью от общепринятой иконографической схемы, занимательными в своей сценической жанровой повествовательности, насыщенными интересными подробностями, свежими деталями, остро подмеченными ситуациями. Их работы воспринимаются как интересный увлекательный рассказ. Если им не хватает лаконизма и определенной ясности, то это восполнено острым чувством реальности. Ярче всего эта характерность восприятия мира мастерами - художниками Северной Италии проявляется в изображениях человека.

В то время как у художников треченто преобладает одинаковая, почти схематичная трактовка человеческого лица (один из воспринятых уроков Джотто), позволяющая говорить о «тречентистских стандартах», северо-итальянские художники смело разбивают эту принятую схему. Населяющие фрески люди более индивидуализированные, и поражают реалистической остротой и конкретикой портретно трактованных лиц.

От: Максименко В.,  40257 просмотров

- Присоединяйтесь! Ваше имя:

Комментарий:

1. Мозаики Софийского собора в Киеве (1030-е гг.) и из собо­ра Михайловского Златоверхого монастыря в Киеве (1112 г.).

2. Фрески Софийского собора в Киеве (XI в.), церкви Святого Георгия в Старой Ладоге (XII в.), собора Мирожского монастыря в Пскове (XII в.); собора Рождества Богородицы в Суздале (XIII в.),

3. Иконы: "Богоматерь Владимирская" (конец XI - начало XII вв., ГТГ); "Ярославская Оранта" или "Богоматерь Великая Панагия" (XII в., ГТГ); "Устюжское Благовещенье" (XII в., ГТГ); "Спас Не­рукотворный" (XII в., ГТГ); "Георгий (Поясной)" (XII в., ГММК); "Дмитрий Солунский (Сидящий на троне)" (XII в., ГТГ); "Богоматерь Умиление Белозерская" (XIII в., ГРМ); "Спас Златые Власы" в Ус­пенском соборе Московского Кремля, (XIII в., ГММК); "Иоанн (Еван), Георгий и Власий" (XIII в., ГРМ); "Ангел Златые Власы (Архангел Михаил)" (XII в., ГРМ); "Никола" (со святыми в медаль­онах) из Духова монастыря (XIII в., ГРМ); "Никола" (со святыми на полях) из Новодевичьего монастыря (XIII в., ГТГ); "Илья Пророк в пустыни в житии" (XIII в., ГТГ).

Живопись русских земель и княжеств XIV - XV вв.

Новгородские иконы: "Святой Георгий в житии" (конец XIII ­начало XIV вв., ГРМ); "Чудо Георгия о змии" (XV в., ГРМ); "Чудо о Флоре и Лавре" (конец XV в., ГТГ); "Битва суздальцев с новгород­цами" (XV-XVI вв., варианты в ГРМ и ГТГ); "Спас Нерукотворный" (начало XV в., ГММК) в Успенском соборе Московского Кремля.

Иконы Северо-Восточной Руси: "Борис и Глеб" (в рост, начало XIV в., ГРМ); "Борис и Глеб" (на конях, 1340-е гг., ГТГ); "Спас Ярое Око" и "Спас Оплечный" в Успенском соборе Московского Кремля (XIV в., ГММК).

Феофан Грек: фрески церкви Спаса на Ильине улице в Новгороде (1378 г.); двусторонняя икона "Богоматерь Донская" и "Успение Бо­гоматери" (около 1392 г., ГТГ).

Андрей Рублев: иконы Звенигородского чина "Спас", "Апостол Павел", "Архангел Михаил" (1410 г., ГТГ); икона "Троица" (нач. XV в., ГТГ).

Андрей Рублев и Даниил Черный: фрески "Шествие праведных в рай", "Страшный суд" в Успенском соборе во Владимире и иконы "Спас вседержитель", "Богоматерь", "Григорий Богослов", "Иоанн Предтеча", "Рождество Христово" - ГТГ; "Апостол Павел", "Срете­ние" - ГРМ (из того же собора, 1408 г.).

Живопись российского государства конца XV - XVII вв.

Иконостас Благовещенского собора Московского Кремля (XIV-­XVII вв.): иконы местного, деисусного, праздничного, пророческого, праотеческого чинов.

Дионисий: фрески собора Рождества Богородицы в Ферапонтовом монастыре (1500-1501 гг.); иконы "Митрополит Алексий с житием" (ГТГ) и "Митрополит Петр с житием" (ГММК, обе - начало XVI в.) из Успенского собора Московского Кремля, "Распятие" (1500 г., ГТГ) из Павлово-Обнорского монастыря, "Богоматерь Одигитрия бахромой украшенная" (рубеж XV-XVI вв., ГРМ).

Канонические, аллегорические, назидательные иконы XVI века: "Сошествие во Ад" (ГТГ), "Вход в Иерусалим" (ГММК), "Явление преподобному Сергию пресвятой Богородицы" (ГТГ), "Церковь Воинствующая" (ГТГ), "Четырехчастная" (ГММК), "Притча о слепце и хромце" (ГРМ).

"Строгановская школа" и "декоративный" стиль в иконописи конца XVI - XVII вв. Прокопий Чирин: "Никита Воин" (1593, ГТГ), "Дмитрий Солунский и Дмитрий царевич" (начало XVII в., Собрание П.Д.Корина).Истома Савин : "Петр Митрополит с житием" (рубеж XVI-XVII вв.).Назарий Савин : "Богоматерь Петровская" (около 1614 г., ГТГ).Никифор Савин : "Чудо Федора Тирона" (начало XVII в. ГРМ).Никита Павловец : "Богоматерь - Вертоград заключенный" (око­ло 1670 г., ГТГ). "Иоанн Предтеча - Ангел пустыни с житием" (ГТГ, рубеж XVII-XVIII вв.).

Симон Ушаков: иконы "Спас Нерукотворный" (1658 г., ГТГ), "Древо Московского государства - Похвала Богоматери Владимирской" (1668, ГТГ), "Троица" (1671 г., ГРМ), "Архангел Михаил, попирающий дьявола" (1676 г., ГТГ), книжные гравюры.

Монументальная живопись конца XV-XVII веков. Фрески алтарной преграды и Похвальского придела Успенского собора Московского Кремля (1480-е гг.).Артель Феодосия (сына Дионисия) : Фрески Благовещенского собора Московского Кремля (1506 г.). Росписи Смоленского собора Новодевичьего монастыря (около 1530 г.), церкви Троицы в Никитниках (1652-1653 гг.), Воскресенского собора в Тутаеве (1680 г.), храмов Ростовского кремля (1675-1680 гг.).Артель Гурия Никитина и Силы Савина : фрески церкви Ильи Пророка в Ярославле, соборов Спа­со-Ефимьева монастыря в Суздале и Данилова монастыря в Переслав­ле-Залесском (вторая половина 17 в.).Артель Федора Игнатьева и Дмитрия Григорьева-Плеханова : фрески церкви Иоанна Предтечи (1694-1695 гг.) в Ярославле.

Парсуны: "Иван IV" (конец XVI - начало XVII вв., Датский на­цио­нальный музей, Копенгаген), "М.В. Скопин-Шуйский" (около 1630 г., ГТГ), "Царь Федор Алексеевич" (1686 г., ГИМ).

В первые десятилетия после монголо-татарского нашествия возрождается живопись. В иконах и в миниатюрах рукописей Новгорода уже со 2-ой половины XIII в. определяются чисто местные черты, сложившиеся здесь в росписях XII в.: ясный образ не осложненный аллегориями, несколько элементарный крупный рисунок, декоративная яркость цвета. На исполненной Алексой Петровым храмовой иконе церкви Николы на Липне Николай чудотворец представлен как внимательный наставник и помощник людям. Округлые линии, нарядная орнаментация отразили воздействие декоративных тенденций народного творчества.

В городах Северо-восточной Руси, уцелевших от нашествия живопись долгое время развивалась на домонгольской основе. Художественные мастерские были сосредоточены на архиерейских и княжеских дворах, и их произведения имеют церковный, либо кастовый княжеский характер. Ростовские иконы XIII-XIV вв. характеризуются просвечивающимися красками, нежным и теплым колоритом. Большой популярностью пользовались житийные иконы, в которых ярко выражено литературное повествовательно начало. С Ярославлем связано несколько выдающихся икон и лицевых рукописей XIII-XIV вв. Торжественной красотой выделяется икона «Борис и Глеб», но место ее написание точно не установлено.

В 70-80-х годах XIII в. возникла тверская школа живописи. Росписи Спасо-Преображенского собора в Твери, исполненные местными мастерами, были первой попыткой обращения к монументальной живописи после татарского нашествия. Для не очень высоких по качеству тверских икон и рукописей характерны белесые высветления и декоративные сочетания белого, красного, голубого. Несколько позже тверской возникла московская школа, ранние памятники которой свидетельствуют о тесных ее связях с Ростовом и Ярославлем.

В XIV в. с началом широкого строительства каменных храмов возрождается фресковая живопись. Фрески собора Снетогорского монастыря близ Пскова по стилю еще близки к росписям Новгорода типа нередицких. Новгородские росписи 2-й половины XIV в. более свободны по характеру. Одни из них исполнены выходцами из Византии: фрески церквей Спаса на Ильине улице и Успения на Волотовом поле. Другие написаны южными славянами: фрески церквей Спаса на Ковалеве и Рождества на кладбище и церкви Михаила Архангела Сковородского монастыря.

Наиболее впечатляющи фрески церкви Спаса на Ильине улице, исполненные Феофаном Греком, а так же фрески Волотова, поразительные по одухотворенной патетике образов и артистизму. Росписи Феофана по их суровой выразительности, исключительной свободе композиции и письма не имеют себе равных не только на Руси, но и в Византии. Хорошо сохранились фрески угловой камеры на хорах: образы, воплощающие аскетические идеалы, отличаются психологической напряженностью, техника письма - динамикой и оригинальностью приемов, колорит предельной сдержанностью. Божество и святые предстают у Феофана в виде грозной силы, предназначенной управлять человеком и напоминать ему о подвигах во имя высшей идеи. Их темные лики с бегло положенными белыми бликами, по контрасту с которыми приобретают особую звучность разбеленные желтые, малиновые, синие тона одежд, оказывают на зрителя непосредственное и глубокое воздействие. Фрески церкви Федора Стратилата стилистически близки к росписям Спаса на Ильине улице. Возможно, что в их исполнении участвовали русские мастера, учившиеся у греков.

Фреска повлияла и на стиль новгородских икон XIV в., сделавшийся более свободным и живописным. Произведения Псковских иконописцев XIV в. выделяются смелой цветовой лепкой и необычным колоритом, основанным на сочетании оранжево-красных, зеленых, коричневых и желтых тонов. Сумрачная выразительность образов святых не псковских иконах обнаруживает их известную близость к работам Феофана Грека.

На севере в XIV в. сложилась вологодская школа живописи. Ее известный представитель - иконописец Дионисий Глушицкий. В вологодских иконах преобладают темные, несколько приглушенные тона. Стойкие на севере архаические традиции делают иконы северного письма XIV-XV вв. нередко похожими по стилю на памятники более раннего периода.

Расцвет новгородской живописи произошел в XV в. На новгородских иконах - специфический подбор святых: Илья, Василий, Флор и Лавр, Параскева Пятница, Анастасия, Никола, Георгий. Они ассоциировались в народном сознании с силами природы и были призваны охранять человека, его дом и хозяйство. Иконография обнаруживает следы воздействия языческих пережитков, фольклора, местных исторических событий, быта. Необычайная активность и известный демократизм общественной жизни Новгорода способствовали сложению в местной живописи особого идеала человека - решительного, энергичного, сильного. Новгородским иконам свойственны уверенный жестковатый рисунок, симметрические композиции, яркие холодные тона.

С конца XIV - начала XV вв. усиливается художественная роль Москвы. Здесь работали Феофан Грек, Прохор с Городца, Андрей Рублев, Даниил Черный. В иконостасе Благовещенского собора Московского Кремля, Феофан немного увеличил размеры икон Христа, богоматери и святых и достиг четкой выразительности силуэта («деисусный чин»). Этот чин имел большое значение для последующего развития русского высокого иконостаса. Созданная Феофаном в Москве школа стимулировала развитие местных мастеров, выработавших, однако, отличный от феофановского стиль. В 1408 году Андрей Рублев и Даниил Черный исполнили новую роспись Успенского собора во Владимире. Эти фрески в традиционных иконографических образах раскрывают глубокий духовный мир и мысли современников. Просветленные благожелательные лица апостолов, ведущих за собой народ, мягкие гармоничные тона живописи пронизаны чувством умиротворения. Написанные несколько позже Рублевым иконы звенигородского чина - чисто русская интерпретация темы деисуса. Образ благословляющего Христа полон внутренней силы и мудрого спокойствия. Рублев обладал редким даром воплощать в искусстве светлые стороны жизни и душевного состояния человека. В его работах не смену внутреннему смятению аскетической отрешенности образов Феофана приходят красота душевного равновесия и сила осознанной нравственной правоты.

Произведения Рублева, являясь вершиной московской школы живописи, выражают идеи более широкого, общенационального характера. В замечательной иконе «Троица», написанной для собора Троице-Сергиева монастыря, Рублев создал образы, далеко перерастающие узкие рамки разработанного им богословского сюжета, воплотив идеи любви и духовного единства. Фигуры ангелов, сидящих, склонив головы друг к другу в безмолвной беседе, образуют круг - символ вечности, а плавные, гармоничные линии навевают настроение светлой сосредоточенной задумчивости. Нежные, тонко согласованные тона, среди которых преобладают золотистый и звонкий голубой, внутренняя свобода точно найденной композиции с ее выразительным ритмом находятся в тесной взаимосвязи с глубоко человечным замыслом этого гениального произведения.

В последней трети XV в. начинает свою художественную деятельность Дионисий. В иконах и фресках Дионисия и его школы, создававшихся в период образования русского централизованного государства во главе с Москвой, возрастают известное единообразие приемов, внимание мастеров к художественной форме, черты праздничности и декоративности. Тонкий рисунок и изысканный колорит икон Дионисия, с сильно вытянутыми грациозными фигурами, полны нарядной торжественности. Но в психологическом плане его образы уступают Рублевским. Созданные Дионисием и его сыновьями Феодосием и Владимиром росписи собора Ферапонтова монастыря близ Кириллова отмечены особой мягкостью колорита, красотой подчиненных плоскости стены композиций с как бы скользящими изящными фигурами. Многочисленные работы Дионисия и художников его школы вызвали повсеместные раздражения им. В конце XV в. московские художники выезжают в Новгород, Псков, на Север, в города Поволжья, а лучшие мастера этих художественных центров выезжают для работы в Москву, где они знакомятся с творческими приемами столичных живописцев. Московское искусство постепенно нивелирует местные школы и подчиняет их общему образцу.

В XVI в. укрепление государства и церкви сопровождалось теоретической разработкой вопросов о царской власти, об отношении к ней церкви, о роли искусства в богослужении, о способах воплощения церковных сюжетов. Искусство под воздействием начетнической богословской литературы становится надуманно сложным, схоластически отвлеченным. Многочисленные умозрительные аллегории и символы нередко затемняют содержание и перегружают композицию. Письмо мельчает, стиль теряет монументальность и ясность. Несохранившаяся роспись Золотой палаты московского Кремля, исполненная на основе «Сказания о князьях Владимирских», наглядно иллюстрировала идею преемственности власти московских самодержцев. Написанная по случаю взятия Казани икона-картина «Церковь воинствующая», представляющая апофеоз Ивана Грозного, наполнена аллегориями и историческими параллелями. В такого рода произведениях политические, светские тенденции становились преобладающими. Еще сильнее эти тенденции выступали в миниатюре ряда рукописных книг. Крупнейшие книгописные мастерские находились в Новгороде, Москве и Троице-Сергиевой лавре. Фундаментальный «Лицевой свод» содержит около 16 тысяч миниатюр. Военные и жанровые сцены с почерпнутыми из жизни бытовыми деталями выполнены в графической манере и подцвечены акварелью. В них появляются многоплановые построения пространства, реальный пейзаж. Книгопечатание, первые опыты которого в 50-х гг. XVI в., положило начало русской гравюре. Иван Федоров нашел для нее художественное решение, независимое от иконной и миниатюрной живописи.

На рубеже XVI-XVI вв. в Москве формировались два течения в живописи, условно называемые по фамилиям их ревностных сторонников «годуновским» и «строгановским», первая из них тяготела к строгому стилю икон и монументальной росписи XV-XVI вв., но обнаруживала так же типичную для мастеров XVI в. любовь к царственной пышности, а при иллюстрировании псалтырей возрождало старую традицию оформления рукописей рисунками на полях. Строгановская школа культивировала мелкое, щегольски-утонченное письмо, сочетая краски с золотом и серебром; иконы писались для домашних молелен богатых феодалов - ценителей изощренного мастерства. Несколько изнеженная красота и беззащитная слабость святых в расцвеченных одеждах, фон со сложным фантастическим пейзажем характерны для работ мастеров этой школы - Емельяна Москвитина, Стефана Пахири, царских иконописцев Прокопия Чирина, семьи Савиных и др.

Расширился социальный контингент заказчиков. Наряду с царским двором, духовенством и боярами усиленное строительство и украшение каменных церквей и палат вели купцы и разбогатевшие посадские люди. Растет число художников, порой недостаточно профессионально подготовленных, что снижает общий уровень мастерства. Но среди выходцев из городских низов и государственных крестьян было немало людей с ярким дарованием, создавших росписи, иконы, миниатюры поражающие свежестью мировосприятия, свободой и разнообразием толкования сюжетов, смелостью технических приемов. Искусство демократизируется, становится более понятным и доступным, приближается к народному мироощущению. Известно много имен мастеров XVI в. - московских, ярославских, костромских, нижегородских, чаще всего работающих большими артелями: одни мастера намечали композиции на стенах церкви, другие писали лица, третьи - одежду и драпировки, четвертые архитектуру и ландшафты, пятые - орнаменты и т. д. Коллективное творчество вырабатывало четко выраженное единообразие. В иконописи 2-й половины XVI в. прослеживаются традиции строгановской школы. Автор иконы «Алексий, митрополит Московский» любовно расцвечивает и пышную ризу святого, и затейливые облака фона, и расстилающийся внизу пейзаж. В иконах, рассчитанных на восприятие издали, формы крупнее, линия энергичнее, силуэт выразительнее, колорит проще и глуше. Монументальная живопись развивается под заметным влиянием иконописи и западноевропейской гравюры. Умножаются сюжеты, сведенные к занимательному рассказу с бытовыми деталями, масштабы фигур уменьшаются, рисунок теряет былую лаконичную выразительность, индивидуальные образы вытесняются без конца повторяющимися типами.

В конце XVI в. центром художественной живописи становится Оружейная палата Московского Кремля, сильно влиявшая на русское искусство в целом. Ее живописцы были мастерами широчайшего диапазона: они выполняли стенные росписи, иконы и миниатюры, раскрашивали мебель и домашнюю утварь, писали царские портреты, оформляли церковные и светские праздники и т. д. И хотя частая смена занятий вырабатывала у мастеров шаблонные приемы, Оружейная палата поддерживала искусство на очень высоком профессиональном уровне. Здесь возникли первые в истории русского искусства специальные трактаты о живописи, написанные Иосифом Владимировым и Симоном Ушаковым, ставившие проблему жизненного правдоподобия иконных изображений. В живописи Ушаков главное внимание уделял светотеневой лепке формы, достигая мягкости переходов, объемности изображения, настойчиво добиваясь впечатления их реальности.

Стенопись ярославских и костромских иконописцев, работавших также в Москве, Ростове, Романове и Борисоглебской слободе, Вологде, Троице-Сергиевой лавре и других городах, отмечена неисчерпаемой фантазией, интересом окружающей действительности. Мастера умели придать занимательность и декоративность многофигурным, полным динамики многоцветным росписям, покрывающим стены и своды храмов живописным ковром. Ряд сцен слагается в повествовательные циклы со множеством тонко подмеченных бытовых деталей и с мотивами реальных пейзажей. Эти росписи, так же как иконы в ярославской церкви Ильи Пророка и несколько превосходных икон Семена Колмогородца, пронизаны оптимистическим мироощущением людей, еще робко, но радостно открывающих красоту земной жизни.

Господин Великий Новгород
В 12 веке Новгород освобождается от власти князя и становится феодальной республикой, возглавляемой верхами боярства и архиепископом.
Возводятся только небольшие крестовокупольные храмы с одной главой.
Внутреннее пространство упрощается.
Декоративное убранство минимальное: монолитный объем храма нарушают лишь лопатки, создающие строгий ритм; закомары украшены простым профилированным рельефом; верх барабана отмечен лаконичным аркатурным поясом.

Форма купола – шлемовидная.

«Эта всемирно известная церковь расположена на невысоком холме за речкой Спасовкой. С холма открывается вид на заливные луга Волхова, на саму реку, на озеро Ильмень. Отсюда прекрасно виден весь Новгород».
Купол тяготеет к луковичной форме.

Живопись

«В той же степени, как быт Флоренции или Венеции, весь быт Господина Великого Новгорода был радужно озарен живописью. Живописью, столь же лаконичной в своей графической точности, столь же ясной всем своим внутренним строем, столь же выразительной в каждой детали, как и новгородское зодчество ».

Высокая чистота и красота образа.
Сильны народные традиции.

12 – нач. 13 в. ГТГ.
В прекрасных лицах и фигурах отголоски киевско-византийских мозаик.

Спас Нерукотворный (лицо Христа, изображенное на плате). 12 в. ГТГ. Суровый лик с огромными глазами, написанный в оливково-желтой гамме, оживляется подрумянкой.
По-разному изогнутые брови придают лику выразительность, как кривизна линий новгородских храмов сообщает им пластическую выразительность.
«Образ иконы – образ триумфатора, энергия и сила которого позволяет нам понять, почему «Спас Нерукотворный» изображался на русских военных хоругвях ».

После ВОВ церковь была восстановлена из руин, но росписи погибли.
В образах святых с горящими глазами, грозно внушительных в своей неподвижности дышала некая первозданная мощь. Подлинно народная, даже крестьянская сила.

Выводы

Древнерусская архитектура периода феодальной раздробленности (12 – сер. 13 вв.) имела общие черты и местные особенности.
Общерусскими чертами архитектуры стали тенденции, зародившиеся в киевский период и получившие свое полное развитие в 12 – сер. 13 вв. – достижение выразительности через лаконичность и пропорциональную соразмерность простых архитектурных объемов.
Различия школ:
Владимиро-суздальская школа – вытянутые строгие пропорции и нарядность храмов, благодаря украшению декоративными деталями и каменным рельефом стен.
Новгородская школа – монолитный объем одноглавых небольших храмов, минимальное использование простого декора.

Живопись
Владимиро-суздальская и ярославская школы – византийская традиция обогащается народными чертами: подчеркнутая декоративность, укрупненность деталей, появляется человечность и простодушие образов.
Новгородская школа - образы святых становятся сильными и величественными, графичность и монументальность.

Новгородское искусство 13 – 14 веков

Новгород не знал того ужаса, каким монгольское нашествие явилось для городов Приднепровья, Владимиро-Суздальской земли и Рязанской. Новгород платил дань татаро-монголам. Общая беда, разорение, отразились и на нем.
Пока остальная Русь принимала на себя беспощадный удар с востока, Новгород 12:50 07.06.2010противостоял шведам и немецким «псам-рыцарям» (ливонский орден).
Конечно, это сковало творческие силы Новгорода, но он остался хранителем русской культурной традиции.

С конца 13 в. наблюдается некоторое оживление и новый расцвет новгородского зодчества.

В этом храме нашли свое завершение задачи, поставленные при строительстве церкви Николы на Липне:
Стремление к наибольшей монолитности и стройности общего архитектурного облика. Соразмерность главных объемов – самое основное в этом строении.
Для решения этих задач появляется новый тип покрытия.
Приближение здания церкви к общему характеру городской застройки. Трудно представить большее органическое единство архитектуры храма с исконной новгородской крепостью.

В 14 в. зодчие отказываются от строгой лаконичности и делают храмы подчеркнуто нарядными.
Покрытие эволюционирует в двускатное на фасадах.

Живопись Новгорода 13 в.

Приближение к русскому народному мироощущению.
Византийская иконография создала аскетичный облик Николая-чудотворца, несгибаемого ревнителя веры, сурового догматика, который вызывал трепет и благоговение у верующих.
А икона Алексея Петрова совершенно уникальна: «какой, ласковый вид у святого! Это добродушный дедушка, русский старичок, которому так подходят старые русские описания его образа: «…сед, брада невеличка, кручеват, взрыловат, плешат… в руце евангелие, благословляет». Милостивым и снисходительным представлялся русскому человеку той поры истинный святитель ».

Искусство Псковского княжества Зодчество Пскова до 14 века целиком относилось к новгородской школе.
В 14 – 15 вв. псковичи значительно чаще строили оборонительные сооружения, чем культовые.

«Вытянутая узкой полосой вдоль границ с Литвой и рыцарским Ливонским орденом псковская земля нуждалась в постоянном укреплении своих границ ».
Крупнейшей работой стало расширение укреплений самого Пскова. К 16 веку общее протяжение крепостных стен Пскова достигло девяти километров.

Псков. Церковь Вознесения Господня.

Живопись Новгорода

14 - 15 вв. В 70-х годах 14 в. в Новгороде появляется выходец из Константинополя – знаменитый Феофан Грек. Этот гениальный художник «настолько тесно сжился с русскими людьми и настолько крепко вошел в русское искусство, что его имя в такой же мере неотделимо от последнего, как имена Растрелли, Кваренги и Росси ».
Восторжествовавшая монашеская реакция, укрепление аскетизма и догматизма в Византии раздавили новый расцвет византийской живописи. Феофан нашел возможность с полнотой осуществить все свои творческие замыслы именно на Руси.
Новгородское свободолюбие во всем, даже в религиозных воззрениях создавала наиболее творческую среду.
У Феофана творческие поиски выразились в самой живописной манере – мощном и лаконичном художественном языке.

Христос – Пантократор.

Макарий Египетский.
Лица святых написаны размашисто, свободно. Белые блики легко и уверенно брошены поверх темного красно-коричневого тона.

В новгородской иконе этого времени нет связей со стилистикой фресок.
В 15 в. новгородское творчество развивалось без участия чужеземных мастеров, оно целиком отмечено самой яркой новгородской самобытностью.

Живопись Пскова

14 – 15 вв.

Икона Собор Богоматери. Кон. 14 – нач. 15 в. ГТГ. Дерево, темпера.
81 х 61
На сайте ГТГ очень хорошего качества.

Выводы

Искусство Новгорода времени татаро-монгольского ига
В архитектуре появляется:
- Новое понимание архитектурного силуэта – стремление к цельности.
- Новое понимание пространства - решение проблемы ансамбля храма и окружающих городских строений.

Живопись
Новгород 13 в. Приближение к русскому народному мироощущению, превалирование народных художественных традиций (декоративность).
Новгородская живопись 14 – 15 вв.:
Четкие иногда упрощенные формы. Контрастность, декоративность живописи: любовь к ярким локальным цветам. В иконах много красного, часто красный фон.

Псков
Псковское зодчество питалось достижениями крепостного строительства.
Новшеством в древнерусской архитектуре явилось то, что псковские зодчие сооружали на храмовых стенах звонницы, с которых велось наблюдение за продвижением врага.
Псковская живопись:
Письмо без белил. Коричневые лики, тонко прописанные (краска словно втерта в доску).

Ответ оставил Гость

ЖИВОПИСЬ РУСИ

Несмотря на некоторый упадок в развитии страны русская живопись к 14 - 15 веку достигла наивысшего расцвета. В современной литературе этот период оценивают как русское возрождение. В это время на Руси работает серия замечательных живописцев.
В конце 14 начале 15 века в Новгороде, Москве, Серпухове и Нижним Новгороде работал приехавший из Византии живописец Феофан Грек. Он великолепно соединил византийскую традицию и уже сформировавшиюся русскую. Иногда он работал с нарушением канонов. Его образы психологические, в его иконах передано духовное напряжение. Им была создана роспись храма Спаса на Ильене улице в Новгороде, вместе с Семеном Черным - росписи московской церкви Рождества Богородицы (1395) и Архангельского собора (1399).
Великим русским художником, творившем в этот период является Андрей Рублев. Он мастер лаконичной, но очень выразительной композиции. В его работах виден удивительный живописный калорит. А в его иконах и фресках чувствуется идеал нравственного совершенства. Одновременно умел передавать и тонкие душевные переживания персонажей. Он участвовал в росписи старого Благовещенского собора в Кремле (1405) вместе с Феофаном Греком и прохором из Городца, расписывал Успенский собор во Владимире (1408). Троицкий собор в Троице - Сергиевом монастыре и Спасский собор Андроникова монастыря (1420). Его кисти принадлежит щедевр мировой живописи - икона Троица.
В конце 15 века огромный вклад в развитие русской живописи внес выдающийся иконописец Дионисий. Он был великолепным калористом и очень сложным мастером. Вместе со своими сыновьями Феодосием и Владимиром а так же другими учениками, он создал фрески Успенского собора Кремля. К числу его творений относилась и знаменитая икона Спас в силах.
Одновременно функционирует и Новгородская иконописная школа. Она отличается яркостью красок и динамичностью композиции.
АРХИТЕКТУРА РУСИ

В 14-16 веке в связи с централизацией государства украшается Москва (при Иване Калите развивается каменное строительство) . При Дмитрие Донском впервые возведен белокаменный Кремль. Во время ига реставрируется серия старых русских храмов. Благодаря достройкам и перестройкам появляется тенденция к кристализации русского национального архитектурного стиля на основе синтеза традиций Киевской и Владимиро-Суздальской земли, что в будующем стало образцом для последующего строительства в конце 15 начале 16 века.
По совету Софьи Палеолог приглашались мастера из Италии. Цель этого - отобразить мощь и славу русского государства. Итальянец Аристотель Флораванти съездил во Владимир, осмотрел Успенский и Дмитриевский соборы. Он удачно сумел объединить традиции русского и итальянского зодчества. В 1479 году удачно завершил возведения главного храма русского государства - Успенского собора Кремля. Вслед за этим была построена гранитовая палата для приема иностранных посольств.
Обращение к национальным истокам особенно ярко выражалось в каменном зодчестве традиционно русского шатрового стиля, столь характерного для деревянной архитектуры Руси. Шедеврами шатрового стиля являлись церковь вознесения в селе Коломенском (1532) и Покровский собор на Кремлевской площади в Москве. То есть появляется собственный архитектурный стиль.