Rus müzik sanatının gelenekleri. Müzik dersi konusu "Rus halkının müzik gelenekleri." 19. yüzyılın Rus kompozisyon okulu

Aristoteles ayrıca müziğin yardımıyla kişinin oluşumunu belirli bir şekilde etkileyebileceğini ve müziğin ruhun ahlaki yönü üzerinde belirli bir etkiye sahip olabileceğini savundu. Büyük antik şifacı İbn Sina, melodiyi diyet, koku ve kahkahanın yanı sıra "tıbbi olmayan" bir tedavi yöntemi olarak adlandırdı.
MÖ 3. yüzyılda Part krallığında özel bir müzik ve tıp merkezi inşa edildi. Burada müzik melankoliyi ve duygusal sıkıntıyı tedavi etmek için kullanıldı.

Mısırlıların yerli ve askeri kutsal müzikleri vardı. Kutsal müzik konserleri için lir, arp ve flüt, festivaller için gitar, borular, kastanyetler kullanıldı; Askerler hizmetleri sırasında trompet, tef ve davul kullandılar.
Pisagor Mısır'da müzik eğitimi almış ve İtalya'da müziği bilimsel bir konu haline getirmiştir. İlahi müzik teorisi hakkında derinlemesine bilgi sahibi olan Pisagor, kürelerin uyumu bilimini kurdu ve müziği kesin bir bilim olarak kurdu. Pisagorluların öfke ve öfkeye karşı özel melodiler kullandıkları bilinmektedir. Matematik derslerini müzikle yürüttüler çünkü müziğin zeka üzerinde faydalı bir etkisi olduğunu fark ettiler.

Gençlerin ve genç yetişkinlerin müzik eğitimi ile ilgili günümüzün sorunları arasında öğretmenler, ışık sorunu, eğlenceli müzik ve bu müziğin genç nesillerin hayatında kapladığı yer sorunuyla ilgilenmektedir. Bu sorun nedir, çözmenin olası yolları nelerdir?

Gençlerin ve gençlerin hafif, eğlenceli, özellikle de dans müziğine olan ilgisi başlı başına o kadar doğal bir olgudur ki, bunu sorun haline getirmek, gençliği sorun haline getirmekle eşdeğerdir. Eğlenmeyi beceremeyen, dans etmeyi sevmeyen, ne muzip bir şakanın çekiciliğini, ne de lirik hüznün çekiciliğini anlamayan bir kız veya erkek çocuğu hayal etmek zordur!

Sosyolojik bir çalışmanın sonuçlarının analizi, gençlerin müzik kültürüyle tanışmasının kendiliğinden ve kontrolsüz bir şekilde gerçekleştiğini gösterdi. Müzik için bir özlem bulan gençler, çoğu zaman işin anlamını anlamadan, Batı rock müziğinin moda tarzlarını taklit ediyorlar. Sosyal düzensizlik, yani kültürel değerlerin, normların ve sosyal bağlantıların olmadığı bir toplum durumu ortaya çıkar.

Modern pop müziğin sesleri eşliğinde inekler uzanıp yemek yemeyi reddediyor, bitkiler daha hızlı kuruyor ve insanlar yaşam alanlarını kaotik titreşimlerle dolduruyor. Batılı doktorlar sözlüklerine yeni bir teşhis eklediler: “müzik bağımlısı”. İsviçreli bilim adamları, bir rock konserinden sonra, konsere katılan dinleyicilerin doğal uyaranlara normalden 3-5 kat daha kötü tepki verdiklerini kanıtladılar. Profesör B. Rauch, rock müzik dinlemenin, beyinde depolanan bilgilerin önemli bir bölümünü silen stres hormonlarının salınmasına neden olduğunu iddia ediyor. Bilim adamı R. Larsen liderliğindeki Amerikalı doktorlar, bas gitarın tekrarlayan ritminin ve düşük frekanslı titreşimlerinin beyin omurilik sıvısının durumunu ve bunun sonucunda hormon salgısını düzenleyen bezlerin işleyişini büyük ölçüde etkilediğini iddia ediyor; kandaki insülin seviyesi önemli ölçüde değişir.

T.E. Tyutyunnikova, modern dünyada çok çeşitli farklı müziklerin bulunduğunu, her birinin kendi yeri ve amacı olduğunu, kendi dinleyicileri ve icracıları, kendi öğretmenleri ve kendi pedagojisi olduğunu söylüyor. Sanatsal değeri evrensel olan yüksek bir müzik var - eserleri dağ zirveleri gibi görkemli, insan dünyasının üzerinde yükseliyor; ilkel bir tane var, fark etmeye zaman bulamadan ortadan kayboluyor. Son derece manevi ve aynı zamanda çok basit bir müzik var. Bu, doğası gereği temel olan en eski, birincil müzik unsurudur.

Toplumumuzun yaşamındaki mevcut durum, yirminci yüzyılın ikinci yarısının karakteristik özelliğinden önemli ölçüde farklıdır. Kültürün temelleri sarsıldı. İnsanların zihinlerinde, özellikle de büyürken istikrarlı bir ideolojik "eşlik" olmadan manevi ilkelerini kaybeden gençler arasında, değerlerin belirli bir yeniden değerlendirilmesi olmuştur.

Okul müzik çalışmasının en önemli yönü, genç öğrencileri yüksek müzikle bağımsız olarak tanışmaya ve müzikal kendi kendine eğitime hazırlamaktır. Müfredat dışı bir müzik grubunun lideri olan öğretmen-müzisyen, öğrencinin müzikle tanıştığı koşulları değiştirmesine, bu koşulları daha “insancıl”, insancıl hale getirmesine yardımcı olarak, müzik eğitiminin basitçe gerçekleşmeyeceği bir duruma katkıda bulunur. müzikle tanışma koşullarında etkili, "pratik" hümanizm deneyimi edinen ergenlerin manevi kültüründe faydalı içsel değişikliklerin oluşması.

8. sınıf öğrencileriyle yaptığım çalışmalarda şu varsayımdan yola çıkıyorum: Ergenleri eğitimleri sırasında müzikal olarak geliştirmek, onları müzikal kendi kendine eğitim ve kendi kendine eğitimle tanıştırmak için aşağıdaki ana görevleri çözmek gerekir:

1. müzik sanatının insan yaşamı ve toplumla bağlantısı hakkında ve ergenlerde akranlarının ve yetişkinlerin müzik yaşamına bağımsız katılıma hazır olma duygusunu geliştirmek için mevcut tüm sanatsal ve eğitimsel araçlarla ilgili olumlu fikirleri ortaya çıkarmak;
2. gençleri estetik açıdan gerekli, duyarlı ve kendi kendine eğitim faaliyetlerine uygun müzik bilgi ve becerileriyle donatmak;
3. manevi kültürün gelişiminde, insanlar arasındaki insani ilişkilerin tasarımında müzik sanatının yeri, önemi ve olanakları hakkında değer yargılarını oluşturur;
4. ergenlerde son derece sanatsal müzik örneklerine duygusal ve olumlu bir tepki uyandırmak, müzik eserlerinin estetik analizine yönelik arzularını geliştirmek, düşünceli, duygusal, zengin, tekrarlanan ve çok yönlü eğitim;
5. müzikal kendi kendine eğitim arzusunu uyandırın.

Sekizinci sınıf temasında çağdaş sanatta gelenek ve yenilik fikrinin üzerinden kırmızı bir iplik geçiyor. Gelenek ve yeniliğin sentezinin ikna edici bir örneği A. Rybnikov'un “Juno ve Avos” operasıdır. Bestecinin kendisinin dediği gibi "Modern opera", klasik müziğin derin geleneklerine dayanır ve modern müzik dilinin tüm yeni başarılarını kullanır.

Gelenekler arasında, bir opera performansındaki uvertürün rolünün kısa bir özet olarak yorumlanması, klasik türlerin (arya, resitatif, koro) kullanılması, operanın müzikal sahnelere bölünmesi (dua sahnesi, balo sahnesi) sayılabilir. ), leittheme sistemi (Leittheme of Fate, Love, Holy Virgin), polifonik geliştirme yöntemi - final.

Yenilik, klasik operanın, müzikallerin ve rock müziğin özelliklerini birleştiren opera türünün - rock operasının yorumlanmasında yatmaktadır.

Bir rock operasındaki müzikalden farkı nedir? .

1. Edebi birincil kaynaklara (A. Voznesensky) başvurarak olay örgüsünü Sıradanlıktan kurtarın.
2. "Sonsuz temaları" güncel sorunlarla iç içe geçirmek.
3. Romantik (Kont Rezanov ve Conchitta'nın aşkı) ile trajik olanın (rock, kader) iç içe geçmesi.
4. Modern ve klasik müziğin birleşimi (Rus kutsal müziği).
5. Müzik aktif bir karakterdir.
6. Müzik türlerinin şarkılara, baladlara (“Beyaz Kuşburnu Baladı”) basitleştirilmesi.
7. Koro - çevrenin bir özelliği olarak, bir karakter olarak - bir "dans korosu" - bunun sonucunda koro kısmı önemli ölçüde daha hafiftir.
8. "Bu arada" sanki günlük performansa yakın bir şarkı söyleme tarzı (ritmik yanlışlık, melodik yanlışlık - "melodiyi söylememek", hırıltı, çığlık).
9. Eğlence, görsellik, prodüksiyonun etkinliği.

Rock müzik operaya ne katıyor?

1. Ritmin baskın önemi.
2. Üstün ses doygunluğu.
3. “Müzik karşıtı” bir şarkı söyleme tarzına yol açan keskinlik, ifadenin çıplaklığı.
4. Orkestranın bileşimi elektronik müzik aletleri ve sentezleyicilerden oluşur.

Şimdi operanın figüratif yapısını inceleyelim.

Alexei Rybnikov'un rock operası “Juno ve Avos”ta iki kader var - iki görüntü. Kont Nikolai Petrovich Rezanov'un kaderi, göreve sadakati ve Anavatan'a hizmeti kişileştiren bir imajdır. San Francisco valisi Conchita'nın kızının kaderi, sadık bir sevgilinin parlak bir imajıdır. Temaları, geleneksel olarak "kısa özet" olarak adlandırılabilecek, Conchita ve Rezanov'un kaderlerinin bir tahmini olan kısa ve öz bir uvertürde benzersiz bir şekilde sunuluyor. Görüntüler sesi tasvir eden tonlamalardan örülmüş: Geminin zilinin vuruşları, Rus Anavatanının şerefi için ölen Kont Rezanov'un ölümü için cenaze çanının çalmasını simgeliyor; inleme, uluma, ağlama sesi - sonsuz gözyaşları ve Conchita'nın beklentisi.

Ana karakterlerin kaderine ilişkin imgelerin gelişimi “Deniz Subaylarının Romantizmi” nde (A. Voznesensky'nin “Saga” şiiri) devam ediyor. Romantizmin nakaratı iki cümledir: "Seni asla unutmayacağım, seni asla görmeyeceğim." Romantizmdeki bu ifadelerin değiştirilmesine dikkat etmeye değer:

Beni asla unutmayacaksın
Beni Asla Görmeyeceksin (Conchitta)

seni asla unutmayacağım

Geri dönmek kötü bir alamettir.
Seni asla görmeyeceğim (Rezanov)

seni asla unutmayacağım
Seni Asla Görmeyeceğim (Conchitta)

3. ve 4. ayetler anlamsal doruk noktasıdır - ölüm, sayının sevgilisini görmesini engelleyecektir, 35 yıl boyunca sayımı bekleyecek, ardından sessizlik yemini edecek ve bir manastıra gidecek. Veda sahnesinde nakarat bölündüğü için bu fikir kulağa kesin geliyor:

Kont: Seni asla göremeyeceğim.

Conchitta: Seni asla unutmayacağım.

Ancak N.P. Rezanov'un kaderinde, ona "Kazan Tanrının Annesinin bakışı" tarafından aşılanan gizemli bir önsezi var. Dua sahnesinde şu sözler var:

Korkunç bir hezeyan beni dünyanın dört bir yanına sürüklüyor.
Ergenliğimden beri kalbim hasta
Gözlerin bana düştüğünde
Kazan Tanrısının Annesi!
Onda Yüce Bakire'yi değil,
Ve kiraz gözlü bir kadın.
Onu korumak, kurtarmak istedim!

Operanın önemli bir teması insan ve Anavatan'dır: göreve sadakat, Anavatan'a dürüst hizmet. Bu konu alışılmadık derecede güncel ve modern: Rodina kaç sadık oğlunu "dışlanmış", "savurgan oğullar" olarak görüyor, kaç tanesi "kayıp planları" olarak kaldı! A. Solzhenitsyn, A. Sakharov, A. Galich, V. Vysotsky, A. Tarkovsky, Afgan beyleri...

A. Rybnikov'un rock operası “Juno ve Avos”un içeriğinin hızlı bir analizi, eserin ana temalarını tanımanıza olanak tanıyan bir dizi parça seçeneği önermektedir.

Kader Teması: Uvertür, deniz subaylarının romantizmi, veda sahnesi.

Aşkın teması: balo sahnesi (tanıdık), “bekleme”, sonsöz “Şükürler olsun”.

Operanın çok yönlülüğü diğer sanat eserleriyle ilişkileri çağrıştırıyor.

Müzik: S. Rachmaninov “Tüm Gece Nöbeti”; P. Çaykovski'nin Fantazi Uvertürü “Romeo ve Juliet”, E. Grieg “Solveig'in Şarkısı”; J. S. Bach - Marcello “Clavier Konçertosu” Re minör, 2. hareket.

Edebiyat: R. Burns'ün Aşk Şiirleri; V. Vysotsky "Aşk Baladı".

Güzel sanatlar: Rus ikon resmi (Hanımımız ve Çocuğumuz, “Tanrı'nın Kazan Annesi”), K. Vasiliev “Bekliyor”.

Öğrenciler Rybnikov'un rock operası "Juno ve Avos"a yönelik anlayış ve tutumlarını ödevlerinde ifade edebileceklerdir: ilgi ve bağlılıklarına göre konularını seçecekleri bir makale veya çizim. Ev ödevi, yaşam konumunuzu, duygularınızın derinliğini ve düşüncelerin ciddiyetini belirlemede bir tür test haline gelebilir. V.A. Sukhomlinsky şunları söyledi: “Müzik güçlü bir düşünce kaynağıdır. Müzik eğitimi olmadan bir çocuğun zihinsel gelişiminin tam anlamıyla gerçekleşmesi mümkün değildir.”

Tüm düşüncelerim ve çabalarım, müziğin en önemli manevi ihtiyaç haline gelmesi, modern bir genç adamın yeni bir hayatın yaratıcısı, düşünürü, aktif yaratıcısı olması için yaratıcı düşünen müzikseverler yetiştirmeye yöneliktir.

Edebiyat:

1. Amonashvili Sh.A. İnsancıl pedagoji üzerine düşünceler. M., 1996.
2. Amonashvili Sh.A. İnsancıl pedagoji antolojisi. Kabalevsky. M., 2005.
3. Bezborodova L.A., Aliev Yu.B. Eğitim kurumlarında müzik öğretme yöntemleri. M., "Akademi", 2002.
4. Kabalevsky D.B. Aklın ve kalbin eğitimi. M., “Aydınlanma”, 1981.
5. Sukhomlinsky V.A. Çocuklara kalbimi veriyorum. Minsk, “Narodna Osveta”, 1981.
6. Tyutyunnikova T.E. Müzik bilimsel bir disiplin değildir. //İlkokul. Sayı 1, 2000., s.79.

Tarihsel gelişimin özellikleri

17. yüzyıl, Rus devleti tarihinin gelişiminde en önemli aşamalardan biri olarak öne çıkıyor. 17. yüzyılda Rus sosyal yaşamında ve kültüründe büyük değişim ve dönüşümler yaşanıyor. Bu dönüşümler, Orta Çağ Rus'unun gelişiminin sona ermesi ve Batı Avrupa kültürüyle ilişkili yeni bir dönemin başlamasından kaynaklandı; bu, iki farklı düşünce sisteminin çatışmasına ve ardından gelen çatışmalara yol açtı. Değişiklikler 17. yüzyılda Rusya'da kültür ve sanat da dahil olmak üzere yaşamın her yönünü etkiledi. 17. yüzyılda Rus kültürünün gelişim yolu. Batı Avrupa ile yolları kesişti. Orta Çağ boyunca 17. yüzyılın ikinci yarısına kadar izole bir şekilde gelişen Rus sanatında, Batı Avrupa sanatının yeni biçimleri ortaya çıktı. Rus yaşamının biçimi yavaş yavaş değişiyor.

17. yüzyılda tarihsel gelişim süreçleri. sosyal çatışmalarla karakterize edilir. 17. yüzyılın ortalarında. Rus devleti güçleniyor ve genişliyor, ancak aynı zamanda köylülerin köleleştirilmesi de yavaş yavaş gerçekleşiyor ve bunun sonucunda uzun yıllar Rus köylülüğüne ağır bir yük getiren serflik kuruluyor. Bu hoşnutsuzluğa, isyanlara ve köylü savaşlarına neden oldu.

XVII yüzyıl Rus tarihinin en dramatik sayfalarından biri oldu. Başlangıcına, olumsuz dış politika olayları eşlik etti 1 - "sıkıntılar zamanı" - ülkeyi mahveden sürekli savaşların eşlik ettiği yıllar süren zor zamanlar. Açlık ve mahsul kıtlığı, iç çelişkiler, şehirli alt sınıfların ayaklanmaları, Ivan Bolotnikov'un (1606) önderlik ettiği köylü savaşı ve Polonya müdahalesine karşı mücadele, yüzyılın başındaki durumu karakterize ediyor.

Rus Kilisesi'nin bölünmesi ve Eski İnananların hareketi, Stepan Razin liderliğindeki köylü savaşı ve Streltsy isyanlarının damgasını vurduğu 17. yüzyılın ikinci yarısıyla daha az dramatik olaylar ilişkilendirilmiyor.

Peter I'in reformları, Rus yaşamının olağan biçiminde büyük değişiklikler getirdi. Başarılı savaşlar Rus devletini güçlendirdi, Rus halkının ulusal öz farkındalığının artmasına katkıda bulundu ve 17. yüzyılın ortalarına öncülük etti. Rusya'nın gücünü güçlendirmek. Şu anda Rusya, Ukrayna'yı, Volga bölgesini, Sibirya'nın önemli bir bölümünü ve Uzak Doğu'yu içeriyordu. 17. yüzyılın birçok olayı. halk sanatına, tarihi şarkılara yansıdı - köylü lideri Stepan Razin'in anısına bestelenen özgür adamların şarkıları, birçok şarkı Ermak, Grishka Otrepyev ve öldürülen Tsarevich Dimitri, Peter I hakkındaydı.

Rusya XVII. yüzyıl uzun savaşlar, yıkımlar ve ciddi hükümet dönüşümleri yaşadı. Şu anda her yerde benzer bir durum gelişiyor. 17. yüzyılda Karşı reforma karşı mücadele sürüyor ve birçok Avrupa ülkesinde ulusal kurtuluş mücadelesinde bir halk hareketi büyüyor. Ukrayna'da özel bir kapsam kazandı ve 1654'te Ukrayna'nın Rusya ile yeniden birleşmesiyle sona erdi.

17. yüzyılda müzik hayatı

Bu zamanın müzik hayatı çok yönlü ve çelişkilidir. İçinde yeni ve eski fenomenler, ortaçağ dogmatik fikirleriyle yeni Avrupa fikirleri iç içe geçiyor ve mücadele ediyor. Böylece, 1648'de Çar Alexei Mihayloviç, soytarıların sınır dışı edilmesine ve hatta müzik aletlerinin imha edilmesine ilişkin bir kararname yayınladı: "Servet gemilerini yakın!" (Bu tür talimatlar, Orta Çağ'ın derinliklerinde bile prensler tarafından verilmemişti.) Ancak kısa süre sonra, aynı Alexei Mihayloviç'in emriyle, Moskova'da dört yıl (1672-1676) var olan ilk mahkeme tiyatrosu açıldı.

Müzik aletleri Batı'dan Rusya'ya getiriliyor. Sadece sarayda değil, boyarlar da “Alman tarzı” müzik çalmaya başladı; aydınlanmış Batılılar orglara, klavikordlara, flütlere ve çellolara sahip olmaya başladı. 17. yüzyılda Muskovit Rus'ta, ev müziği çalmanın kült olmayan biçimleri - mezmurlar ve ilahiler - gelişmeye başladı.

17. yüzyılın başından itibaren. Rus şarkıcıların yaratıcılığı yoğunlaşıyor, yerel geleneğin birçok orijinal ilahisi ve ilahisi ortaya çıkıyor, kuzey melodileri yayılıyor: Solovetsky, Tikhvin, Novgorod, Usolsky ve güney melodileri - Kiev, Bulgarca, Yunanca. 17. yüzyılda daha da gelişme. Önce Ivan Shaidur ve ardından Alexander Mezents tarafından gerçekleştirilen reformlara yol açan znamenny notasyonu teorisini bulur. Her ikisi de işaretlerin perde seviyesini açıklığa kavuşturmak için çalıştı: Shaidur zinober işaretlerini tanıttı, Mezenets ise zamanımızda Znamenny notasyonunun şifresini çözmeyi mümkün kılan işaretleri tanıttı.

17. yüzyıl müziğinin tarihi. iki yarıya bölünmüş; ilki hala Orta Çağ gelenekleriyle ilişkilidir, ancak şu anda zamanın yeni ruhuna karşılık gelen unsurlar halihazırda tanıtılmaktadır. 17. yüzyılın ikinci yarısından itibaren. (Ukraynalı şarkıcıların 1652'de Moskova'ya gelişiyle), Rus müziğinin gelişiminde, beş doğrusal (Kiev) notasyonun ve armonik Avrupa tipi çoksesliliğin ortaya çıkışıyla işaretlenen yeni bir aşama başladı.

17. yüzyılın ikinci yarısında. Rus müzisyenler, teori ve pratiği, kompozisyon teknikleri ve yeni müzik türleriyle Batı Avrupa müzik kültürüyle tanışıyor. Hararetli tartışmalarda yeni bir sanat estetiği oluşuyor. Eski ve yeni sanatın taraftarlarının polemik incelemeleri doğuyor.

Yeni bir tarzın oluşumu kilise müziği çerçevesinde gerçekleşti. Açıklamasının doğrudan Patrik Nikon'un reformlarıyla ilgili olduğu ortaya çıktı. Eski ritüellerin destekçileri için yeni Batı tarzı sanat yabancı, yabancı bir kültürdü; orijinal eski Rus kanonuyla çelişiyordu.

17. yüzyıl bir dönüm noktasıdır; tüm dönüm noktaları gibi bu da çatışmalarla dolu. 17. yüzyılda sanatın yeni estetiği. eskisiyle tezat oluşturuyordu. Bu çatışma sanatta ve hatta dilde ifade edilir. Eskinin destekçileri (Eski İnananlar, Eski İnananlar) ile yeni ayinin destekçileri arasındaki çatışmanın temelinde teolojik, dilsel, dilsel sorunlar - Patrik Nikon döneminde yapılan kutsal kitapların yeni çevirileriyle ilgili tartışmalar - yatıyordu. Onlara eski ve yeni sanatın çatışmasından kaynaklanan bir çatışma eşlik etti. Eski idealleri onaylayan eski ayinin savunucuları, Partes müziğinde ideolojik düşmanın - Katolikliğin - Katolik etkisinin yayıldığını gördüler 2. Yeni sanatın destekçileri yeni bir estetik standardı onaylıyor. Batı sanatı, 17. yüzyılın sonlarında Rus müzisyenler için de bir referans noktası haline geldi. Batı farklı şekillerde algılanmaya başlıyor: Yeni sanatın savunucuları için (N. Diletsky, I. Korenev, S. Polotsky, I. Vladimirov) Batı kültürü standart haline geliyor. En iyi Batı örneklerini kullanmaya, tekrar etmeye, kopyalamaya çalışıyorlar. Eski kültürün destekçileri, "eski dindarlığın bağnazları" için Batılı olan her şey yabancıdır, bir inkar ve reddedilme nesnesi haline gelir (Başrahip Avvakum, Alexander Mezenets, vb.).

Barok tarzın ilkeleri Batılı müzisyenlerin ve teorisyenlerin estetik ve inanç sisteminde geliştirilmiştir. Rakiplerini cehalete mahkum eden, Znamenny şarkısını, teorisini ve notasyonunu reddeden Diletsky ve Korenev, yeni bir değer kılavuzunu onaylıyor. Ortaçağa kıyasla temelde yeni olan, hem enstrümantal hem de vokal müzikle ilgili olarak eşit şekilde kullanılan müzik (musicia) kavramıydı. Diletsky ve Korenev, orgun müzisyenlerin, özellikle de bestecilerin eğitiminde kullanılması gerektiğinin farkındalar.

Bu kültürlerin karşıtlığı ve açık çatışması, kısa süre sonra uzlaşmaz bir çatışmaya neden oldu. Eski İnananlara yansıyan dönemin bu çatışması, 17. yüzyılın ikinci yarısının tüm Rus kültürünü sarstı. Bunda meydana gelen kırılma, müzikte olduğu gibi edebiyatta, güzel sanatlarda, ayinlerde ve yaşam tarzında da kendini gösterdi.

Yeni müzik, yeni bir dini bilincin simgesiydi, ancak mücadele yalnızca ideoloji ve teolojik tartışmalar alanında gerçekleşmedi, aynı zamanda sanatsal yaratıcılıkta, müzikal polemiklerde de önemli ölçüde ifade edildi. Partes müziği Batı, Katolik kültürüyle ilişkilendirildi. “Moskova'da Latince ilahi şarkı söylemek yerine şarkı söylüyorlar ve kanunları ve düzenlemeleri Latince: Latin öğrenciler arasında orglar üzerinde alışılageldiği gibi ellerini sallıyorlar, başlarını sallıyorlar ve ayaklarını çiğniyorlar” 3 - bu Başpiskopos Avvakum, 17. yüzyılda Moskova kiliselerinde yayılan yeni Latin, Batı tarzı şarkı söylemeyi bu şekilde kınadı. "Dinlenecek bir şey yok - soytarı dansçıları Latince şarkı söylüyor" diye şikayet ediyor 4 .

Eski zamanların kültürünü koruma ve muhafaza etme arzusu, genellikle 17. yüzyılın muhafazakar ve koruyucu eğilimlere bağlı birçok şahsiyetinin karakteristik özelliğiydi. D. S. Likhachev bu tür bir “restorasyon” faaliyetinde yeni bir zamanın işareti görüyor. Bu tür "restorasyon" olgusu aynı zamanda ABC'lerdeki znamenny notasyon işaretlerinin yeni sistemleştirilmesini de içerir. Örneğin, Yaşlı Mezenets'in “Uyumlu İşaretler Bildirisinde” sadece işaretler tanıtılmakla kalmadı, aynı zamanda kancaların okunmasını kolaylaştıran işaretler de eklendi. Kitapları düzeltmek ve "konuşma için" metinleri söylemek ve çokseslilikle mücadele etmek de aynı tür olgulara aittir.

17. yüzyıl Rus sanatının gelişiminin özellikleri. ve tam olarak kültürün diyalojik gelişiminde yatmaktadır. Eski ölmeden yeniyle bir arada var olur. Sanatsal ve tarihi süreçlerin istikrara kavuşmasıyla birlikte iki yolda gelişmeye devam ediyor: Biri, Avrupa sanat tarzlarının gelişimiyle eşzamanlı olarak ilerleyen Batı Avrupa kültürüyle geniş temasların yolu, diğeri ise antik sanatın korunması yolu. Sanatlarını ve eski geleneklerini dış etkenlerden koruyan Eski İnanan topluluklardaki gelenek, üç asır boyunca etkisini göstermektedir 5 . Bu dönemde kendilerini istisnai bir konumda buldular, eski inancın ve eski kültürün taşıyıcıları olarak, hızla gelişen yeni sanatla çevrelenmişler, antik çağın koruyucularıydılar.

17. yüzyılın ikinci yarısındaki durum. 11. yüzyılın durumuna yakın. Tıpkı 10-11. yüzyıllarda Kiev Rus'unda olduğu gibi. 17. yüzyılda pagan ve Bizans olmak üzere iki farklı kültür çarpıştı. eski Rus ortaçağ kültürü Batı Avrupa kültürüyle çatışıyor. 17. yüzyılda bu iki kültürün çelişkileri ortaya çıkıyor, "eski" ve "yeni" bir karşıtlık ortaya çıkıyor. “Eski” ile ilişkilendirilen antik, yüzyıllarca kutsanmış ortaçağ kanonik müzik geleneğidir; “yeni” ile ise Barok tarzı, Batı tipinin kısmi çoksesliliği vardır. Eski ikon resmi gibi eski monodik, znamenny şarkı söyleme - görünüşte düz, tek boyutlu, Barok'un hacimsel, çok sesli sanatıyla tezat oluşturuyordu. Yeni bir alan hissi yaratır. Gür, çok katmanlı, havadar dokusu, Barok çağın tüm sanat türlerine özgü bir hareket duygusu taşıyor.

17. yüzyılda yaşanan tüm şokların ve değişimlerin etkisi altında. Ortaçağ dünya görüşünün temelleri sarsılmaya başlıyor. Eski ve yeni sanat taraftarları arasındaki polemiklerde yavaş yavaş yeni bir estetik şekilleniyor. Bir üslup yönünün diğeriyle değiştirilmesi, dünya görüşündeki ciddi bir yeniden yapılanmanın neden olduğu yoğun bir mücadele içinde gerçekleşti. Orta Çağ sanatından Barok sanatına geçiş, seküler prensibin güçlenmesi, yeni müzik türlerinin ve formlarının aktif gelişimi ve yeni bir müzikal düşünce türüyle ilişkilendirildi.

Barok dönemde (17. yüzyılın ortalarından 18. yüzyılın ortalarına kadar) Rus çok sesli müziğinin gelişim yolu, hızıyla dikkat çekicidir. Batı sanatının 700 yılda ustalaştığı şeyi Rusya yüz yılda başardı. Rusya'da Batı Avrupa Barok gelenekleri hemen aşılanıyor, ancak Rus versiyonunda. Genç, enerjik, taze Barok sanatı güzelliği, zenginliği ve canlı renkleriyle büyülüyor. Önce Ukrayna'da, ardından Muskovit Rusya'sında yayılan çok sesli konserler, eşi benzeri görülmemiş bir görkemle dinleyicileri büyüledi.

17. yüzyılın sonları - 18. yüzyılın ilk yarısının Barok sanatı. partes konserlerinin (Latince partis - partiden) ortaya çıkmasıyla ilişkilidir, bu adın verilmesinin nedeni, tek sesli Rus şarkılarının aksine, parçalar halinde söylenmeleridir. Rusya'daki Barok dönem, çoksesliliğin hızla gelişmesiyle ilişkilendirildi. Yaklaşık 700 yıl süren bu kadar uzun bir monodi saltanatının ardından çoksesliliğin hakim olduğu bir dönem başlıyor. 4, 8, 12 - 48'e kadar sesli partes polifonik kompozisyonlar yaratılıyor ve 12 sesli çalışmalar norm haline geliyor. Harmonik ve çok sesli yazı teknikleri geliştirilmektedir. 17. yüzyılın ortalarından itibaren. Barok döneme karşılık gelen, eski ilahilerin, orijinal bestelerin, ilahilerin, mezmurların ve konserlerin partes uyumlaştırmalarında somutlaşan yeni bir partes şarkı söyleme tarzı oluşturuluyor.

Moskova Rusya'sına Ukrayna'dan getirilen konser şarkıcılığı Avrupa kültürünün bir ürünüydü. Almanya ve İtalya'dan Polonya üzerinden Ukrayna'ya ve ardından Moskova'ya nüfuz ediyor. Bu yol, sanatta pek çok Batı etkisinin Rusya'ya çoğunlukla Polonya'dan Ukrayna üzerinden geldiği 17. yüzyıldaki o dönem için doğaldı.

Muskovit Rusya'sında güneybatı etkisi

17. yüzyılın ortalarında. Rusya'nın Batı Avrupa ile doğrudan bağları önemli ölçüde güçlenmiştir,6 ancak Ukrayna'nın Rusya'ya ilhak edilmesinden bu yana (1654'te) yoğunlaşan Ukrayna-Belarus aydınlanmasının etkisinin bu dönemde özellikle önemli olduğu ortaya çıkmıştır. Ukrayna'nın Rusya ile birleşmesi Rus kültürünün dönüşümüne katkıda bulundu. Polonya-Litvanya Topluluğu'nun bir parçası olan Ukrayna, Katolik Polonya kültürünün birçok özelliğine hakim olmuştur. 17. yüzyılın başında. Ukrayna'da, Polonya kültürünün etkisi altında, Batı Avrupa etkisiyle, özellikle de İtalyan etkisiyle doğrudan ilişkili yeni sanatsal düşünce biçimleri oluşuyor. 17. yüzyılın ortalarından itibaren Ukraynalı müzisyenler aracılığıyla Polonya kültürü. Moskova Rus kültürünü aktif olarak etkilemeye başlar.

17. yüzyılın ortalarında. Ukraynalı ve Belaruslu bilim adamları, şarkıcılar ve yazarlar Moskova'ya taşınıyor. Bunlar arasında Ukraynalı filolog, çevirmen, öğretmen ve sözlük yazarı Epifaniy Slavinetsky ile Moskova sarayında kraliyet çocuklarının öğretmeni olarak önemli bir konuma sahip olan Belaruslu şair ve oyun yazarı Polotsk'lu Simeon da vardı.

Bu eğitimcilerin faaliyetleri sayesinde yeni eğitim kurumları açılıyor - okullar, kolejler 7. Bu kurumlardan biri de filolojiye, dillere ve şiire büyük önem verilen bir yüksek öğretim kurumu olarak hizmet veren Slav-Yunan-Latin Akademisi (1687) idi. En büyük kültür merkezi Patrik Nikon'un kurduğu Diriliş Yeni Kudüs Manastırıydı. Yu.V. Keldysh'in belirttiği gibi, bu manastırın rolü çok önemliydi; burada "şiir ve kilise şarkılarında yeni eğilimler, yeni müzik ve şiir türleri ortaya çıktı ve destek buldu" 8.

Ukrayna'da şarkı söylemeye her zaman ana yer verilmiştir. 16. ve 17. yüzyıllarda Ukrayna halkı doğası gereği çok müzikaldi. Ortodoksluk ile Katoliklik arasındaki mücadelenin kolaylaştırdığı şarkı söyleme becerilerini hızla geliştirdi. Ukrayna müziği Polonya müzik kültüründen büyük ölçüde etkilenmiştir. 1596 tarihli 9. Birlik, Latince şarkı söyleyenlerin koroya girmesini kolaylaştırdı. Bunun özellikle Ukrayna'nın güneybatı kesiminde güçlü bir etkisi oldu; burada Polonya'nın siyasi hakimiyeti, Uniates'in Roma'ya dini bağımlılığı ve Polonya ile kültürel bağları Batı Avrupa müziğinin yayılmasına yol açtı.

Polonya etkisinin nüfuzu, Katolik etkisiyle ve birbirleriyle rekabet eden çok sayıda güney Rus kardeşliği tarafından büyük ölçüde kolaylaştırıldı. Polonya Katolik etkisine karşı mücadele, Ukraynalı şarkıcıları yeni şarkı söylemeyi öğrenmeye ve rakiplerinin silahlarını kullanmaya zorladı. Örneğin 16. yüzyılın ortalarında Lviv kardeşliğinin kurulduğu biliniyor. Yunanca ve Sırp ilahilerini öğrenmek için Moldova'ya katipler gönderdi ve Galiçya şehirleri, Romanya'daki kilise şarkılarını öğrenmek için katipler gönderdi.

Çok sesli "organ-vokal" şarkı söylemek, yani bir org sesini taklit etmek, şarkı söylemek Rusya'da bir "Latin sapkınlığı", bir baştan çıkarma olarak algılanıyordu 10. Önceki ruhani şiirlerin yerine, çoğunlukla Lehçe olarak mezmurlar ve ilahiler söyleniyordu. Gösteri estetiği değişti. Znamenny ilahisinin sert ve ölçülü melodilerinin yerini etkileyici "neşeli" melodiler aldı. Ukrayna ve Moskova şarkı söyleme tarzları arasındaki fark, en iyi şekilde 1654-1656'da Ukrayna ve Moskova'yı ziyaret eden Arap yazar Pavel Halep tarafından gösterildi: “Kazaklar'ın şarkı söylemesi ruhu memnun eder ve üzüntülerden iyileşir, çünkü melodileri hoştur, kalpten geliyor ve sanki sadece dudaklardan geliyormuş gibi icra ediliyor; müzikal şarkı söylemeyi, yumuşak tatlı melodileri tutkuyla seviyorlar." Moskova'nın “irmoloin” - hep birlikte şarkı söylemesinde P. Alepsky, Rusların alçak erkek seslerini tercih etmelerine şaşırdı: “En iyi sesleri kaba, kalın, baslı, bu da dinleyiciye zevk vermiyor. bunu bir dezavantaj olarak görüyorlar, bu yüzden bizim yüksek melodimizi yakışıksız buluyorlar. ezgileri için Kazaklarla alay ediyorlar, bunların Frankların ve Polonyalıların ezgileri olduğunu söylüyorlar" 11.

17. yüzyılda Ukrayna'da. Yeni bir etkileyici şarkı söyleme tarzı ortaya çıkıyor, yeni tür monodik ilahiler yaratılıyor. 17. yüzyılın Ukraynaca şarkı söyleme el yazmaları. - Irmologionlar yerel ilahilerin ilahileriyle doludur. İsimleri çoğunlukla Ukrayna'daki kökenleri ve dağılım yerleriyle ilişkilendirilir - Volyn, Lviv, Ostrog, Slutsk, Kremenets, Podgorsky. Bazen ilahileri yerel manastır şarkı söyleme geleneğiyle, çoğunlukla büyük manastırlarla - Suprasl, Kiev-Pechersk, Mezhigorsky, Kuteinsky - ilişkilendirilir. Ancak Moskova'da yaygın olarak bilinen en yaygın olanı üç kişiydi - Kiev, Bulgar ve Yunan. Görünüşe göre 50'li yıllarda Moskova'ya gelen Ukraynalı şarkıcılar tarafından yanlarında getirilmişler. XVII.Yüzyılda ve özellikle kurucusu ünlü Ukraynalı eğitimci ve siyasi figür Lazar Baranovich olan Kiev Kardeşlik Manastırı'nın şarkı okulundan.

Kiev, Bulgar ve Yunan ilahileri Kiev notasıyla yazılıyordu; osmoglas sistemiyle ilişkilendiriliyorlardı ve onları Znamenny ilahisinden ayıran bazı ortak üslup özelliklerine sahiptiler. Bunlar, farklı metinlerle kıtaların melodilerinin tekrar tekrar tekrarlanmasına dayanan kıtasal ilahilerdi. Yeni ilahilerde, onları Avrupa melodikliği, lirik şarkı söyleme ve hatta dans edilebilirlik özelliklerini taşıyan ilahilere ve mezmurlara yaklaştıran, kesin olarak tanımlanmış bir ölçü ve ritmik periyodiklik ortaya çıktı. Eski Rus şarkı kültürünün estetiği bu şekilde yavaş yavaş değişiyor. Sonsuza dek gelişen, sanki ölçüsüz yükselen bir melodiye sahip katı znamenny ilahisi yerine, ölçülü, daha basit ve şarkı benzeri, melodik, ezberlenmesi kolay melodiler geliyor.

Bulgar ilahisinin ilahileri, ifadeleri ve melodileri ile ayırt edilir 12 . Ritmi simetriktir, genellikle dört vuruşlu bir ölçüye sığar, metin orta derecede söylenir, ancak büyük hece içi ilahiler de sıklıkla bulunur.

Yunan ilahisi 13, özlülük ve basitlik ile karakterize edilir. Yunan ilahilerinin melodileri simetrik bir ritimle melodik ve ezberleyicidir. Bunlar, çeşitli satır tekrarlarına dayalı olarak müzik besteleri halinde birleştirilir:

Kiev ilahisi, Znamenny ilahisinin güney Rusya koludur. Metnin satır satır zikredilmesiyle, kıtasallığa dayanır. Kiev ilahisinin melodisinde hem ezber hem de ilahi yapıları vardır; Znamenny şarkısında izin verilmeyen, metnin tek tek kelimelerinin ve cümlelerinin sıklıkla tekrarları vardır. Kiev ilahisi 17. yüzyılın ikinci yarısından itibaren Moskova'da geniş çapta yayıldı. Kiev ilahisinin bilinen iki çeşidi vardır: büyük ve küçük (büyük olanın kısaltılmış versiyonu).

Günlük Hayatın en önemli metinleri olan Znamenny ilahisinin yanı sıra, Tüm Gece Nöbeti ve Ayin'in günlük ilahileri de Kiev ve Yunanca ilahilerle söylendi. Güney Rusya Irmologion'da birçoğu var. 17. yüzyılın ikinci yarısında şarkı söyleyen partelerin tanıtılmasıyla. Kiev, Bulgar ve Yunan ilahilerinin Partes polifonik uyumları ortaya çıktı.

Sayfa 1 - 1 / 3
Ana Sayfa | Önceki | 1 | İzlemek. | Bitiş | Tüm
© Tüm hakları saklıdır

19. yüzyılın Rus müziği. - Bu, müzik kültürünün gelişiminde parlak ve parlak bir dönemdir. Ulusal bir kompozisyonun oluşması ve küresel öneme sahip okulun icra edilmesiyle ilişkilidir. Batı Avrupa'nın en iyi müzikal başarılarının tanıtılması, gelişiminin genel doğası üzerinde olumlu bir etki yarattı ve özgünlük ve özgünlük, halk geleneklerine bağlılığı büyük ölçüde belirledi. 19. yüzyılda Yeni vokal ve senfonik müzik türleri ortaya çıktı. Opera sanatında büyük ilerlemeler kaydedildi. M.I. Glinka, M.P. gibi harika Rus bestecilerin çalışmaları. Mussorgsky, A.P. Borodin, N.A. Rimsky - Korsakov, P.I. Çaykovski, dünya müzik kültürünün hazinesine girdi.

Romantikler “Baştan çıkarmayın”; "Şüphe"; "Karşımda şarkı söyleme güzellik"; "Harika bir anı hatırlıyorum." Senfonik müzik “Kamarinskaya”; "Aragon jotası"; "Madrid'de Gece"; Rus ulusal operası “Çar İçin Bir Hayat” (“Ivan Susanin”). Opera masalı “Ruslan ve Lyudmila”.

M.A. Balakirev (1836 – 1910); Ts.A. Cui (1835 – 1918); A.P. Borodin (1833 – 1887); M.P. Mussorsky (1839 – 18810; N.A. Rimsky-Korsakov ().

1850'lerin sonunda oluşturulan bu dostane birliğin organizatörü ve ideolojik ilham kaynağı, sadece müzikseverleri değil, aynı zamanda yetenekli sanatçıları ve bestecileri de kendi etrafında birleştirmeyi başaran harika bir piyanist ve besteci Mily Alekseevich Balakirev'di. Olağanüstü yetenekleri, mükemmel performans ve sanatsal yetenekleri, çok yönlü müzik bilgisi ve keskin, anlayışlı zihni onu memnun etti ve ona sarsılmaz bir otorite sağladı.

M.A. Balakirev birçok harika eserin yazarıdır. “Kral Lear” trajedisi için müzik, M.Yu'nun şiirlerinden yola çıkarak “Tamara” senfonik şiirleri yarattı. Lermontov, “Rus” ve “Çek Cumhuriyeti'nde”, “İspanyol Uvertürü”, “Üç Rus Şarkısının Temaları Üzerine Uvertür”. En sevdiği müzik enstrümanı olan piyano için Kafkasya gezisi izlenimlerinden ilham alarak oryantal bir fantezi olan “İslamey”i yarattı. Kırk romantizm, sonatlar, mazurkalar, geceler ve valsler, Rus şarkılarından oluşan koleksiyonlar bestecinin en iyi başarılarıdır.

Bestecinin yaratıcı mirası oldukça geniştir: “Mandarin'in Oğlu” (1859), “William Ratcliffe” (Heinrich Heine'den sonra, 1869), “Angelo” (Victor Hugo'nun dramasına dayanan, 1875), dahil olmak üzere 14 opera, “Saracen” (baba Alexander Dumas'ın konusuna dayanarak, 1898), “Kaptanın Kızı” (A. S. Puşkin'den sonra, 1909), 4 çocuk operası; orkestra, oda enstrümantal toplulukları, piyano, keman, çello için eserler; korolar, vokal toplulukları, romantikler (250'den fazla), lirik anlatım, zarafet, vokal okumanın inceliği ile ayırt edilir Mandarin'in Oğlu 1859 William Ratcliffe'den Heinrich Heine'ye 1869 Victor Hugo'nun dramasının Angelo konusu 1875 Saracen, Alexandre Dumas - baba 1898 Kaptanın Kızı A. S. Puşkin'e 1909 piyano keman viyolonsel Chely aşkları

Büyük bir bilim adamı ve kimyager olan Alexey Porfirievich Borodin, tüm zamanını bilimsel araştırmalara adadı. Kendi itirafına göre sadece hastalık dönemlerinde müzik bestelemek zorunda kaldı. Bestecinin müzikal yaratıcı mirası küçüktür, ancak Rus müzik kültürünün gelişimine katkısı önemlidir. Borodin'in eserleri Rus müziğinin ihtişamını ve gururunu oluşturuyor. Üç senfoni; Rus şairlerin şiirlerinden uyarlanan 15 aşk romanı; Tek opera "Prens İgor"

19. yüzyılın önde gelen Rus bestecilerinden biri olan Modest Petrovich Mussorgsky'nin yaratıcı mirası çok büyük ve benzersizdir. Kısa hayatına senfonik ve opera müziği alanındaki parlak eserler damgasını vurdu. Muhafızlar Okulu'ndan mezun olduktan sonra, parlak askeri kariyerini bıraktı ve 1858'de tek düşüncesiyle emekli oldu: Kendini tamamen müziğe adamak. Birbiri ardına bir dizi müzik şaheseri yaratarak müzik sanatı tarihinde yeni bir döneme damgasını vuruyor.

19. yüzyıl Rus müzik kültürünün parlak bir sayfası. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov'un çalışmalarıyla bağlantılı. Müzik kariyerinin başlangıcı muhteşemdi. 1867'de ünlü Novgorod destanına dayanan "Sadko" senfonik tablosunu yaptı. Bir yıl sonra besteci, Arap halk masallarının konusuna dayanan senfonik bir resim olan “Antar”ı yazdı. Daha sonra, 1888'de Rimsky-Korsakov, ünlü "Binbir Gece" koleksiyonundan ortaçağ Arap masallarına dayanan "Şeherazade" süitinde yeniden oryantal motiflere yöneldi.

Operalar “Pskov Kadını”, “Çarın Gelini”, “Görünmez Şehir Kitezh ve Kız Fevronia'nın Hikayesi”, “Kar Kızlığı”, “Çar Saltan'ın Hikayesi”, “Altın Horoz”, “Kashchei Ölümsüz”, “Mayıs Gecesi”, “Mutlu Noellerden Önceki Gece”, “Mozart ve Salieri”; Yaklaşık 80 romantizm (“Fırtınalı gün geçti”, “Rüzgar değil, yükseklerden esiyor”, “Bulutların uçan sırtı inceliyor”)

Seçkin Rus besteci Pyotr İlyiç Çaykovski'nin (1840 - 1893) hayatı sadece 53 yılı kapsıyordu ve yarattığı eserlerin kapsamlı listesi on opera, üç bale, dokuz program senfoni eseri, konserler, dörtlüler, dramatik performanslar için müzik ve daha fazlasını içeriyor. yüz aşk romanından ve daha pek çok denemeden daha fazlası. Çaykovski şunları söyledi: “İlham, tembelleri ziyaret etmekten hoşlanmayan bir misafirdir; kendisini tanıyanlara görünüyor.”

Çaykovski, dünya müzik kültürü tarihindeki özel yerini belirleyen kendine özgü ve özgün tarzını bulmayı başardı. Senfonik müzik alanında senfonik şiir programının türünü (“fantezi” veya “fantezi uvertürü”) geliştirdi. Çaykovski'nin eserlerinde operalar önemli bir yer tutar. Bestecinin en iyi opera eserleri Eugene Onegin ve Maça Kızı'dır. P.I.'nin bale müziği inanılmaz derecede romantik bir ışıkla aydınlatılıyor. Çaykovski'nin sadece parlak bir reformcu olarak değil, aynı zamanda öncü olarak da karşımıza çıktığı bir eser. Müzik eleştirmeni G.A. Laroche şunları yazdı: "Müzik açısından Kuğu Gölü şimdiye kadar duyduğum en iyi bale..."

Müzik sanatının en eski biçimlerinden biri olarak yorumlanan şarkı söylemek, hemen öyle olmadı. Her zaman insanlarda duygusal ifadeye yönelik birincil ve organik olarak doğuştan gelen ihtiyaçla ilişkili olmuştur ve olmaya devam etmektedir. Ve bu ilkel insani ihtiyaç, en az acil toplumsal ihtiyaç kadar, şarkı söylemenin insanlık kültüründe işgal ettiği istisnai yeri de belirler.

Şarkı söylemeyi doğuran nedenleri araştıran N. Chernyshevsky şunları yazdı: "Şarkı söylemek, konuşma gibi orijinal ve gereklidir, insan doğasının bir eseridir, bir sanat eseri değil." Bu söz, insanın doğadan aldığı ilk ve ana müzik aletinin onun sesi olması anlamında doğrudur. Ve belli bir dönemin genel tonlama atmosferinin belirlediği ve şekillendirdiği kendiliğinden, istemsiz kendini ifade etme sonucunda duygunun etkisi altında şarkıcı oldu. Ve bu anlamda şarkı söylemek öğrenilen bir davranıştır.Folklor geleneğinin bir parçası olarak şarkı söylemek hem sanat olabilir hem de sanat olmayabilir. Folklorda her şey, insan yaşamının tüm unsurlarıyla organik bir ilişki içinde doğar, gelişir ve işler: tarihi, sosyal ve emek deneyimi, yaşam tarzı, ahlakı, gelenekleri, dünya görüşü, etik ve estetik fikirleriyle.

Folklor hem sanat hem de sanat dışı olduğundan, folklor tarihinin farklı aşamalarında ve folklorun farklı tür ve türlerinde dengeleri tam olarak sağlanamasa da, onu konuşanlar arasındaki iletişim hem estetik hem de estetik olmayan bağlantılar şeklinde yürütülmektedir. aynısı. Bu kolektif yaratıcılığın kendisi iş ve günlük yaşamla, insanların tüm yaşam faaliyetleriyle yakından bağlantılıdır ve sosyalleştirilmiş ilişki normlarının ayrılmaz bir kompleksinin parçasını oluşturur. Bunları bilmek geleneği içeriden duymayı ve kendi kanunlarına göre değerlendirmeyi mümkün kılar.

Şarkı yazma sürecinde oluşan bağlantıların doğası ve işlevlerinin belirlenmesine dayanarak folklorda aşağıdaki iletişim biçimleri tipolojisi önerilmektedir:

1. Sanatsal yaratıcılık sürecinde iletişim, doğrudan iş etkinliğiyle ilgilidir. Aynı anda hem şarkı söyleyen hem de çalışan insanlar, ortak olumlu duygular ve işe karşı kolektif estetikleştirilmiş bir tutumla birleşiyor.
2. Sanatsal yaratıcılık sürecindeki iletişim, dolaylı olarak mitolojik düşünme biçimindeki emek faaliyeti ve emek sürecinin karşılık gelen ritüel yeniden üretimi veya doğa güçleri üzerindeki diğer büyülü etkilerle ilişkilidir. İnsan - iş - doğa gibi karmaşık kavramları bir araya getiren bu iletişim türü, takvim-ritüel folklorunda üç ana biçimde gerçekleştirilir: a) doğanın güçleriyle doğrudan ritüel iletişim olarak; b) Kolyada, Maslenitsa gibi sembolik ritüel figürlerle iletişim olarak; c) yaşayan bir arabulucunun, bir rahibin yardımıyla iletişim olarak.

Şarkı folkloru, onu yaratan grup içindeki karakteristik iletişim biçimleri korunduğu sürece yaşayan, prosedürel bir olgu olarak kalır ve bu biçimler yerini başkalarına bırakır bırakmaz bu durum sona erer. Bir üretim süreci olmaktan çıkıyor ve profesyoneller için malzeme olan mükemmel bir halk sanatı anıtı haline geliyor.

Yukarıdakilerin ışığında, repertuarın dikkatli ve bilinçli bir şekilde seçilmesi ve yorumlanması ve sahnedeki sanatsal adaptasyonunun optimal ölçüsünün belirlenmesi için gerekli olan halk icrası kanunları bilgisi ve folklorun doğasının anlaşılması, özel önem.

İcracılar için folkloru sadece sanatsal bir metin olarak değil, aynı zamanda metinsiz iletişim, sanatsal doku ve performans türlerinin tüm özellikleriyle yaşayan bir performans süreci olarak anlamak önemlidir.

Halk yaşamında şarkı söylemek ve şarkı söylemek her zaman herkese açıktır. Bu "genişlik", "şarkıcının statüsüne vurgu yapılmaması" geleneğin inanılmaz esnekliği ile sağlanmaktadır. Şarkı söyleyen bir cemaatte, farklı yetenek ve becerilere sahip farklı insanlar kendilerini rahat hissederler. Herkes öncelikle kendisi için şarkı söyler ve "ben" in farkına varır. Aynı zamanda, sanatsal ortak yaratım iletişimin hedefi haline gelir, kolektif şarkı söylemek - sadece müzikal değil aynı zamanda davranışsal bir eylem, çok sesli bir şarkı - sadece müzikal tonlamayı değil aynı zamanda insan ilişkilerini de ortaya çıkarır.

Şarkı geleneğini taşıyanlar için ortak müzik yapmanın anlamı, yalnızca vokal kısımların koordinasyonunda değil, daha da ötesinde, "müzikal" ve "müzikal olmayan" arasında net bir çizgi bulunmayan şarkı söyleyen insanların derin ilişkilerinde yatmaktadır. müzikal”, estetik ve estetik olmayan, doğal ve rastgele.

Bu nedenle folklor her zaman yeniden yaratılır. İnsanlar iyi bildikleri bir şarkıyı söylerken bile kendiliğindenlik mevcuttur. Kaçınılmaz olarak ortaya çıkan “sürprizler” şarkı söylemedeki kusurlar değil, onun doğal özellikleri, iç dünyası, anlamıdır.

L.V. Şamina

“Halk şarkısı pedagojisinin temelleri”

Federal Eğitim Ajansı

Ufa Devlet Ekonomi ve Hizmet Akademisi

Turizm ve Otelcilik Bölümü

DERS ÇALIŞMASI

"Dünya Kültürü ve Sanatı" disiplininde

konu hakkında: 19. yüzyılın Rus müzik kültürü ve küresel önemi

tamamlayan: öğrenci gr. SD-21

Mikhailova I.V.

Kontrol eden: Ph.D., Doçent

Kotova T.P.

giriiş

Tarihsel arka plan

19. yüzyılda Rus şarkı kültürünün gelişimi

Rus kompozisyon okulu

Mihail İvanoviç Glinka

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky

"Güçlü Bir Avuç"

·Dahi Pyotr İlyiç Çaykovski

Çözüm

Kaynakça

Uygulamalar

giriiş

Olmadan müzikhayat bir hata olurdu. (Friedrich Nietzsche)

Müzik- bu, güzel seslerde somutlaşan zekadır. (Ivan Sergeevich Turgenev)

Müzik- zihnin yaşamı ile duyguların yaşamı arasında bir arabulucu. (Ludwig van Beethoven)

Rusça “müzik” kelimesi Yunanca kökenlidir. Tüm sanatlar arasında müzik, insan algısı üzerinde en doğrudan etkiye sahip olanıdır ve "duygulara bulaşır." Ruhun dili, müzik hakkında tam olarak bu şekilde konuşmak gelenekseldir çünkü kişinin duygu alanı üzerinde bilinçaltı düzeyde güçlü bir etkiye sahiptir, ancak aynı zamanda kişinin duygu alanını da etkilediği göz ardı edilemez. zihnin alanı. “Müzik” olarak adlandırılan olgunun (veya maddenin) kapsamlı ve kesin bir tanımını vermek imkansızdır.

Rus müziğinin zenginliği ölçülemez. On yüzyıldan fazla bir süredir gelenekleri, diğer ülkelerin müzik kültürüyle yakın temas halinde ve diğer sanatsal yaratıcılık türleri ile sürekli etkileşim içinde oluşturulmuş ve gelişmiştir.

Rus müziği Rus kültürünün en önemli parçasıdır. Rus edebiyatı, şiiri, resmi, tiyatrosu gibi sosyal yaşamın tüm aşamalarını, Rus felsefi ve estetik düşüncesinin oluşumunu canlı bir şekilde yansıtır. Çeşitli türleri ve biçimleriyle halkın tarihi, kurtuluş mücadelesi, Rus insanının karakteri, Rus doğasının ve yaşamının özgünlüğü somutlaştırıldı.

Ders çalışmamda, 19. yüzyılda Rusya'nın en önemli tarihi olayların (Vatanseverlik Savaşı, Decembrist ayaklanması, serfliğin kaldırılması vb.) arka planında gerçekleşen müzikal gelişimini göstermeye karar verdim.

Çalışmanın amacı, 19. yüzyılda Rusya'da müzik kültürünün durumunu analiz etmek, özelliklerini belirlemek, bu yüzyılın bestecileri ve eserleri hakkında konuşmak ve ayrıca 19. yüzyıl Rus müziğinin dünya kültürü için önemini belirlemektir. .

Ders çalışmanız, literatür ve belgelerin incelenmesi ve analizi, genelleme, faaliyet ürünlerinin analizi, açıklama gibi araştırma yöntemlerini içerecektir.

Bu konuyu incelerken literatürü kullanacağım: "Dünya Çapında" Ansiklopedisi, E. Smirnova, Nikitina L.D.'nin Rus müzik edebiyatı. Rus müziğinin tarihi vb.

Tarihsel arka plan

müzikal şarkı kültürü bestecisi

Rusya'da 19. yüzyıl büyük siyasi ve sosyal değişimlerle ilişkilidir ve 1812 Savaşı ve serfliğin kaldırılması bunda büyük rol oynamıştır. Edebiyatta, şiirde, müzikte ve resimde toplumsal eşitsizlik teması daha da keskinleşti.

Zaten 19. yüzyılın ilk yarısında Rus kültürü parlak, göz kamaştırıcı derecede parlak bir çiçeklenmeye ulaştı. Kendini taklit unsurlarından arındırarak, en çeşitli, en geniş içerik için özgün ve özgün ifade biçimleri bulur ve evrensel öneme sahip büyük kalıcı değerler yaratır. Edebiyatta Puşkin, Lermontov, Gogol, müzikte Glinka gibi parlak temsilcilerin çalışmaları sadece Rus değil, dünya sanatının da en yüksek zirvelerinden birini oluşturuyor.

1812 Vatanseverlik Savaşı, kamu inisiyatifinin yükselişine güçlü bir ivme kazandırdı.Rus halkının yurtseverliği, kamu yararına yönelik artan ilgide, ulusun ortak çıkarlarına ilişkin geniş bir farkındalıkta, yükseltme arzusunda kendini gösteriyor. ulusal kültür ve refah düzeyi.

Decembrist ayaklanmasının 19. yüzyılda Rus kültürünün gelişimi üzerinde önemli bir etkisi oldu. Tüm duygular, düşünceler, deneyimler o dönemin birçok müzik eserine yansıdı. Decembristlerin dönemi, Rusya'da devrimci şarkının gelişiminin başlangıcı oldu. Bu bağlamda büyük değer, Decembrist hareketinin figürlerine - Ryleev ve Bestuzhev'e aittir. Decembrist şairlerin ortaya koyduğu devrimci şarkı gelenekleri, çağdaşları tarafından benimsenip geliştirildi. Özgürlük ve protesto sevgisi, toplumsal baskıya karşı mücadele temaları günlük şarkılara derinlemesine nüfuz etti.

Kurtuluş fikirleri büyüyüp yayıldıkça hükümetin bunlara karşı muhalefeti yoğunlaştı. Zaten I. İskender'in saltanatının ikinci yarısında, üniversitelerin yıkılması ve sansürün güçlenmesiyle ifade edilen bu gerici gidişat belirlendi. Decembrist ayaklanmasının bastırılmasının ardından I. Nicholas'ın tahta çıkmasıyla birlikte Rus yaşamında benzeri görülmemiş derecede zalim, sağır ve acımasız bir tepki dönemi hüküm sürdü. Demokratik gazeteciliğin ve hatta daha da önemlisi, pratik devrimciyi yürüten siyasi örgütlerin varlığı Rusya'da faaliyetler imkansızdı.

Bu koşullar altında edebiyat özellikle önem kazanıyor; Puşkin, Gogol ve Lermontov'un eserleri kurtuluş düşüncesinin ana sözcüsü haline geliyor.

Yukarıdakilerin tümü, Rus ulusal edebiyatı ve sanatının klasik okullarının oluşumu için önkoşulları oluşturmaktadır.

Rus müziğinin gelişiminde Glinka, Rus edebiyatının gelişiminde Puşkin'e ait olana benzer birçok yönden rol oynadı. Puşkin gibi Glinka da çağdaş sanat kültürünün çeşitli unsurlarını geniş çapta kabul etti ve uyguladı. Seleflerinin mirasından değerli ve yaşanabilir olan her şeyi özümseyen Glinka, onların sınırlarını aşar ve muazzam bir zenginliğe, içerik bütünlüğüne ve sanatsal ifadenin mükemmelliğine ulaşır. İç dengesi, ideal uyumlu bütünlüğü ve bütünlüğü açısından Glinka'nın eseri, sonraki nesiller için Puşkin'in şiiri kadar tartışılmaz bir model ve klasik norm haline geldi. Glinka, çalışmalarıyla dünya çapındaki etkisinin temelini attı. Dargomyzhsky, çalışmalarında Glinka'nın yolunu izliyor. Rus müziğine daha fazla sosyal keskinlik, gündelik ve psikolojik karakterizasyon, hiciv ve mizah unsurları katıyor ve 60'ların genç ulusal okulunun çalışmalarında net bir ifade alacak şeylerin çoğunu hazırlıyor. Glinka, çalışmalarıyla dünya çapındaki etkisinin temelini attı.

Bu andan itibaren yabancı basında Rus müziğiyle ilgili haberler giderek daha sık yer almaya başladı. Berlioz'un Glinka hakkındaki makalelerinin yayınlanmasından birkaç ay önce, ünlü Fransız müzikolog Fetis, hâlâ genç olan Dargomyzhsky'nin Rusya'da orijinal, gelecek vaat eden bir müzik yeteneği olduğunu yazdı.

Tarihsel dönem 60-80. 19. yüzyıla genellikle reform sonrası denir - 1861'de kraliyet kararnamesi ile serflik kaldırıldı ve bu da Rus sosyal yaşamının liberalleşmesini gerektirdi. Bu aşama, bütünleyici ve özgün bir olgu olarak sanatsal kültürün yüksek düzeyde gelişmesiyle işaretlendi. O zaman sanatta edebiyatta, tiyatroda, resimde ve müzikte somutlaşan belli bir manevi ve estetik değerler sistemi oluştu.

19. yüzyılda Rus şarkı kültürünün gelişimi

Şair G.R.'nin Aydınlanma Çağı hakkında söylediği şey "Şarkılar çağıydı". Derzhavin. O zamanın şarkı kültürünün görünümü alışılmadık derecede çeşitli ve hatta çok dilliydi. Günlük yaşamda Rus ve Fransız, çingene ve Alman, köylü ve şehirli, amatör ve profesyonel şarkılar karmaşık bir şekilde iç içe geçmiştir. Şarkı, edebi eserlerin sayfalarından seslendirildi ve "birçok sevgilinin beğenisine" özel koleksiyonlarda yayınlandı ve aristokratların evlerinde seslendirildi.

19. yüzyılda folklor çalışmalarına büyük önem vermeye devam etti. Rus besteciler halk müziğini bir ilham kaynağı olarak görüyorlardı. Kendi müzik dillerinin orijinalliğini kaybetmeden türküleri derleyip eserlerinde sıklıkla kullanmışlardır.

Bazı yeni türler ortaya çıkıyor, eski formlar (gündelik şarkılar, gezinti temalı şarkılar, hiciv şarkıları) yeni yaşam içeriğinin etkisi altında gelişiyor, görüntülerin doğası ve tonlama-ifade araçları değişiyor. Gündelik halk şarkıları, ulusal öneme sahip önemli siyasi ve sosyal olaylara yanıt verir.

1812 Vatanseverlik Savaşı buna geniş ölçüde yansımış, sözlü folklor geleneğiyle bağlantılı on ikinci yılla ilgili bir dizi şarkı bize ulaştı. İçerikleri, müzikal ve şiirsel biçimleri bakımından çok çeşitlidirler. Bazen eski geleneksel türkü türlerinden teknikler kullanırlar.

Vatanseverlik Savaşı aynı zamanda etkileyici lirik şiirlerin ortaya çıkmasına da neden oldu.

memleketlerinde yaşanan büyük felaketlerin, memleketlerinin harap edilmesinin, sevdiklerinin kaybının yol açtığı derin acıyı, üzüntüyü ve acıyı anlatan şarkılar.

Rus halk şarkısı, koro, eşlikli ses ve bireysel enstrümanlar için birçok farklı düzenlemeye yayılan olağanüstü geniş bir popülerliğe sahip olmaya başladı. 1806'dan 1815'e kadar Pracha'nın koleksiyonunun ikinci ve üçüncü baskıları yayınlandı. Temel olarak, halka açık türde şarkı koleksiyonları oluşturuldu.

Serflikten gelen yetenekli Rus müzisyen Danila Kashin, halk şarkılarından yaptığı uyarlamalarla tanınıyordu. 1833-1834'te. “Rus Halk Şarkıları” koleksiyonu üç bölüm halinde yayınlandı. Prač'ın “Koleksiyonu” 18. ve 19. yüzyılların başlarında olduğu gibi, bu da kendi zamanının karakteristik özelliğidir. 40'lı yılların başında, popülerliğine ve büyük talebine tanıklık eden Kashin koleksiyonunun ikinci baskısı ortaya çıktı. Kashin'in işleme tekniklerinde, bazen biraz histerik nitelikteki vurgulanmış hassasiyet arzusu açıkça fark ediliyor.

Kashin ile aynı yolda, halk şarkılarının ve kentsel romantizm tonlamalarının iç içe geçmesini, aynı zamanda yetenekli bir şarkıcı-icracı olan (soyadı çağdaşları tarafından telaffuz edildi) bir başka ünlü şarkı koleksiyoncusu, köken itibariyle bir serf olan Ivan Rupin izledi. İtalyan sonu - Rupini) ve 1831'de yayınlanan popüler şarkı koleksiyonunun derleyicisi

Rus halk şarkılarının çeşitli gündelik yansımalarının yanı sıra, toplumun en çeşitli katmanlarında da son derece geniş bir popülerliğe sahip olan lirik, duygusal bir romantizm gelişti. 18. yüzyılın "Rus şarkısı" gibi, Rus romantizminin baskın kısmı evde müzik yapma alanıyla ilişkilendirildi.Gündelik romantizmin müzik dilinde, araçların sadeliği, samimi kendiliğindenlik ve ifadenin samimiyetiyle birleştirildi. . Besteciler Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky, 19. yüzyıl Rus romantizminin gelişiminde önemli bir rol oynadılar (bkz. Ek 1).

Alexander Aleksandroviç Alyabyev(1787-1851) eski soylu bir ailede doğdu. Gençliğinde orduda görev yaptı ve 1812 Vatanseverlik Savaşı'na katıldı. Daha sonra askerlik hizmetinden ayrıldı ve kendisini yaratıcı faaliyetlere adadı. Alyabyev ünlü aşk romanlarının yazarıdır: “Seni sevdim”, “Kış Yolu” (her ikisi de Alexander Sergeevich Puşkin'in şiirlerine dayanmaktadır), “Bülbül” ve diğerleri. " Bülbül"Alyabyev'in en sevdiği ve en yaygın şarkılarından biridir. Onunla ilgili her şey mütevazı ve basittir. Şarkının öncesinde gitar tıngırdatma ruhuna uygun canlı bir piyano girişi geliyor. Vokal bölümünün ilk tonlamalarından itibaren büyüleyici derecede yumuşak, düşünceli bir melodi ortaya çıkıyor. Geniş ve düzgün bir şekilde yuvarlatılmış, sade güzelliğiyle hemen yakalar ve büyüler.

Besteci Alexander Egorovich Varlamov(1801-1848) - popüler aşk romanlarının yazarı. Toplamda, esas olarak Rus şairlerinin şiirlerine dayanan bu türden yaklaşık iki yüz eser yarattı (“Kızıl Sundress”, “Blizzard Caddeyi Süpürüyor”, “Şafakta Onu Uyandırmıyorsun”, “Yalnız Yelken Beyazdır” vb.). Varlamov aynı zamanda şarkıcı, gitarist, orkestra şefi ve öğretmen olarak da biliniyordu. Vokalistlere yönelik ilk Rusça ders kitaplarından biri olan “The Complete School of Singing” (1840)'ı yazdı.

Alexander Lvovich Gurilev(1803-1858) bir serf müzisyeninin oğluydu (1831'de kendisi ve babası serbest bırakıldı). Besteci, piyanist, kemancı, viyolacı ve öğretmen Gurilev, şarkı ve roman yazarı olarak ünlendi. En çok bilinenleri "Mother Dove", "Bell", "Sarafan", "Swallow Floats" şarkıları ve "Separation" ve "You Can't Understand My Üzüntüm" adlı romantik şarkılarıdır. Besteci, vokal sözlerinin yanı sıra piyano müziği türlerinde de çalışmış, türküler toplayıp düzenlemiştir.

Alyabyev, Varlamov ve Gurilev'in çalışmaları Rus müziği hazinesine değerli bir katkıdır. En güzel şarkıları ve aşk şarkıları şarkıcıların ve koroların konser repertuarlarında yer alıyor, çağımızda halk arasında sevgiyle söyleniyor.

19. yüzyılın Rus kompozisyon okulu

Mihail İvanoviç Glinka

19. yüzyılın ilk yarısında bestecilik ekolünün şüphesiz en önemli temsilcisi Mihail İvanoviç Glinka(1804-1857). Mihail İvanoviç Glinka'nın çalışmaları Rus kompozisyon okulunun kökeninde yer alır ve eserleri, çalışma yöntemleri, müzik türlerine ve geleneklerine karşı tutumu 19. yüzyılda örnek olarak algılanmıştır. Avrupa'da ciddi bir müzik eğitimi alan Glinka, Rus ulusal müziğinin özelliklerini derinlemesine anlayan ilk kişi oldu ve büyük ölçüde bu usta sayesinde Avrupa türleri Rusya'da özgün bir yorum aldı. Glinka'nın çocukluk izlenimleri çalışmalarına yansıdı. Hayatının ilk yılları Smolensk bölgesinin kırsal doğasında babasının malikanesinde geçti. Orada türküleri öğrenip aşık oldu ve dinledi. Onu şefkatle ve özveriyle seven serf dadı Avdotya Ivanovna'nın hikayeleri, küçük Glinka'nın etkilenebilir çocuksu ruhuna derinden gömüldü.

1812 olayları Glinka üzerinde büyük bir etki yarattı. Napolyon ordusunun işgalinden kaçan Glinka'nın ailesi mülkü terk etti. Çocuk, partizanların kahramanlıkları hakkında birçok hikaye duydu ve sonsuza kadar Rus halkına, onların güçlü gücüne ve manevi güzelliğine karşı sevgi ve saygıyla doldu.

Glinka ailesinin ev yaşamında sıklıkla müzik çalınırdı. Yakınlarda yaşayan bir amcanın serf müzisyenlerinden oluşan iyi bir orkestrası vardı. Müzik çocuk üzerinde inanılmaz bir etki yarattı, konserlerden sonra dalgın bir şekilde dolaştı. Bir keresinde "Müzik benim ruhumdur" demişti. Amcamın serf orkestrası türküler dahil çeşitli eserler seslendiriyordu. Çocukluk izlenimlerini hatırlatan Glinka şunları yazdı: “...Çocukluğumda dinlediğim bu şarkılar belki de daha sonra Rus halk müziği ağırlıklı olarak gelişmeye başlamamın ilk nedeniydi.”

Glinka'nın kompozisyon becerileri en açık şekilde iki operada gösterildi - " Çar için Yaşam"("Ivan Susanin") ve " Ruslan ve Ludmila" Ulusal Rus operasının örneklerini yarattı - kahramanca-destansı opera ve masal operası. Bu türlerin daha sonraki gelişimi Glinka'nın ortaya koyduğu ilkelerle bağlantılıdır.

“Çarın Hayatı” operası (30-80'lerde SSCB'de “Ivan Susanin” adı kabul edildi; 1836) tarihi ve vatansever bir olay örgüsü üzerine yazılmıştır. Besteci 17. yüzyılın başlarındaki olaylara yöneldi. - Rus halkının Polonyalı fatihlere karşı mücadelesi. İşin konusu - Ivan Susanin'in başarısı - şair Vasily Andreevich Zhukovsky tarafından Glinka'ya önerildi.

"Çar İçin Bir Hayat" sözlü diyalogun olmadığı ilk Rus operasıdır; sürekli müzikal gelişime dayanmaktadır. Eserin müzikal dokusuna koro sahneleri nüfuz ediyor. Özellikle açarlar ("Anavatanım" korosu) ve işi tamamlarlar (son sevinçli, muzaffer koro "Glory").

Operanın merkezinde Rus köylü Ivan Susanin'in görüntüsü var. Besteci, kahramanın ahlaki gücünü vurguluyor. Müzikal özellikleri için halk ezgilerinin tonlamalarından yararlanılır. Susanin'in kızı Antonida, bir Rus kızının parlak ve şiirsel (Glinka'nın kendisine göre "şefkatli zarif") bir imajıdır. Antonida'nın nişanlısı Sobinin bir milis askeri, cüretkar, korkusuz bir adam; Vanya ise Susanin'in evlatlık oğlu, on üç yaşındaki Glinka'ya göre "sade kalpli". Susanin ailesinin genç üyelerinin - Vanya, Antonida, Sobinin - görüntüleri, günlük bir aşk şarkısının gelenekleri ve tonlamalarıyla çizilmiştir.

Rus görüntülerine Polonyalıların düşman kampı karşı çıkıyor. Ayrıntılı koreografik resim, antik bir kalede muhteşem bir balo olan operanın “Polonya gösterisini” temsil ediyor. Bu senfonik kompozisyon, soyluların - Polonya soylularının parlaklığını, zarafetini ve gururunu yansıtıyor. Polonez, mazurka ve krakowiak seslerinin melodileri ve ritimleri. Müziğin güzelliği büyüleyici, ancak genel olarak "Rus" sahnelerinin sadeliği ve samimiyeti, "Polonya Yasası" nın gösterişli görkemiyle tezat oluşturuyor.

Sonunda, iki kamp doğrudan çarpışır - Polonyalı bir müfreze Susanin'in Domnino köyüne gelir ve onları Çar Mihail Romanov'un bulunduğu yere götürmesini talep eder. Susanin'in Polonyalıları ormanın çalılıklarında ölüme götürdüğü sahne operanın doruk noktasıdır. Sonu trajiktir - ana karakter Rusya için hayatını verir. Geceleri, ormanda Susanin, ölmekte olan monologunu gerçekleştirir; "Gerçeği hissediyorlar", bu, kahramanın Tanrı'dan son saati karşılamak için güç istediği "Yükseliyorsun, şafağım" arya duasına dönüşür. Hem derin üzüntü hem de umut taşır. Müziğin temposu yavaş, katı ve ruh haline odaklanmış - kilise ilahilerini anımsatıyor.

“Çar İçin Bir Hayat” operası 27 Kasım 1836'da St. Petersburg'daki Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde büyük bir başarıyla sahnelendi. Rus toplumunun önde gelen insanları onu çok takdir etti.

Yaratıcı zaferin bilinci, besteciye yeni fikirlere ilham verdi ve birkaç yıl sonra "Peri Masalı" operası ortaya çıktı. Ruslan ve Ludmila"(1842). A. S. Puşkin'in aynı adlı şiirinin konusu üzerine yazılmıştır. Müzikal aksiyonun yavaş gelişimi, eski destanları ve efsaneleri anımsatıyor. Operada halk ritüeli sahneleri, renkli doğa resimleri ve fantastik görüntüler yer alıyor. Rus kahramanların (Ruslan, Ratmir), şarkıcı Boyan'ın ve Prens Vladimir'in dünyasına, büyücülerin masal dünyası - Chernomor ve Naina karşı çıkıyor. Kahramanlar destansı bir ciddiyet ve destansı bir heybetle gösteriliyor. Chernomor ve Naina (aynı zamanda Ruslan'ın şanssız rakibi Farlaf) şüphesiz bir mizah anlayışıyla çizilmiş; yazar dinleyiciye şunu söylüyor gibi görünüyor: bunlar sadece masal karakterleri, kötülükten çok komik. Sihirli kalenin efendisi Chernomor'un temel özelliği yarı şaka niteliğinde bir yürüyüştür. Orkestra, görüntülerin yaratılmasında büyük rol oynar. Çernomor krallığını tasvir eden besteci, Doğu müziğinin tonlamalarını kullanıyor. Dinleyicinin önünde Türk ve Arap dansları ve Lezginka icra ediliyor. "Ruslan ve Lyudmila" operası, her peri masalı gibi, iyinin kötülüğe karşı zaferi ve sevginin zaferiyle bitiyor.

Romantikler ve şarkılar Glinka- Rus klasiklerinin gururu. Besteci bunları hayatı boyunca yazdı. Glinka'nın lirik aşkları onun ruhunun bir tür itirafıdır. Bazıları Rus doğası ve yaşamının resimlerini tasvir ediyor. Glinka, aşklarında selefleri ve çağdaşları - gündelik romantizmin yazarları - tarafından yaratılan en iyi şeyleri özetledi ve geliştirdi. A. S. Puşkin'in şiirlerine "Buradayım İnesilya", "Harika bir anı hatırlıyorum" gibi pek çok ünlü aşk romanı yazılmıştır. Glinka ayrıca V. A. Zhukovsky, A. A. Delvig ve diğer Rus şairlerin eserlerine de yöneldi. Besteci, o zamanın popüler şairi Nestor Vasilyevich Kukolnik'in sözlerine dayanarak, on iki romantik "Petersburg'a Veda" (1838) ve seçkin Rus şarkıcı Fyodor İvanoviç Chaliapin'in sevdiği ünlü "Şüphe" romantizminden oluşan bir döngü yarattı. rol yapmak.

Glinka orkestra için özel bir senfonik fantezi uvertürü yazdı. Bu türdeki en iyi eserleri “Camarina” (1848), “Aragonese Jota” (1845) ve “Madrid'de Gece” (1851). Rus bestecilerin genel görüşüne göre "Kamarinskaya", Rus senfonik müziğinin temelini attı. "İspanyol" uvertürleri "Aragonese Jota" ve "Madrid'de Gece", Glinka'nın İspanyol müziğinin tonlamaları ve tarzı konusundaki ustalığının mükemmel bir örneğidir. P. I. Tchaikovsky'nin senfonik valslerin ortaya çıkışı için hazırladığı "Waltz Fantasy" (1856) orkestrası parçası.

Mikhail Ivanovich Glinka'nın çalışmaları sayesinde Rus müzik okulu Avrupa'da tanındı. Sonraki nesil besteciler ve sadece müzik severler, ustanın Rus kültürüne katkısına her zaman çok değer verdiler.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869)

Dargomyzhsky, Glinka'nın daha genç bir çağdaşı ve takipçisidir. Rus müziği tarihine cesur bir yenilikçi olan "müzikal hakikatin büyük öğretmeni" olarak girdi.

Dargomyzhsky'nin görüşleri 30-40'lı yıllarda oluştu. XIX yüzyıl, Rus kültürünün hızlı geliştiği bir dönem. Rus sanatında ileri ve ilerici olan her şeye hassasiyetle karşılık verdi. Çalışmalarında Rusya'nın demokratik yazar ve sanatçılarına yakındı. Dargomyzhsky'nin vokal müziği ile Puşkin, Gogol ve Lermontov arasındaki bağlantılar özellikle yakındır. Dargomyzhsky'nin en iyi eserlerinin Puşkin ve Lermontov'un şiirlerine dayanması tesadüf değildir.

Dargomyzhsky'nin eserlerinde romanslar ve operalar merkezi bir yer tutuyor. Besteci hayatı boyunca oda vokal müziği besteledi: yüzden fazla aşk romanı, şarkı ve vokal topluluğu yazdı. Bu türler Dargomyzhsky için bir tür yaratıcı laboratuvardı - müzik dili onlarda şekillendi. En ünlü aşklar “Seni Sevdim” (A. S. Puşkin'in ayetlerine dayanarak), “Hem Sıkılmış hem de Üzgünüm”, “Üzgünüm” (Mikhail Yuryevich Lermontov'un ayetlerine dayanarak) ince lirizmle doludur. ve yalnızlık hissi.

A. S. Dargomyzhsky'nin çalışmalarında yeni bir vokal sözleri türü ortaya çıktı - hiciv şarkısı. Bu tür çalışmaların canlı örnekleri “Worm” ve “Titular Advisor” (her ikisi de 50'li yıllar) şarkılarıdır. Besteci, doğal konuşmayı taklit ederek, etkileyici sosyal portreler çizdi.

Dargomyzhsky'nin en iyi eserleri arasında "Rusalka" operası(1855). A. S. Puşkin'in aynı adlı bitmemiş oyununun metnine dayanarak bestecinin kendisi librettoyu yazdı. "Rusalka", psikolojik, gündelik bir müzikal drama niteliğindeki ilk Rus operasıdır. Bestecinin belirlediği temel görev, karakterlerin manevi dünyasını, deneyimlerini ve karakterlerini yansıtmaktır.

60'larda Dargomyzhsky kamuoyunda geniş çapta tanındı. Operalarının prömiyerleri büyük bir başarıydı; besteci, Rus Müzik Derneği'nin St. Petersburg şubesinin komite üyeliğine seçildi.

"Güçlü Bir Avuç"

19. yüzyılın ikinci yarısı - reform sonrası zamanlar, serfliğin kaldırılması, kamusal yaşamın liberalleşmesi, Rus toplumunda devrimci duyguların gelişmesi. Bu aşama, bütünleyici ve özgün bir olgu olarak sanatsal kültürün yüksek düzeyde gelişmesiyle işaretlendi. O zaman sanatta edebiyatta, tiyatroda, resimde ve müzikte somutlaşan belli bir manevi ve estetik değerler sistemi oluştu.

Müzik sanatı çağımızın yakıcı sorunlarından uzak kalmamıştır. Popülist konumlar, Rus halkının mesih rolüne, tarihsel manevi başarılarının zaferine inanan birçok bestecinin dünya görüşünün karakteristiğidir. Müzik, o yılların Rus entelijansiyasının yoğun ahlaki arayışlarının tüm yelpazesini yansıtıyordu ve müzikal görüntülerde zamandan ilham alan idealleri somutlaştırıyordu. Bazı ustalar Rus tarihini ve halk yaşamının saflığını idealize ederken, diğerleri halk etiği yasalarına dayanarak bireyin kendini geliştirmesine inanırken, diğerleri eserlerinde her zaman ortaya çıkan belirli bir halk kültürü prototipini somutlaştırmaya çalıştı. yaşayan kaynak - bozulmamış doğa.

Rus müziğinin tür benzersizliği, reform sonrası dönemin sanatsal kültürünün "edebi-merkezcilik" özelliğiyle yakından ilgilidir. Gerçekçilik estetiğinin yarattığı söz, sanat ve gazeteciliğin öncelikli rolünde kendini ifade etti. Şu anda önde gelen müzik türü operaydı - tarihi, epik, lirik, dramatik. Diğer sentetik müzik türleri gelişmeye devam ediyor - romantizm, şarkı. Vokal müzik, Rus şiirinin "müzikal ansiklopedisini" tamamlayarak onu sosyal, suçlayıcı ve lirik-psikolojik imgelerle zenginleştiriyor.

19. yüzyılın ikinci yarısı, eleştirmen V.V.'den hafif bir yardım alan ortaklığın ortaya çıkma zamanıdır. Stasova, adı "Güçlü Bir Avuç". Bunlar arasında M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin.

"Kudretli Bir Avuç" Rus sanatının olağanüstü bir olgusudur. Sadece Rusya'da değil, Rusya'da kültürel yaşamın birçok alanında derin bir iz bıraktı. Gelecek nesil müzisyenlerde - günümüze kadar - Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Balakirev'in birçok doğrudan mirasçısı var. Onları birleştiren fikirler, ilerici görüşleri uzun yıllar önde gelen sanatçılara model oldu.

“Kudretli Bir Avuç”un başı ve lideri Miliy Alekseevich Balakirev(1836/37-1910). Serbest Müzik Okulu'nun kurucularından (1862) ve yöneticilerinden (1868-73 ve 1881-1908) biridir. 1867'den 1869'a kadar - Rus Müzik Topluluğu'nun şefi ve 1883'ten 1894'e kadar Mahkeme Şan Şapeli'nin yöneticisi. En ünlü eserleri “Üç Rus Şarkısının Temaları Uvertürü” (1858), senfonik şiirler “Tamara” (1882), “Rus” (1887), “Çek Cumhuriyeti'nde” (1905) ve oryantal şiirlerdir. piyano için fantazi “İslamey” ( 1869), aşk romanları, Rus halk şarkılarının aranjmanları vb.

“Mighty Handful”un bestecileri arasında Mütevazı Petrovich Mussorgsky(1839-1881) müziğin en önemli temsilcisiydi devrimci demokratik fikirler60'lar İyi oyun. XIX yüzyıl. Müzikte Rus halkının yaşamının sert gerçeğini kapsamlı bir şekilde, büyük bir suçlayıcı güçle ortaya koyabilen, V.V. Stasov'un dediği gibi, “Rus halkının tüm okyanusunu yeniden yaratabilen, her zamankinden daha fazla Mussorgsky'ydi. hayat, karakterler, ilişkiler, talihsizlik, dayanılmaz yük, aşağılanma.” . Mussorgsky ne yazmış olursa olsun: operalar, şarkılar, korolar, her yerde toplumsal adaletsizliğin öfkeli ve tutkulu bir suçlayıcısı olarak hareket ediyor.

1863'te besteci “Salammbô” operasını (Fransız yazar Gustave Flaubert'in aynı adlı romanına dayanarak) ve 1868'de “Evlilik” operasını (N. V. Gogol'un komedisinin değişmeyen metnine dayanarak) bestelemeye başladı. Her iki eser de yarım kaldı, ancak Mussorgsky'yi Rus müziğinde önemli bir fenomen haline gelen Boris Godunov (1869) operasının yaratılması için hazırladı.

Mussorgsky'nin yeteneğinin tüm gücü ortaya çıktı "Boris Godunov" operasıPuşkin'in trajedisine dayanmaktadır. Bu trajedide Mussorgsky, operada halkın gücünün uyanışını gösterme fırsatından etkilendi, bu da açık bir hoşnutsuzluğa ve sonunda kendiliğinden bir ayaklanmaya yol açtı. Operanın ana fikri, suçlu Çar Boris ile halk arasında ayaklanmaya yol açan çatışmadır. Bestecinin dikkati ana fikri ortaya çıkarmaya odaklanmıştı: kral ile halk arasındaki çatışma. Mussorgsky'nin operasındaki kişiler ana karakterlerdir. Kalabalık sahnelerin büyük önemine rağmen operada asıl dikkat, karakterlerin iç dünyasının karakterizasyonuna veriliyor. Elbette ön planda, kapsamlı monolog sahneleriyle ortaya çıkan Boris'in görüntüsü var. Anlatma tekniğinde ustaca ustalaşan Mussorgsky, müzikte kahramanın ruh halini aktarıyor - belirsiz kaygı, keder ve depresyon, acı verici vicdan azabı, korku ve hatta halüsinasyonlar. Operadaki orkestra kısmı oldukça karmaşıktır. Sesi esnek bir şekilde takip ederek vokal kısmına önemli psikolojik nüanslar ekliyor. Bu opera, 60-70'lerde Rus toplumunda var olan devrimci-demokratik duygulara ruhen yakındır. XIX yüzyıl.

1872'de besteci, kendisinin "halk müzikal draması" adını verdiği "Khovanshchina" operası üzerinde çalışmaya başladı. Aynı zamanda tamamen farklı türden bir eser yazdı - N.V. Gogol'un hikayesine dayanan lirik-komedi operası "Sorochinskaya Fuarı" (bitmemiş kaldı).

Çağdaşlara göre Mussorgsky mükemmel bir piyanistti. En sevdiği enstrümana saygı duruşu olarak on parçadan oluşan büyük bir piyano süiti yarattı. "Sergiden Resimler"(1874). Süitin fikri, arkadaşı, sanatçı ve mimar Viktor Aleksandrovich Hartmann'ın eserlerinin ölümünden sonra düzenlenen sergisinden ilham aldı. Döngü, çalışmanın ana motifi haline gelen bir girişle başlar. Yazarın buna bir nedenle "Yürüyüş" adını vermesi: ziyaretçinin hareketini sergi salonları boyunca aktarıyor. Bunu bireysel "resimler" izler: "Gnome", "Eski Kale", "Tuileries Bahçesi", "Sığır", "Kuluçkalanmamış Civcivlerin Balesi" vb. Giriş müziği periyodik olarak tekrarlanır ve bu sayede döngü elde edilir. birlik ve bütünlüklü bir bileşim olarak algılanır.

Mussorgsky ünlü şarkıların ve aşk romanlarının yazarıdır. İlk yayınlanan şarkı “Neredesin küçük yıldız…” (şair ve çevirmen Nikolai Porfiryevich Grekov'un sözleri), bestecinin vokal çalışmasında fantastik romantizm “Gece” de zirveye ulaşan lirik bir temaya yol açtı ( A. S. Puşkin'in sözleri). Rus aile hayatının komik eskizleri, "Ama seninle tanışabilseydim" (şair Vasily Stepanovich Kurochkin'in sözleri) ve "Svetik Savishna" ve "Seminerist" (bestecinin sözleri) aşklarında sunulmaktadır.

Mussorgsky, tüm çalışmalarını Rus halkının yaşam öyküsüne, acılarına ve umutlarına adayan gerçek bir halk bestecisidir. Yaratıcılığı öyleydi özgün ve yenilikçiFarklı ülkelerden besteciler üzerinde hala güçlü bir etkisi olan.

Alexander Porfirievich Borodin (1833-1887) -eşsiz benzersiz bir besteci. Müzikte birçok yönden Glinka geleneklerini sürdürdü. Borodin, müziğinde Rus halkının büyüklüğünü ve gücünü, Rus halkının kahramanca karakter özelliklerini, ulusal destanın görkemli görüntülerini somutlaştırdı. Ve bununla birlikte Borodin'in çalışmalarında lirik, samimi, tutku ve şefkat dolu görüntüler var.

Borodin, Rus dilinin yaratıcılarından biridir. klasik senfoni(2., " Bogatyrskaya", 1876, Rus senfonizminde kahramanca-destansı yönü açan; senfonik resim “Orta Asya'da”, 1980), Rus klasik yaylı çalgılar dörtlüsü. Vokal lirizmin ustası (“Uzak anavatanların kıyıları için”); kahramanlık destanının görüntülerini romantizme dahil etti, 60'ların kurtuluş fikirlerini somutlaştırdı. 19. yüzyıl (“Uyuyan Prenses”, “Karanlık Ormanın Şarkısı”).

12. yüzyıl eski Rus edebiyatının dikkat çekici eseri - "İgor'un Kampanyasının Hikayesi" - Borodin'i büyüledi, onu büyüledi ve ona bir opera yaratması için ilham verdi. Lay, cesur Prens Igor'un Polovtsyalılara karşı başarısız kampanyasını anlattı. Yazar prensleri birleşmeye çağırdı ve eserin bu vatansever yönelimi onun ilerici rolünü içeriyordu. Borodin büyük operasını bu olay örgüsüne dayanarak yarattı "Prens İgor"(Rimsky-Korsakov tarafından 1890'da tamamlandı).

“Prens İgor”, önsözüyle birlikte 4 perdelik lirik-destansı bir operadır. Operanın müziği büyük ölçüde Rus ve Doğu halk şarkılarının tonlamalarına dayanmaktadır. Hem Rus hem de doğu halk sahneleri parlak renklerle boyanmıştır. Bu konuda Borodin, düşman kampını tasvir etmek için sanatsal açıdan ikna edici özellikler bulan Glinka'nın takipçisiydi.

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908).The Mighty Handful'un bestecileri arasında Rimsky-Korsakov'un özel bir yeri var. Çalışmalarıyla Rus müziği tamamen çiçek açtı. masal. Tüm hayatı sanata özverili ve ilgisiz bir hizmet, ideallerine bağlılıktır.

Rimsky-Korsakov'un somutlaştırdığı tema ve olay örgüsü yelpazesi geniş ve çeşitlidir. Tüm “Kuchkistler” gibi besteci de Rus tarihine, halk yaşamının resimlerine, Doğu imgelerine yöneldi; aynı zamanda gündelik drama alanına ve lirik-psikolojik alana da değindi. Ancak Rimsky-Korsakov'un yeteneği, fantezi dünyası ve Rus halk sanatının çeşitli biçimleriyle ilgili çalışmalarda en iyi şekilde ortaya çıktı. Bir peri masalı, efsane, destan, mit, ritüel, eserlerinin çoğunun yalnızca temasını değil aynı zamanda ideolojik anlamını da belirler. Folklor türlerinin felsefi alt metnini ortaya çıkaran Rimsky-Korsakov, insanların dünya görüşünü ortaya koyuyor: onların daha iyi bir yaşam, mutluluk hakkındaki ebedi hayalleri, parlak masal ülkeleri ve şehirlerinin ("Kar" daki Berendee krallığı) görüntülerinde somutlaşıyor. “Kız”, “Çar Saltan'ın Hikayesi”ndeki Lolipop şehri); bir yandan operaların büyüleyici derecede saf ve nazik kadın kahramanları ("Ölümsüz Kaşchei"deki Prenses), diğer yandan efsanevi şarkıcılar (Lel, Sadko) tarafından kişileştirilen ahlaki ve estetik idealleri, bu solmayan semboller Halk sanatı; doğanın hayat veren gücüne ve sonsuz güzelliğine olan hayranlığı; son olarak, halkın ışık güçlerinin, adaletin ve iyiliğin zaferine olan sarsılmaz inancı, Rimsky-Korsakov'un çalışmalarının doğasında var olan iyimserliğin kaynağıdır.

Bestecinin üslubunun ve sanatsal yönteminin özellikleri en iyi şekilde ortaya çıktı. opera yaratıcılığı. Rimsky-Korsakov'un 15 operası olağanüstü bir tür çeşitliliği, dramatik, kompozisyon ve üslup çözümlerini temsil ediyor. Bunlar arasında sayı yapısına yönelen (“Mayıs Gecesi”, “Kar Kızı”, “Çarın Gelini”) ve sürekli gelişime (“Mozart ve Salieri”, “Ölümsüz Kashchei”, “Görünmezin Efsanesi) yönelen çalışmalar yer alıyor. Kitezh Şehri”, “Altın horoz”); büyük kalabalık sahneleri olan operalar (“Pskovite”, “Mayıs Gecesi”, “Snow Maiden”, “Mlada”, “Sadko”, “Kitezh” ve onlarsız (“Mozart ve Salieri”, “Vera Sheloga”, “Ölümsüz Kashchei) ”), genişletilmiş tam topluluklarla ("Çarın Gelini") ve topluluklar olmadan ("Mozart ve Salieri", "Altın Horoz"). Her özel durumda, tür seçimi, dramatik ve üslup çözümlerinin ilkeleri belirlenir. arsa tesisleri tarafından. Rimsky-Korsakov, "Asla inanmadım ve inanmıyorum" diye vurguladı, "tek bir gerçek operatik formda, dünyada ne kadar olay örgüsü varsa, karşılık gelen bağımsız operatik formların da o kadar (neredeyse bir o kadar) olması gerektiğine inanıyorum". Rimsky-Korsakov, operanın öncelikle müzik eseri olduğu görüşünü onaylarken, aynı zamanda şiirsel temeli, edebi üslubunun birliği ve tutarlılığı konusunda da yüksek taleplerde bulundu. Librettistlerin çalışmalarını aktif olarak yönetti. Besteci kendisi çok sayıda opera librettosu yazdı.

Rimsky-Korsakov'un senfonik çalışması operayla karşılaştırıldığında o kadar büyük ölçekli ve çeşitli değil. Ancak bu alana parlak ve özgün bir katkı yaptı. Bestecinin müzikal düşüncesinin yaratıcı somutluğu, onun programatik (çoğunlukla resimsel, görsel) ve tür (halk şarkısı ve dans temalarıyla ilişkili) senfonisine olan tutkusunu belirledi. Türlerin ve biçimlerin karakteristik seçimi - uvertür (fantezi), senfonik resim, süit ve belirli bir stil yönü - çeşitlilik eğilimi, malzemenin gelişiminde süsleme, uyum ve orkestrasyonun renk olanaklarına özel dikkat.

Rimsky-Korsakov neredeyse tüm müzik türlerinde büyük bir yaratıcı miras bıraktı. Eserleri içerik bakımından çeşitlilik göstermektedir, ancak ana özelliği insanların yaşamına ve yaşam biçimine, düşüncelerine ve özlemlerine derinlemesine nüfuz etmektir.

Dahi Pyotr İlyiç Çaykovski (1840-1893)

Rus klasik bestecileri arasında Çaykovski'nin adı öne çıkıyor. Dünyanın her yerindeki müzik severler için çok değerlidir. Eserleri tüm insanları - profesyonel müzisyenleri ve genel halkı - eşit derecede büyülüyor ve heyecanlandırıyor. Çaykovski, çalışmalarını insana, Anavatan'a ve Rus doğasına olan sevgisine, mutluluk özlemlerine ve kötülüğün karanlık güçlerine karşı verdiği cesur mücadeleye adadı. Bestecinin müziği, sevinciyle, kederiyle, umutlarıyla, mücadelesiyle, çaresizliğiyle insanın tüm yaşamını kapsar. Ve Çaykovski ne hakkında konuşursa konuşsun, o her zaman dürüst ve samimidir.

Çaykovski'nin müzik tarzı, bestecinin ulusal kimliğin doğasına ilişkin alışılmadık fikirleri bağlamında gelişti. “Milli” ve “halk” yorumunda “Kuçkizm” taraftarlarından farklı bir yol izlemiştir. Rus folkloru onun için evrensel bir kaynak, müzik dilinin temel temeli değildi. Genelleştirilmiş, aracılı halk şarkısı tonlamalarının yardımıyla Çaykovski, modern çok yönlülüğünde "Rusluk", Rusya, Rus gerçekliğinin ulusal imajını somutlaştırdı. Bu nedenle besteci, müzikte özgün köylü folklorunun belirli türlerini kullanmaya başlamadı, ancak kendisini çevreleyen kentsel müzik yaşamının "tonlama sözlüğüne" yöneldi. Duygusal açıklık, samimiyet ve melodiyle birleşen tanıdık kentsel tonlamalar, Çaykovski'nin müziğini hem Rusya'da hem de yurtdışında en geniş dinleyici kitlesi için anlaşılır ve erişilebilir hale getirdi. Bu nedenle Çaykovski'nin eserleri hızla Avrupalıların sempatisini kazandı ve Rus müziğinin dünya çapında uluslararası tanınmasına katkıda bulundu.

Çaykovski neredeyse tüm türlerde yazdı ve her birinde parlak bir sanatçı olarak yeni sözünü söyledi. Ama belki de en sevdiği tür opera.Bu kitapta Çaykovski gerçek bir reformcu olarak ortaya çıktı. Besteci operayı en demokratik tür olarak hayal etti. "Opera" diye yazdı, "ve sizi insanlara yakınlaştıran, müziğinizi gerçek halka yakınlaştıran tek şey operadır..." Opera eylemi güçlü insani duygulara ve deneyimlere dayanmaktadır. Çaykovski operalarının içeriğine büyük önem verdi ve her zaman Rus yaşamından bir olay örgüsünü tercih etti, çünkü gerçekten tanıdığı ve iyi anladığı Rus halkıydı.

Çaykovski'nin en iyi eserlerinden biri "Eugene Onegin" operası.Çaykovski, "Eugene Onegin"in konusuna dayanan bir opera yazmaya karar vermeden çok önce, Puşkin'in şiirleriyle tutkuyla ilgilenmeye başladı. Şiirsel romanın en sevdiği kısımlardan biri Tatiana'nın Onegin'e yazdığı mektuptu ve besteci bu sözler için müzik bestelemeyi hayal ediyordu. Operanın ilk icrası, bestecinin isteği üzerine, 17 Mart 1879'da N. Rubinstein yönetimindeki Moskova Konservatuarı öğrencileri tarafından gerçekleştirildi.

Çaykovski operasına "lirik sahneler" adını verdi. Besteci tüm dikkatini kahramanlarının iç, manevi dünyasını ortaya çıkarmaya odakladı.

"Eugene Onegin" operası Rus opera sanatının en yüksek başarılarından biridir. Puşkin'in romanının gerçekçi görüntüleri, karakterleri "gerçek yaşayan insanlar" olan "samimi ama güçlü bir drama" yaratma sorununun çözülmesine yardımcı oldu. Karakterlerin kişisel draması, günlük fotoğrafların arka planında ortaya çıkıyor. Çeşitli gündelik sahneler operaya özel bir çekicilik katıyor.

"Kuğu Gölü"nün yeniliği - alışılmadıklığı ve daha önce gelen her şeyden farklılığı - hemen tam olarak anlaşılmasa bile, zaman zaman aydınlanmış müzikseverler arasında şaşkınlığa neden olsa da hem halk hem de eleştirmenler tarafından hemen fark edildi. Bazıları besteciyi yaratıcı hayal gücünün yoksulluğu, temaların ve melodilerin monotonluğu ve belli bir monotonluk nedeniyle kınadı. Diğerleri müziğin güzel olduğunu, hatta bale için fazla iyi olduğunu düşünüyordu. Bununla birlikte, balenin Moskova Bolşoy Tiyatrosu'ndaki galası (20 Şubat 1877) başarılı oldu ve performans, bu prodüksiyonun sahnesinin tamamen bakıma muhtaç hale geldiği 1883 yılına kadar repertuarda kaldı.

Yeni bir bale yaratılmasının takdirle karşılandığı basında ilk inceleme G.A.'ya aitti. Laroche: “Müzik açısından “Kuğu Gölü” şimdiye kadar dinlediğim en iyi bale... Biri daha plastik, daha melodik, diğerinden daha büyüleyici melodiler bereketten fışkırıyormuşçasına akıyor; Dans numaraları arasında hakim olan vals ritmi, o kadar çeşitli zarif ve büyüleyici desenlerde somutlaşıyor ki, yetenekli ve çok yönlü bir bestecinin melodik imajı hiçbir zaman bu kadar parlak bir teste dayanamadı...”

Aynı zamanda Çaykovski'nin eserlerinde senfonik müzik de önemli bir yer tutar. 6 senfoni ve “Manfred” program senfonisi, piyano ve orkestra için üç konçerto, keman için bir konçerto ve birkaç orkestra süiti yazdı. Senfonik tek hareketli oyunlardan, fantezi "Francesca da Rimini" ve Shakespeare'in olay örgüsüne dayanan program oyunları (uvertür-fantezi "Romeo ve Juliet", fantezi "Fırtına") özellikle öne çıkıyor.

Bestecinin yaratıcı ilgi alanları alışılmadık derecede geniştir. Mirası on opera (Eugene Onegin, Ondine, Demirci Vakula, Maça Kızı vb.), üç bale (Kuğu Gölü, Uyuyan Güzel, Fındıkkıran), yedi senfoni, ondan fazla orkestra eseri, enstrümantal konserler, koro ve piyano müziği, oda ve vokal eserleri. Çaykovski her alanda yenilikçiydi, ancak hiçbir zaman reformist olmayı amaçlamadı. Besteci, geleneksel türleri kullanarak bunları güncelleme fırsatları buldu.

Çaykovski, "Ruhumun tüm gücüyle müziğimin yayılmasını, böylece onu seven, onda teselli ve destek bulan insanların sayısının artmasını istiyorum" diye yazdı.. Bestecinin dileği gerçekleşti.

Çaykovski'nin eserleri, 19. yüzyıl dünya müzik kültürünün zirvesidir; 20. yüzyıl bestecilerinin ve çağdaşlarımızın ilham almaktan asla vazgeçmediği, sürekli yaşayan ve değerli bir bahardır.

Çözüm

19. yüzyıl Rus ve dünya müziğine harika eserler verdi. "Ruslan ve Lyudmila" ve "Ivan Susanin", "Eugene Onegin" ve "Kuğu Gölü" Rus kültürünün gururudur. Rus müziğinin altın fonu Borodin'in eserlerini, Balakirev, Rimsky-Korsakov, Borodin, Cui'nin aşklarını içeriyor.

Rus besteciler yurt dışına seyahat etmeye başladı. Orada müzik sanatının önde gelen ustalarıyla iletişim kurdular ve en önemlisi Avrupa müzik eğitimi aldılar. Rusya, Avrupa'da karşılıklı ilgi uyandırdı ve yüzyıl boyunca birçok seçkin müzisyen Moskova ve St. Petersburg'u gezdi. Avrupa kültürüyle tanışma, Rus besteci ve yorumcularının entelektüel ve profesyonel seviyelerini artırmakla kalmadı, aynı zamanda ulusal müzik geleneklerini daha iyi anlamalarına ve kendilerini daha iyi tanımalarına da yardımcı oldu.

Bugünlerde Amerika'nın en sevilen Rus bestecisi kim? Elbette Çaykovski. Hatta pek çok Amerikalı Pyotr Ilyich'i Amerikalı bir besteci olarak görüyor. Çalışmalarını Amerika'da yürütürken New York'taki ünlü Carnegie Hall'un açılışına davet edildi. Müziği Amerika'da neredeyse her gün radyoda duyuluyor, özellikle 4. ve 6. senfoniler ve 1. piyano konçertosu. Amerika'nın en sevdiği bale Fındıkkıran'dır.

Klasik besteciler Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Çaykovski'nin eserleri, 19. yüzyıl Rus kültürünün gerçek bir hazinesidir. Gelenekleri, 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarındaki bestecilerin - Taneyev ve Glazunov, Lyadov ve Arensky, Kalinikov, Scriabin ve Rachmaninov - eserlerinde uygulama ve gelişme buldu. Hepsi büyük seleflerinin değerli mirasçılarıdır.

Ders çalışmamda 19. yüzyılda Rusya'nın müzikal gelişimini gösterdim, müzik kültürünün durumunu analiz ettim, özelliklerini belirledim, bu yüzyılın bestecileri ve eserleri hakkında konuştum ve ayrıca 19. yüzyıl Rus müziğinin önemini ortaya koydum. yüzyıl dünya kültürü için.

19. yüzyılın Rus müzik kültürü, Avrupa kültürüyle birleşerek, dönüşümüyle özgün özellikler kazanmış ve günümüze kadar gelişerek üzerinde önemli bir etkiye sahip olmaya başlamıştır.

Kaynakça

1. Büyük Sovyet Ansiklopedisi

2. Levashova O., Keldysh Y. Rus müziğinin tarihi - M., 1980

Dünya Çapındaki Ansiklopedi

Smirnova E. Rus müzik edebiyatı - M., 2001

Nikitina L.D. Rus müziğinin tarihi-M., 1999

Rapatskaya L.A. Rus müziğinin tarihi: Eski Rus'tan “Gümüş Çağına” - M., 2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Ek 1

Gurilev, Varlamov, Alyabyev, Verstovsky

Fedor İvanoviç Glinka

Svetozar'ın kostümünün taslağı. Opera "Ruslan ve Lyudmila"

Ek 2

Peter İlyiç Çaykovski

Bolşoy Tiyatrosu oyuncularının katılımıyla “Fındıkkıran” Balesi

özel ders

Bir konuyu incelemek için yardıma mı ihtiyacınız var?

Uzmanlarımız ilginizi çeken konularda tavsiyelerde bulunacak veya özel ders hizmetleri sağlayacaktır.
Başvurunuzu gönderin Konsültasyon alma olasılığını öğrenmek için hemen konuyu belirtin.