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République du Bachkortostan

École d'art pour enfants n°2

Résumé sur le sujet :

Rembrandt Harmens van Rijn

Effectué Étudiant 33 gr.

Pilyugina Anna

J'ai vérifié Sevastyanova I.A.

Oufa, 2007

1. Introduction

2. Biographie

3. Créativité

4. Analyse du travail

5. Conclusion

Introduction.

Au XVIIe siècle, la Hollande était l'un des pays les plus riches d'Europe. Les marchandises du monde entier affluaient vers sa capitale, Amsterdam. Les riches marchands et banquiers néerlandais voulaient que les œuvres d'art reflètent toute leur vie. La peinture était à cette époque la forme d’art la plus populaire et la plus développée. Tous les Néerlandais plus ou moins riches considéraient le tableau la meilleure décoration de votre maison. Selon un contemporain, dans les villes néerlandaises, « toutes les maisons étaient remplies de peintures ». Malgré le fait que certains artistes peignaient principalement des portraits, d'autres - des scènes de genre, d'autres - des natures mortes et d'autres encore - des paysages, ils cherchaient tous à représenter la vie qui les entourait de manière réaliste : véridique, simple, sans fioriture. Ils ont réussi et nombre d’entre eux sont devenus célèbres pendant des siècles. Mais quel que soit le niveau de compétence des peintres hollandais du XVIIe siècle, Rembrandt van Rijn, peintre, graveur et dessinateur hollandais, le plus grand artiste de tous les temps, les a tous surpassés par son grand art. Il vivait à une époque où la raison tentait déjà de triompher de la foi, où le droit du fort était contesté par le droit du riche, et où les faibles et les pauvres étaient méprisés et profanés. Le monde s'est étendu à l'intérieur de ses frontières, grâce aux grandes découvertes géographiques et à l'étude de l'univers, mais en même temps il s'est rétréci à l'échelle d'une maison privée ou même d'une âme individuelle, car la foi a été déclarée une affaire privée qui n'a pas en soi affecter de quelque manière que ce soit les processus de la société. Parfois, l'échelle d'une âme peut dépasser l'échelle de l'univers, et cette âme s'avère alors capable de générer ses propres mondes, ses propres univers. Ces personnes naissent une fois par siècle, sinon moins souvent. Rembrandt était précisément une telle personne, en qui vivait l'univers, et pas seulement. Il est formidable par son étonnante simplicité et son humanité. Grâce à la peinture, Rembrandt a pu, comme personne avant lui, révéler le monde intérieur de l'homme, ses expériences émotionnelles complexes.

Rembrandt n’a jamais été entouré d’honneurs, n’a jamais été au centre de l’attention générale, ne s’est pas assis au premier rang, pas un seul poète du vivant de Rembrandt n’a chanté ses louanges. Lors des fêtes officielles, les jours de grandes fêtes, on l'oubliait. Et il n’aimait pas et évitait ceux qui le négligeaient. Sa compagnie habituelle et appréciée était composée de commerçants, de citadins, de paysans, d'artisans - les gens les plus simples. Il aimait fréquenter les tavernes du port, où s'amusaient marins, chiffonniers, comédiens ambulants, petits voleurs et leurs copines. Il restait assis là avec plaisir pendant des heures, observant l'agitation et dessinant parfois des visages intéressants, qu'il transférait plus tard sur ses toiles.

Biographie.

Le 15 juillet 1606, à Leyde, le riche meunier Harmen Gerrits et son épouse Neeltge Willems van Zeitbroek donnent naissance à leur sixième enfant, prénommé Rembrandt. Le moulin était situé non loin du Rhin qui traversait la ville, c'est pourquoi Harmen Gerrits a commencé à s'appeler van Rijn, et toute la famille a reçu cet ajout au nom de famille.

Les parents, donnant à Rembrandt une bonne éducation, voulaient qu'il devienne scientifique ou fonctionnaire. Il étudie à l'école latine, puis à partir de 1620 à l'université de Leiden, qu'il quitte sans diplôme. L'envie de dessiner, qui se manifeste depuis l'enfance, le conduit à l'atelier du peintre local Jacob van Swanenburg, qui enseigne à Rembrandt les bases du dessin et de la peinture et l'initie à l'histoire de l'art. Après avoir étudié avec lui pendant trois ans, Rembrandt s'installe à Amsterdam en 1623 et poursuit ses études avec le célèbre peintre Pieter Lastman (1583-1633). Mais la formation n'a duré que six mois. En 1624, Rembrandt retourne à Leyde et y ouvre, avec son ami Jan Lievens, son atelier de peinture.

Rembrandt apprend des artistes du passé et de ses contemporains, maîtrisant les techniques de la peinture et de la gravure. Il étudie l'art italien à partir de moulages, de gravures, de copies et perçoit le début humaniste de l'art italien. Fin 1631, Rembrandt, célèbre portraitiste et auteur de peintures historiques, s'installe à Amsterdam, la plus grande ville commerçante. L'un des premiers tableaux peints par Rembrandt à Amsterdam fut le tableau « La leçon d'anatomie du docteur Tulp » (1632, La Haye, Mauritshuis), qui appartient à la tradition des portraits de groupe. Le tableau suscite un grand intérêt et Rembrandt devient l'un des jeunes portraitistes les plus en vogue d'Amsterdam.

En 1634, Rembrandt épousa la fille de l'ancien bourgmestre de Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, un noble et riche patricien. Son image fut immortalisée par Rembrandt dans de nombreux portraits avec une tendresse et un amour extraordinaires. De ce mariage naît un fils, Titus, un enfant d'amour et de joie. Dans son travail, Rembrandt était aussi réussi et heureux que dans son mariage. Il reçoit des commandes de portraits de la part des plus grands personnes riches villes, de riches corporations d'artisans commandent des portraits de groupe, le magistrat demande de peindre des tableaux sur différents sujets, y compris religieuses, ses gravures sont vendues dans les boutiques des antiquaires les plus réputés. Il a de nombreux étudiants. Rembrandt achète une grande maison à trois étages dans la rue Breestraat, où il possède un atelier, des salons et même un magasin. En meublant la maison avec des objets luxueux, l'artiste crée une riche collection, qui comprenait des œuvres de Raphaël, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck, des gravures d'œuvres de Michel-Ange, Titien. Rembrandt collectionnait des miniatures persanes, des vases, des coquillages, des bustes antiques authentiques, de la porcelaine chinoise et japonaise, du verre vénitien, des tissus orientaux coûteux, des costumes. divers peuples, tapisseries, instruments de musique.

Au début des années 40, Rembrandt était un peintre populaire et bien payé. Au cours des années 1930, il peint une soixantaine de portraits sur commande. Il compte environ 15 étudiants. L’un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt de cette période est « Danaé » (1636-1646, Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage). Il a commencé à travailler sur le tableau pendant une période de bonheur familial, au zénith de la gloire. Mais au cours des années suivantes, beaucoup de choses ont changé : les trois enfants de Rembrandt sont morts et, quelques mois plus tard, son épouse bien-aimée Saskia (1642) est décédée, laissant le jeune Titus dans ses bras. Bientôt, il perd sa mère et ses sœurs. Après la mort de Saskia, la vie de Rembrandt semblait présenter une fissure qui ne guérirait qu'à la fin de ses jours. Dans les années 1650, il reçut de moins en moins de commandes. Les riches ne lui commandent plus leurs portraits, le magistrat ne finance pas les peintures des édifices publics. Dans les églises de cette époque, les peintures n'étaient pas non plus nécessaires, puisque le protestantisme, qui avait une attitude négative envers l'art religieux, a gagné en Hollande. Les eaux-fortes de Rembrandt, qui se vendaient si bien il y a seulement quelques années, ne trouvent désormais plus d'acheteur. Depuis quelques temps, Rembrandt, habitué à vivre grand, continue de vivre, mais ce n'est plus à la hauteur de ses moyens. En raison de dettes impayées, les créanciers intentent des poursuites formelles, recherchent décision du tribunal sur l'emprisonnement. En 1656, par une décision de justice, la mairie d'Amsterdam déclara Rembrandt débiteur insolvable, un inventaire des biens fut dressé et en 1656-1658, ils furent vendus. La valeur réelle de la propriété de l’artiste était plusieurs fois supérieure au montant de ses dettes : la collection était évaluée à 17 000 florins. Cependant, elle n'a été vendue que 5 000 $, la maison était évaluée à la moitié de son coût initial. Mais tous les créanciers n’étaient pas satisfaits. Et le tribunal a statué que toutes les peintures que l'artiste créerait devaient être vendues pour rembourser ses dettes ; le tribunal a également privé Rembrandt du droit de propriété, à l'exception des vêtements et du matériel de peinture, ce qui signifiait une existence misérable. La campagne de persécution de l’artiste inclut également les proches de Saskia, avec lesquels Rembrandt a eu un conflit du vivant de Saskia, car ils prétendaient que l'artiste dilapidait la fortune de sa femme. Bien qu'à cette époque Rembrandt ait fait grâce à son travail une fortune qui dépassait celle de son épouse, il rassemblait une magnifique collection de valeurs artistiques. Le célèbre peintre, qui a connu très tôt la gloire et la fortune, s'est avéré être un homme pauvre à l'âge de cinquante ans, il vit seul, oublié des admirateurs et des amis. Certes, il peint encore beaucoup, mais toutes ses toiles sont aussitôt confisquées par les créanciers...
En plus de peindre, la seconde épouse de Rembrandt, Hendrikje Stoffels, est devenue une consolation pour le sort de Rembrandt. Ou plutôt, elle était sa gouvernante, et il vivait avec elle, comme on dit, à mariage civil. La société puritaine l'a sévèrement condamné pour cette « cohabitation ». L'artiste ne pouvait pas officiellement l'épouser, car. Selon le testament de Saskia, Rembrandt, en contractant un nouveau mariage, serait privé du droit d'être le tuteur de l'héritage de son fils Titus. Cependant, Hendrikje n'était pas seulement une femme économique, mais aussi une femme aimable ; pour Titus, elle est devenue une véritable mère. En 1654, elle donne naissance à Cornelia, la fille de Rembrandt. L'image d'Hendrikje Stoffels est également représentée dans les peintures de Rembrandt. Elle n'est pas aussi jeune et belle que Saskia, mais l'artiste la regarde avec des yeux d'amour et la représente avec une grande chaleur. L'église condamne à nouveau sa cohabitation avec Hendrickje, leur fille Cornelia est déclarée illégitime. La famille de Rembrandt déménage dans le quartier le plus pauvre d'Amsterdam. Après la ruine de son père, Titus, afin de rendre ses biens totalement inaccessibles aux créanciers de Rembrandt, rédige un testament dans lequel il laisse toute sa fortune à sa sœur Cornelia, et nomme Rembrandt tuteur avec droit d'utiliser l'argent. . Malgré la situation difficile, Rembrandt continue de peindre.

En 1660, Titus et Hendrickje ouvrirent un magasin d'antiquités, où Rembrandt fut engagé comme expert. Et bien que, selon la décision du tribunal, les tableaux nouvellement peints par Rembrandt devaient être transférés à la disposition des créanciers, le contrat de travail donnait à l'artiste la possibilité de transférer ses œuvres au magasin d'antiquités. Cela a permis à la famille d'augmenter ses revenus et d'acheter une maison.

Les ennuis ne cessent de s'abattre sur l'artiste : en 1663, il perd sa bien-aimée Hendrikje Stoffels, qui, selon son testament, laisse un magasin d'antiquités à Titus et un petit héritage à Rembrandt. En 1668, son fils Titus décède. Seule sa fille Cornelia, alors âgée de 14 ans, est restée avec lui. Rembrandt devient le tuteur de sa fille Cornelia. Et pourtant, malgré tout, Rembrandt continue de peindre des tableaux, de graver des gravures et d'élaborer de plus en plus de nouveaux projets.

En février 1668, Titus épousa Magdalena van Loo, mais mourut peu de temps après. Cela porta un coup dur à Rembrandt et le 8 octobre 1669, il mourut dans les bras de sa fille Corneille.

Création.

L'œuvre de Rembrandt constitue sans aucun doute le summum de l'école hollandaise. Ce maître était seul parmi ses confrères artistes. Ils le considéraient comme « le premier hérétique de la peinture », même si plus tard ils commencèrent eux-mêmes à être appelés « petits Hollandais » - pour souligner à quel point Rembrandt les avait dépassés.

Le style baroque, né au XVIIe siècle, a également eu une grande influence sur son œuvre, mais la sophistication, le faste et la théâtralité accentuée de ce style étaient loin des recherches de Rembrandt. Il était fan de l'œuvre de Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1510), fondateur du mouvement réaliste de la peinture européenne du XVIIe siècle.

Rembrandt a peint ce qu'il a observé dans la vie, et tout ce qu'il a représenté est devenu inhabituellement poétique. Ce miracle a été réalisé par le pinceau d'un grand maître. Dans les peintures de Rembrandt, le crépuscule domine et une douce lumière dorée fait ressortir les personnages. Les couleurs elles-mêmes, comme réchauffées par la chaleur intérieure, scintillent comme

gemmes Le thème religieux occupe une place particulière dans l’œuvre de Rembrandt ; c’est ici que se manifeste l’originalité du maître. La principale source d'inspiration de Rembrandt était la Bible. Même lorsque les peintures sur des thèmes religieux n'étaient pas demandées, l'artiste les peignait pour lui-même, car il en ressentait un réel besoin. Ces peintures incarnent son âme, sa prière, sa lecture profonde de l'Évangile. L'artiste a lu la Bible dans sa langue maternelle, qui ne se distingue pas par la grâce. Il le met sous une forme compréhensible et proche de ses contemporains, gens de vie simple et de foi simple. Il existe une telle étable dans laquelle le Sauveur est né dans chaque village néerlandais. Le temple de Jérusalem, où frère Siméon prend le divin enfant dans ses bras, ressemble aux anciennes cathédrales d'Amsterdam. Et tous les personnages de ses peintures bibliques, et même les anges, ressemblent aux bourgeois et aux paysans que l'on retrouve partout dans ce pays.

Dans le style de l'artiste au fil des années, le clair-obscur devient de plus en plus important, à l'aide duquel il place des accents spirituels et émotionnels ; partout la lumière est le « personnage principal » de l'image et la clé de l'interprétation de l'intrigue. Il s'intéresse à l'essence cachée des phénomènes, au monde intérieur complexe des gens. En 1648, il peint le tableau « Le Christ à Emmaüs », où le clair-obscur crée une atmosphère émotionnelle tendue. "L'Expulsion des marchands du Temple" a été peint par Rembrandt à l'âge de vingt ans. Certaines caractéristiques de cette œuvre témoignent de l'inexpérience du maître des novices, même si beaucoup préfigurent déjà ses futurs chefs-d'œuvre. Il n'est pas difficile de remarquer des péchés professionnels dans tableau : erreurs de perspective et de proportions. Cependant, le choix même du sujet témoigne des aspirations indépendantes du jeune peintre. Contrairement à l'attachement de la plupart des peintres hollandais au genre quotidien, il se tourne vers une peinture historique sur un sujet biblique et le peint avec une intensité dramatique de passion inhabituelle pour le « petit Hollandais ». Les états émotionnels extrêmes recréés sur la toile - peur, horreur, colère - témoignent de l'intérêt précoce de l'artiste pour le monde intérieur de l'homme. Cette accentuation quelque peu grotesque des manifestations spirituelles fut le point de départ du parcours créatif de Rembrandt, qui le conduisit plus tard à la découverte de la vie aux multiples facettes de l’âme humaine.

Pour autant, le langage pictural de Rembrandt est étonnamment subtil et sophistiqué, l’artiste réalise d’incroyables nuances de couleurs, des jeux d’ombre et de lumière et construit magistralement une composition. Les types de ses peintures sont volontairement communs, mais leurs sentiments et expériences sont profonds et sublimes. Ce contraste donne aux peintures du maître un caractère unique. Rembrandt atteint une sophistication particulière dans le graphisme. Ici, il atteint une incroyable subtilité de ligne et de trait, mais ce n'est qu'un moyen de pénétration profonde dans l'intrigue. Essentiellement, Rembrandt est le créateur de la gravure, mais même après lui, rarement quelqu'un a été capable de transmettre avec autant de précision psychologique l'état spirituel des personnages. Le thème biblique est ici aussi le thème principal. Les versions graphiques de la parabole du fils prodigue étonnent par l'intensité de leur drame et n'affectent pas moins le spectateur que le célèbre tableau sur ce sujet.

Les peintures et gravures de Rembrandt sont bien plus connues du public que ses dessins, qui restèrent longtemps l'objet d'intérêt d'un cercle restreint de collectionneurs et d'experts. Cependant, la figure de Rembrandt le dessinateur n'est en rien inférieure à Rembrandt le peintre ou au graveur. Les dessins du maître, conservés en grande quantité - environ 1 700 feuilles, constituent un domaine autonome de son œuvre. Et l’une des caractéristiques les plus remarquables des dessins de Rembrandt est leur capacité à faire du spectateur un témoin et un participant à la naissance de la pensée artistique d’un maître brillant. Parmi ces feuilles se trouve un petit croquis « Une femme avec un enfant ». Exécuté au stylo roseau, il conserve toute la liberté et la spontanéité d’une esquisse instantanée sur le vif ou de mémoire, lorsque la main de l’artiste a à peine le temps d’en tracer les grandes lignes.

Les dernières œuvres du maître étonnent par le raffinement de leur style, la profondeur de pénétration dans le monde intérieur des images, les effets d'ombre et de lumière sont encore plus intensifiés, transformant les toiles en tableaux chatoyants comme des pierres précieuses. En graphisme, Rembrandt atteint également des sommets de compétence incroyables.

Aujourd’hui encore, il peint souvent des autoportraits, les regardant comme dans un miroir, essayant peut-être de démêler son propre destin ou de comprendre le plan de Dieu, qui le guide si bizarrement tout au long de la vie. Les autoportraits de Rembrandt ne sont pas seulement le summum de sa créativité, ils n'ont pas d'analogue dans la galerie mondiale de portraits. Dans les autoportraits de ces dernières années, nous voyons une personne endurer héroïquement des épreuves difficiles et l'amertume de la perte. En tant que portraitiste, il est le créateur d’un genre unique de portrait-biographie, où la longue vie d’une personne et son monde intérieur se révèlent dans toute sa complexité et ses contradictions. L'œuvre de Rembrandt dans les années 1650 est principalement marquée par des réalisations dans le domaine du portrait. Extérieurement, les portraits de cette période se distinguent généralement par leur grande taille, leurs formes monumentales et leurs poses calmes. Les modèles sont généralement assis sur des chaises profondes, les mains sur les genoux et face au spectateur. Le visage et les mains sont mis en valeur par la lumière. Ils sont toujours âgés, sages expérience de la vie les gens sont des vieillards, des hommes et des femmes, avec le sceau de pensées sombres sur le visage et un travail acharné sur les mains. De tels modèles ont donné à l'artiste de brillantes occasions de montrer non seulement les signes extérieurs de la vieillesse, mais aussi l'apparence spirituelle d'une personne. Dans les portraits inhabituellement émouvants et sincères de Rembrandt, vous semblez ressentir la vie vécue par une personne. Représentant ses proches, ses amis, ses mendiants et ses personnes âgées, il transmettait à chaque fois avec une vigilance étonnante les mouvements changeants de son âme, la vive inquiétude des expressions faciales et les changements d'humeur.

Analyse des œuvres.

1. “ Le retour du fils prodigue ”

Au milieu des années 1660, Rembrandt achève son œuvre la plus sincère, « Le retour du fils prodigue ». Cela peut être considéré comme un témoignage de Rembrandt l'homme et de Rembrandt l'artiste. C’est ici que l’idée que Rembrandt a défendue tout au long de sa vie trouve son incarnation la plus élevée et la plus parfaite. Et c’est dans cette œuvre que l’on retrouve toute la richesse et la variété des techniques picturales et techniques que l’artiste a développées au cours de plusieurs décennies de créativité. En lambeaux, épuisé et malade, ayant dilapidé sa fortune et abandonné par ses amis, le fils apparaît sur le seuil de la maison de son père et ici, dans les bras de son père, trouve pardon et consolation. L’immense joie lumineuse de ces deux vieillards, qui ont perdu tout espoir de rencontrer son fils, et celui-ci, accablé de honte et de remords, cachant son visage sur la poitrine de son père, constitue le principal contenu émotionnel de l’œuvre. Les témoins involontaires de cette scène restèrent silencieux, choqués. L'artiste se limite extrêmement à la couleur. L'image est dominée par des tons ocre doré, rouge cannelle et brun noir avec une richesse infinie de transitions subtiles au sein de cette maigre gamme. Un pinceau, une spatule et un manche de pinceau sont impliqués dans l'application de la peinture sur la toile ; mais même cela semble insuffisant à Rembrandt. Il applique de la peinture sur la toile directement avec son doigt (c’est ainsi qu’est écrit par exemple le talon du pied gauche du fils prodigue). Grâce à diverses techniques, on obtient une vibration accrue de la surface de la peinture. Les couleurs brûlent, ou scintillent, ou couvent faiblement, ou semblent briller de l'intérieur, et pas un seul détail, pas un seul coin, même le plus insignifiant, de la toile ne laisse le spectateur indifférent. Seule une personne sage avec une énorme expérience de vie et un grand artiste ayant parcouru un long chemin pourraient créer cette œuvre brillante et simple. Dans Le Retour du fils prodigue, rien ne se passe et rien n'est dit. Tout a été dit, pensé, souffert et ressenti il y a bien longtemps, au fil des années une longue attente, mais il y a la joie d'une rencontre, calme et lumineuse... « Le retour du fils prodigue » fut la dernière grande œuvre du maître. 2. “ Danaé ”

Lorsque le roi de l'ancienne ville grecque d'Argos apprit une prophétie selon laquelle il était destiné à mourir des mains du fils de Danaé, sa fille, il l'enferma dans un cachot et lui assigna une servante. Dieu Zeus Cependant, elle pénétra dans Danaé sous forme de pluie dorée, après quoi elle donna naissance à un fils, Persée.

Rembrandt a commencé à peindre le tableau « Danae » en 1636, deux ans après son mariage avec Saskia van Uylenburch. L'artiste aime beaucoup sa jeune épouse et la représente souvent dans ses peintures. « Danaé », écrit par Rembrandt non pas pour la vente, mais pour sa maison, ne fait pas exception. Le tableau resta chez l'artiste jusqu'à la vente de sa propriété en 1656. Pendant longtemps On ne savait pas pourquoi la ressemblance avec Saskia n'était pas aussi évidente que dans d'autres peintures de l'artiste des années 1630, et pourquoi le style qu'il utilisait par endroits ressemblait davantage aux créations de sa période ultérieure. Ce n'est que relativement récemment, au milieu du 20e siècle, que la réponse à cette énigme a été trouvée grâce à la fluoroscopie. Sur les photographies aux rayons X, la ressemblance avec l'épouse de Rembrandt est plus évidente. Il s’avère que le tableau a été modifié après la mort de l’épouse de l’artiste (1642), à une époque où il entretenait une relation intime avec Gertje Dirks. Les traits du visage de Danae dans le tableau ont été modifiés de telle manière qu’ils combinent les deux femmes préférées de l’artiste. De plus, la fluoroscopie a montré que l'image originale montrait une pluie dorée tombant sur Danae et que son regard était dirigé vers le haut et non sur le côté. L'ange à la tête du lit avait un visage rieur et la main droite de la femme était tournée vers le haut.

Dans le tableau, une jeune femme nue au lit est éclairée par un courant de soleil chaud tombant à travers le dais tiré par la servante. La femme releva la tête au-dessus de l'oreiller et tendit main droite vers la lumière, en essayant de la sentir avec ma paume. Son regard confiant est tourné vers la lumière, ses lèvres légèrement entrouvertes en un demi-sourire. Une coiffure emmêlée, un oreiller froissé - tout suggère qu'il y a à peine une minute, enveloppée dans un bonheur somnolent, la femme regardait de beaux rêves dans son lit luxueux. Danae a reçu une caractérisation psychologique approfondie et une gamme contradictoire de ses sentiments et expériences. "Danae", grâce à laquelle le monde intérieur le plus intime d'une femme a été révélé, toute la gamme complexe et contradictoire de ses sentiments et de ses expériences. « Danaé » est donc un exemple concret et clair de la formation du célèbre psychologisme de Rembrandt. Le tableau « Danaé » est reconnu comme l’une des meilleures œuvres de l’artiste. 3. “ Leçon d'anatomie par le Dr Tulpa ”

Les identités des deux personnes figurant sur ce portrait sont connues. L'un d'eux est le Dr Nicholas Tulp, qui montre au public la structure des muscles du bras humain. L'autre est un cadavre : Aris Kindt, surnommé le Bébé, de son vrai nom Adrian Adrianzon. Le défunt a grièvement blessé un gardien de prison à Utrecht et a battu et volé un homme à Amsterdam. Pour cela, le 31 janvier 1632, il fut pendu et remis pour une autopsie publique à la Guilde des Chirurgiens d'Amsterdam.

De tels cours ouverts d’anatomie étaient courants non seulement aux Pays-Bas mais dans toute l’Europe. Ils n'avaient lieu qu'une fois par an, généralement le mois d'hiver afin que le corps soit mieux conservé, elles ont un caractère cérémonial et durent généralement plusieurs jours. Les spectateurs étaient des collègues, des étudiants, des citoyens respectés et des citadins ordinaires.

Portrait de groupe de la guilde

Les autopsies ont eu lieu dans des salles d'anatomie forme ronde avec des rangées montantes. La table avec le corps, située au centre du théâtre, était clairement visible depuis n'importe quel siège. À propos d’Amsterdam Théâtre anatomique on sait peu de choses ; Rembrandt se contente de l’esquisser sur sa toile. On peut imaginer une salle remplie de spectateurs à la place de l'observateur.

Le tulpa a un rang plus élevé que les autres personnages ; il est le seul représenté dans le tableau portant un chapeau. Très probablement, le reste des frères de l'atelier n'a pas de formation universitaire. Peut-être ont-ils financé conjointement ce tableau - le portrait de groupe servait à glorifier ceux qui y sont représentés et à décorer la résidence de la guilde.

Rembrandt a représenté les personnages sur sa toile différemment de ses prédécesseurs. En règle générale, ils étaient représentés assis en rangées et ne regardant pas le corps, mais directement le spectateur. L'artiste a représenté les chirurgiens de profil ou demi-tour et les a regroupés sous la forme d'une pyramide, le personnage principal n'étant pas situé à son sommet.

En outre, il souligne délibérément le véritable intérêt des personnes rassemblées. Deux personnes se sont penchées en avant, leur posture et leurs regards indiquent qu'ils veulent certainement tout voir d'aussi près et avec précision que possible, alors qu'il est difficile de croire que les deux chirurgiens étaient vraiment emportés par l'action cérémoniale en cours et essayaient de satisfaire leurs exigences scientifiques. intérêt. Il est peu probable que les personnes rassemblées soient assises si près de la scène de l'action ; Rembrandt a concentré ce qui se passait dans un espace étroit, entourant le mort d'une attention et d'une vie intenses.

Autopsie

C'est surprenant que l'autopsie ait commencé par la main. En règle générale, les chirurgiens ouvraient d’abord la cavité abdominale et retiraient les organes internes. 24 ans plus tard, Rembrandt peint la toile « Conférence sur l'anatomie du Dr Deyman », qui représente un corps avec une cavité abdominale ouverte - selon les canons alors en vigueur.

Cela pourrait être dû à deux raisons. Le premier est un hommage à André Vésale, fondateur de l’anatomie moderne, devenu célèbre pour ses études sur l’anatomie de la main. La seconde est qu’en représentant une main, l’artiste pourrait plus facilement introduire un message religieux dans le tableau. Tout comme les tendons contrôlent la main, Dieu contrôle les gens. La science devait prouver aux hommes la puissance de Dieu.

Dr Nicolas Tulp

Le Dr Nicholas Tulp s'appelait en réalité Klaus Pietersohn et était né en 1593 et décédé en 1674. Le nom de famille Tulp vient de la maison de ses parents, où se tenait autrefois une vente aux enchères de fleurs.

Tulp appartenait au sommet de la société amstellodamois ; il fut plusieurs fois bourgmestre d'Amsterdam. Au moment de peindre, il était membre du conseil municipal et prélecteur (président) de la guilde des chirurgiens. Tulp était médecin en exercice à Amsterdam, l'anatomie étant l'un des domaines dans lesquels il se spécialisait. Rembrandt a souligné sa position particulière en le représentant à l'écart des chirurgiens assis les uns à côté des autres. De plus, l'artiste a représenté le seul Tulpa portant un chapeau : en intérieur, avoir le privilège de porter une coiffe a toujours été un signe d'appartenance à la haute société.

Le corps d'Aris Kindt

Les artistes avant Rembrandt représentaient généralement le visage du défunt recouvert d'un foulard ou une personne debout devant lui. Les observateurs ont dû oublier que devant eux se trouvait un homme qui était en train d'être démembré sous leurs yeux. Rembrandt a proposé une solution intermédiaire : il a représenté son visage à moitié couvert d'ombre. Un jeu typique de Rembrandt sur le contraste de la lumière et de l'ombre, comme visibles au crépuscule ombre morte- l'ombre de la mort.

Bien que le Docteur Tulp soit le personnage central, le corps d'Aris Kindt occupe une plus grande surface sur la toile. La lumière principale tombe également sur lui, sa nudité et son engourdissement le distinguent des personnes représentées sur l'image. Il semble que Rembrandt ait alors représenté les chirurgiens de si près et donné une telle dynamique à la toile afin de souligner ainsi l'immobilité du corps, rendant tangible sa mort.

Conclusion.

L'héritage créatif du maître est énorme ; Rembrandt a été incroyablement productif : il a créé plus de 250 peintures, 300 gravures et 1000 dessins. L'artiste est mort dans la pauvreté, mais après sa mort, ses œuvres sont devenues extrêmement précieuses.

L'œuvre de Rembrandt a eu une influence considérable sur le développement des beaux-arts mondiaux. Ses œuvres se trouvent aujourd'hui dans de nombreux musées à travers le monde et dans des collections privées. Et aux Pays-Bas, l'anniversaire de Rembrandt, le 15 juillet, est célébré comme une fête nationale.

L'artiste a élevé les beaux-arts à un nouveau niveau, l'enrichissant d'une

Vitalité et profondeur psychologique. Rembrandt a créé un nouveau langage pictural dans lequel Le rôle principal joué des techniques finement développées de clair-obscur et riche,

coloration émotionnellement intense.

REMBRANDT, HARMENS VAN RHYNE(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606-1669) - le plus grand artiste, peintre, dessinateur, graveur ayant vécu au XVIIe siècle. en Hollande.

Le 15 juillet 1606, à Leyde, le riche meunier Harmen Gerrits et son épouse Neeltge Willems van Zeitbroek eurent leur sixième enfant, prénommé Rembrandt. Le moulin était situé non loin du Rhin qui traversait la ville, c'est pourquoi Harmen Gerrits a commencé à s'appeler van Rijn, et toute la famille a reçu cet ajout au nom de famille.

Au 17ème siècle En Hollande, après la victoire sur l'Espagne, le catholicisme fut interdit ; le protestantisme n'autorise pas la décoration pittoresque des églises. Ainsi, l'église, qui était auparavant le plus gros client de la peinture, perd ce rôle, et la grande et moyenne bourgeoisie, citoyens riches, prennent le dessus. Les peintures destinées à décorer les maisons bourgeoises doivent désormais répondre à de nouveaux objectifs. Les tailles changent, de nouveaux sujets apparaissent, une division en genres de peinture se produit, l'intérêt pour le genre quotidien, le paysage, la nature morte, le portrait s'intensifie et une sorte de portrait de groupe se développe. Rembrandt apprend des artistes du passé et de ses contemporains, maîtrisant les techniques de la peinture et de la gravure. Il étudie l'art italien à partir de moulages, de gravures, de copies et perçoit le début humaniste de l'art italien. Le style baroque, né au XVIIe siècle, a également eu une grande influence sur son œuvre, mais la sophistication, le faste et la théâtralité accentuée de ce style étaient loin des recherches de Rembrandt. Il était fan de l'œuvre de Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1510), fondateur du mouvement réaliste de la peinture européenne du XVIIe siècle.

Déjà dans les portraits de Rembrandt de la période de Leyde, l’intérêt de l’artiste pour le monde intérieur de l’homme est visible. En accordant une attention primordiale à la révélation de l'état mental des personnes représentées, il omet des détails mineurs ( Portrait d'un vieux guerrier, D'ACCORD. 1630, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage). Il crée les premières peintures narratives ( Expulsion des commerçants du temple, 1626, Moscou, Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine ; Modifié, 1627, Berlin - Dahlem), des toiles au centre desquelles se trouvent des scientifiques ( Conversations des sages, 1628, Melbourne, Galerie nationale ; Scientifique à table, 1628, Londres, National Gallery ; Portrait d'un scientifique, 1631, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage). Étudiant attentivement l'art de la gravure, il crée de nombreux dessins, gravures et gravures.

Fin 1631, Rembrandt, célèbre portraitiste et auteur de peintures historiques, s'installe à Amsterdam, la plus grande ville commerçante. L'un des premiers tableaux peints par Rembrandt à Amsterdam, le tableau Bala Leçon d'anatomie par le Dr Tulpa(1632, La Haye, Mauritshuis), appartenant à la tradition des portraits de groupe. L'artiste transmet le portrait de tous les personnages, mais contrairement aux traditions d'un portrait de groupe, où chacun des portraits occupe une position égale, ici tous les personnages sont émotionnellement subordonnés au Tulpa. Le tableau suscita un grand intérêt et Rembrandt devint l'un des jeunes portraitistes à la mode d'Amsterdam.

En 1634, Rembrandt épousa la fille de l'ancien bourgmestre de Leeuwarden, Saskia van Uylenburg, une noble et riche patricienne. Après son mariage, il achète une grande maison. En meublant la maison avec des objets luxueux, l'artiste crée une riche collection, qui comprenait des œuvres de Raphaël, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck, des gravures d'œuvres de Michel-Ange, Titien. Rembrandt collectionnait des miniatures persanes, des vases, des coquillages, des bustes antiques authentiques, de la porcelaine chinoise et japonaise, du verre vénitien, des tissus orientaux coûteux, des costumes de diverses nations, des tapisseries et des instruments de musique.

Dans les années 30, Rembrandt était un artiste prospère, prospère et riche, ce qui se reflète dans ses œuvres. Dans de nombreux tableaux, il représente sa femme bien-aimée Saskia ( Portrait d'une Saskia souriante, 1633, Dresde, Galerie d'Art ; Flore, 1634, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage ; Le mariage de Samson, 1638, Dresde, Galerie d'art d'État). Le célèbre Autoportrait avec Saskia genoux(1635, Dresde, Galerie d'art d'État). Il se présente comme un gentleman joyeux avec un verre de vin, qui serre dans ses bras Saskia à moitié retournée, assise sur ses genoux, dos au spectateur. La photo est remplie de vitalité, d'énergie et imprégnée d'amour pour sa femme. Des peintures célèbres sur des thèmes bibliques datent de la même période ( Fête de Belshazzar,1634, Londres, National Gallery ; Sacrifier Abraham, 1635, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage), paysages ( Paysage avec étang et pont voûté, 1638, Berlin-Dahlem ; Paysage avec une tempête, 1639, Brunswick, Musée national du duc Anton Ulrich), portraits d'apparat, eaux-fortes. C'est l'époque où Rembrandt perfectionne ses techniques de peinture et de dessin, donnant à ses créations la plus grande expressivité et profondeur. Étudiant les méthodes d'écriture traditionnelles et les approches des thèmes révélateurs, il s'éloigne de plus en plus de ces traditions dans son travail. Au lieu de coups de pinceau lisses et glacés, appliqués en fines couches de peintures transparentes et translucides sur une couche dense de peintures et créant une surface picturale unique de la toile, il peint des images avec des traits nets et empâtés, abandonnant progressivement les détails détaillés.

Il a commencé à travailler sur le tableau pendant une période de bonheur familial, au zénith de la gloire. Mais au cours des années suivantes, beaucoup de choses ont changé : les trois enfants de Rembrandt sont morts, quelques mois après la naissance de son dernier fils, Titus, sa femme bien-aimée Saskia est décédée (1642), et il a rapidement perdu sa mère et ses sœurs. L'un des derniers portraits de sa femme était Dernier portrait de Saskia(1643, Berlin-Dahlem).

Au début des années 40, Rembrandt reçut une commande du capitaine du détachement de fusiliers Frans Banning-Kok pour un grand portrait de groupe du détachement pour le hall principal du nouveau bâtiment de la guilde des fusiliers d'Amsterdam. Célèbre est en train d'être créé La veille de nuit(1642, Amsterdam, Rijksmuseum) (3,87–5,02 m). L'escouade de 18 personnages constitue un groupe unique et cohérent entouré de citadins. Les flèches en marche émergent de l'arc du bâtiment vers la place illuminée, sous un drapeau agité. Le portrait de groupe prend le caractère d'un tableau historique unique dans lequel Rembrandt incarne son idée des idéaux civiques. Les avis des contemporains sur le tableau étaient partagés : certains ont immédiatement vu le chef-d'œuvre, d'autres, y compris les clients, ont trouvé que le tableau ne répondait pas aux traditions du portrait de groupe. Ils l'ont donc accroché dans un autre endroit plus petit qui ne lui était pas destiné, coupant la toile de tous les côtés, ce qui a perturbé la composition du tableau. Malgré cela, elle constitue un exemple inégalé de portrait de groupe, où chaque personnage se voit attribuer une caractéristique psychologique aiguë.

Les années 50 et 60 ont été marquées par la création de chefs-d'œuvre exceptionnels, ainsi que par l'approfondissement du conflit entre l'artiste et les autorités. Les autorités étaient mécontentes du fait que Hendrikje Stoffels, une ancienne servante de la maison de Rembrandt, soit devenue sa conjointe de fait. L'artiste ne pouvait pas l'épouser officiellement, car... Selon le testament de Saskia, Rembrandt, en contractant un nouveau mariage, serait privé du droit d'être le tuteur de l'héritage de son fils Titus. L'Église a persécuté Hendrikje à cause de sa relation, qui n'était pas sanctifiée par le mariage.

Rembrandt représente Hendrickje à plusieurs reprises, elle devient son modèle ( Portrait d'Hendrikje en vêtements riches, 1654, Paris, Louvre ; Portrait d'Hendrikje Stoffels, 1657-1658, Berlin-Dahlem ; l'image de Marie dans le tableau Sainte famille, 1645, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage, également inspiré par ses traits).

Rembrandt est presque totalement privé de commandes. A cette époque, il peint des tableaux sur des thèmes bibliques et mythologiques : Joseph, accusé par la femme de Pentéphrie(1655, Washington, National Gallery), Le Christ à Emmaüs(1648, Paris, Louvre). Au centre de l’œuvre de Rembrandt se trouve l’homme, son monde intérieur, ses expériences et ses joies. Payant grande attention portraits, il se concentre sur la révélation tranquillité d'esprit de leurs modèles : Portrait vieilles dames(1654, Moscou, Musée national des beaux-arts Pouchkine), Portrait d'un vieil homme en rouge(1654, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage), Titus lisant(vers 1657, Vienne, Kunsthistorisches Museum), Portrait Jan Syksa(1654, Amsterdam, Collection Six). Les autoportraits tardifs de l’artiste, frappants par leur polyvalence, appartiennent également à ce type de portraits. caractéristiques psychologiques: Autoportrait(vers 1652, Vienne, Kunsthistorisches Museum), Autoportrait(1660, Paris, Louvre). Rembrandt reçut des commandes de tableaux si rares à cette époque : Aristote méditant buste d'Homère(1653, New York, Metropolitan Museum of Art).

Après avoir acheté une maison luxueuse au cours des années de prospérité financière, Rembrandt n'a payé que la moitié du montant. Les dettes restantes, surtout après la mort de Saskia, conduisent progressivement l'artiste à la faillite. Les créanciers intentent des poursuites formelles et demandent une ordonnance du tribunal pour les emprisonner. La campagne de persécution de l’artiste inclut également les proches de Saskia, avec lesquels Rembrandt a eu un conflit du vivant de Saskia, car ils prétendaient que l'artiste dilapidait la fortune de sa femme. Bien qu'à cette époque Rembrandt ait fait grâce à son travail une fortune qui dépassait celle de son épouse, il rassemblait une magnifique collection de valeurs artistiques. L'église condamne à nouveau sa cohabitation avec Hendrickje, leur fille Cornelia est déclarée illégitime. En 1656, par une décision de justice, la mairie d'Amsterdam déclara Rembrandt débiteur insolvable, un inventaire des biens fut dressé et en 1656-1658, ils furent vendus. La valeur réelle de la propriété de l’artiste était plusieurs fois supérieure au montant de ses dettes : la collection était évaluée à 17 000 florins. Cependant, elle n'a été vendue que 5 000 $, la maison était évaluée à la moitié de son coût initial. Mais tous les créanciers n’étaient pas satisfaits. Et le tribunal a statué que toutes les peintures que l'artiste créerait devaient être vendues pour rembourser ses dettes ; le tribunal a également privé Rembrandt du droit de propriété, à l'exception des vêtements et du matériel de peinture, ce qui signifiait une existence misérable. La famille de Rembrandt déménage dans le quartier le plus pauvre d'Amsterdam. Après la ruine de son père, Titus, afin de rendre ses biens totalement inaccessibles aux créanciers de Rembrandt, rédige un testament dans lequel il laisse toute sa fortune à sa sœur Cornelia, et nomme Rembrandt tuteur avec droit d'utiliser l'argent. .

Malgré la situation difficile, Rembrandt continue de peindre. Il s'agit principalement d'autoportraits, de portraits de proches ( Portrait de Titus, 1660, Baltimore, Jacobs Collection), se tourne à nouveau vers l'image du David biblique ( David devant Saül, 1657, La Haye, Mauritshuis).

En 1660, Titus et Hendrickje ouvrirent un magasin d'antiquités, où Rembrandt fut engagé comme expert. Et bien que, selon une décision de justice, les tableaux nouvellement peints par Rembrandt devaient être transférés à la disposition des créanciers, le contrat de travail donnait à l'artiste la possibilité de transférer ses œuvres dans un magasin d'antiquités. Cela a permis à la famille d'augmenter ses revenus et d'acheter une maison. L'artiste se tourne une fois de plus vers des autoportraits et des peintures sur un thème biblique ( Artaxerxès, Haman et Esther, 1660, Moscou, Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine). Entre autres artistes, il reçoit une commande pour décorer l'hôtel de ville d'Amsterdam ( Conspiration de Jules Civillis ou Serment des Botavs, 1661, Stockholm, musée national). Le tableau (d’une taille d’environ 30 mètres carrés) est restitué à l’artiste « pour correction ». Mais Rembrandt a refusé d'apporter des modifications et la commande a été confiée à un autre artiste. Sur une partie de cette toile, Rembrandt a réalisé une autre commande : le célèbre portrait de groupe Syndics(1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Les syndics, contremaîtres et corporations de l'atelier de draperie sont assis à table en costumes noirs formels. La clarté et l'équilibre de la composition, la parcimonie et la précision de la sélection des détails, la création d'une image complète d'un groupe de personnes, l'angle inhabituel soulignant le caractère monumental de l'image, la solennité de ce qui se passe - tout cela classe le tableau comme un grand chef-d’œuvre de la peinture.

En 1663, Hendrikje décède et, dans son testament, elle laisse un magasin d'antiquités à Titus et un petit héritage à Rembrandt. Rembrandt devient le tuteur de sa fille Cornelia. Après une pause créative de deux ans, il peint plusieurs tableaux célèbres : David et Urie(1665, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage), Mariée juive(1665, Amsterdam, Rijksmuseum), Portrait de famille(1668-1669, Breungschweig, Musée d'État du duc Anton Ulrich). Mais la véritable apothéose de toute l’œuvre de Rembrandt fut le tableau Le retour du prodigue fils(1668-1669, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage). L'artiste a abordé ce sujet à plusieurs reprises (des croquis et des croquis peuvent déjà être trouvés dans les années 30). Sur une immense toile (260 × 205 cm), la figure agenouillée d’un fils, retournant sur le toit de son père, est représentée de dos. Sa figure incarne le repentir d'un homme qui a parcouru le chemin tragique de l'apprentissage de la vie. Le visage sage et spirituel d'un vieux père, sanctifié par une grande gentillesse, d'un fils acceptant et indulgent, est un chef-d'œuvre de Rembrandt, un maître qui sait pénétrer l'âme de ses personnages et montrer toutes leurs expériences sur toile. C'est une image sur la souffrance et le grand amour.

En février 1668, Titus épousa Magdalena van Loo, mais mourut peu de temps après. Cela porta un coup dur à Rembrandt et le 8 octobre 1669, il mourut dans les bras de sa fille Cornelia.

Le patrimoine créatif de Rembrandt est énorme : environ 600 peintures, près de 300 gravures et 1 400 dessins. Cela a affecté le travail de ses étudiants, dont les plus célèbres sont Gerrit Dou, Govart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabricius, Nicholas Mas. Il a également influencé le développement de l’art mondial dans son ensemble, même s’il a été apprécié de nombreuses années plus tard. Large palette thématique, humanisme, recherche d'expressivité moyens artistiques, la plus grande habileté a permis à l'artiste de donner vie aux idées avancées de l'époque. L'émotivité de ses œuvres est grande, créée par la couleur des peintures, construite sur une combinaison de tons chauds et proches et des nuances de couleurs les plus fines. Rembrandt a laissé un immense héritage artistique, créant des peintures sur des thèmes bibliques, historiques, mythologiques et quotidiens, des portraits et des paysages, et était un grand maître de la gravure et de l'eau-forte. Dans son œuvre, il accorde une attention centrale à l'homme, à son monde intérieur, à ses expériences et à la révélation de sa richesse spirituelle. La figure créatrice de Rembrandt se dresse depuis des siècles aux côtés des plus grands représentants de l'art mondial.

Nina Bayor

Qu’est-ce qui a rendu Rembrandt Harmens van Rijn célèbre ? Son nom devrait être connu de toute personne instruite. Il s'agit d'un artiste hollandais doué, graveur, maître inégalé du clair-obscur, l'un des plus grands représentants de l'âge d'or - une époque exceptionnelle de la peinture hollandaise, qui s'est produite au XVIIe siècle. L'article racontera la vie et l'œuvre de cette personne douée.

Le début du chemin

Rembrandt van Rijn est venu au monde en juillet 1606. Il est né dans la famille d'un riche meunier. Il était le neuvième enfant, le plus jeune de la famille. Ses parents étaient des gens éclairés. Ils remarquèrent très tôt que le garçon était naturellement doué d’intelligence et de talent, et au lieu de travailler dans l’artisanat, ils décidèrent de l’envoyer « vers la science ». Rembrandt s'est donc retrouvé dans une école latine, où il a étudié l'écriture, la lecture et la Bible. À l'âge de 14 ans, il termine ses études avec succès et devient étudiant à l'Université de Leiden, alors célèbre dans toute l'Europe. Le jeune homme était le meilleur en peinture et, encore une fois, ses parents ont fait preuve de sagesse et de prévoyance. Ils ont emmené leur fils à l'université et l'ont mis en apprentissage chez l'artiste Jacob Isaac Svanenbuerch. Trois ans plus tard, Rembrandt van Rijn connut un tel succès dans le dessin et la peinture que Peter Lastman lui-même, qui dirigeait l'école de peinture d'Amsterdam, commença à développer son talent.

Influence des autorités

Les premières œuvres de Rembrandt van Rijn ont été formées sous l'influence d'autorités telles que le maître de la peinture néerlandais Pieter Lastman, l'artiste allemand Adam Elsheimer et l'artiste néerlandais Jan Lievens.

La diversité, les couleurs et l'attention portée aux détails de Lastman sont clairement visibles dans des œuvres de Rembrandt telles que "La Lapidation de Saint-Étienne", "Le Baptême d'un eunuque", "Scène de histoire ancienne", " David devant Saül ", " Allégorie de la musique ".

Jan Lievens, ami de Rembrandt, travailla à ses côtés dans un atelier commun de 1626 à 1631. Leurs œuvres se chevauchent à bien des égards et leurs styles sont si similaires que même les critiques d'art expérimentés confondent souvent les mains des maîtres.

Le héros de notre article a été guidé par Adam Elsheimer, qui a compris l'importance du clair-obscur pour transmettre l'humeur et les émotions sur toile. L'influence du peintre allemand est clairement visible dans les œuvres « La Parabole de l'homme riche et insensé », « Le Christ à Emmaüs », « Siméon et Anne au Temple ».

Manifestation de l'individualité. Succès

En 1630, Harmen van Rijn mourut et ses biens furent partagés entre les frères aînés de Rembrandt. Le jeune artiste travaille quelque temps dans l’atelier de la maison de son père, mais en 1631 il part chercher fortune à Amsterdam.

Dans la capitale du royaume, il organise un atelier et commence à se spécialiser dans l'art du portrait. L’utilisation habile du clair-obscur, les expressions faciales caractéristiques, l’originalité de chaque modèle - tout cela a caractérisé la formation du style particulier de l’artiste. Rembrandt van Rijn commence à recevoir des commandes massives et connaît un succès commercial.

En 1632, il reçut une commande pour un portrait de groupe. Ainsi, la création « La Leçon d’Anatomie du Dr Tulp » voit le jour. L’œuvre brillante, pour laquelle Rembrandt a reçu une rémunération importante, non seulement le glorifie, mais confirme enfin la maturité créatrice de l’artiste.

Muse

Lors d'une visite sociale, le jeune artiste à la mode est présenté à la fille du maire de la ville, Saskia. Ce ne sont pas tant les caractéristiques extérieures de la jeune fille (elle n'était pas considérée comme une beauté, même si elle était jolie et joyeuse), mais plutôt sa dot substantielle qui attirait Rembrandt, et six mois après leur rencontre, les jeunes se fiancèrent, et un an plus tard, ils se sont mariés légalement. Le mariage a permis au héros de notre article d'entrer dans les plus hautes sphères de la société.

Les jeunes mariés vivaient bien. Rembrandt van Rijn a peint de nombreux portraits de sa femme, notamment celle-ci posant pour lui lors de la création du chef-d'œuvre "Danae". Ses revenus à cette époque étaient colossaux. Il a acheté un manoir dans le quartier le plus prestigieux d'Amsterdam, l'a meublé avec des meubles luxueux et a créé une impressionnante collection d'œuvres d'art.

Le mariage a donné naissance à quatre enfants, mais seul le plus jeune fils, Titus, né en 1641, a survécu. En 1642, Saskia mourut de maladie. Il semble qu’elle ait emporté avec elle la chance du maître.

Gloire qui s'estompe. Les ennuis de la vie

Depuis 1642, l'artiste est hanté par un mauvais sort. Rembrandt van Rijn atteint le sommet de son talent. Ses toiles sont cependant de moins en moins populaires, et il perd peu à peu clients et étudiants. Les biographes expliquent en partie cela par l’obstination du maître : il refuse catégoriquement de suivre l’exemple de ses clients et crée selon son cœur. La deuxième raison de la renommée décroissante du grand peintre est, curieusement, son habileté et sa virtuosité, que les gens ordinaires ne pouvaient ni comprendre ni apprécier.

La vie de Rembrandt change : il devient peu à peu pauvre, quitte manoir de luxe dans une modeste maison à la périphérie de la ville. Mais il continue de dépenser des sommes colossales en œuvres d’art, ce qui conduit à sa faillite totale. Le fils adulte Titus et Hendrikje, la maîtresse de Rembrandt, de la relation de laquelle il a eu une fille, Cornelia, prennent les affaires financières en main.

"La Compagnie du Capitaine Frans Baning Cocq" - une toile de 4 mètres, le plus grand tableau du maître, "La Femme au bain", "Flore", "Titus au béret rouge", "Adoration des bergers" - ce sont les œuvres de le maître, écrit par lui pendant une période difficile de sa vie .

Créations ultérieures

Au cours des dernières années de sa vie, Rembrandt van Rijn, dont la biographie est présentée dans l'article, a atteint le sommet de sa créativité. Il avait deux siècles d'avance sur ses contemporains et prédit les lignes de développement de l'art du XIXe siècle à l'ère du réalisme et de l'impressionnisme. Un trait distinctif de ses œuvres ultérieures est le monumentalisme, les compositions à grande échelle et la clarté des images. Les tableaux «Aristote avec un buste d'Homère» et «La Conspiration de Julius Civilis» sont particulièrement caractéristiques à cet égard. Les toiles « Le retour du fils prodigue », « Artaxerxès, Haman et Esther » et « La mariée juive » sont imprégnées d'un drame profond. Le maître a peint de nombreux autoportraits au cours des dernières années de sa vie.

Rembrandt van Rijn, dont les peintures sont de véritables chefs-d'œuvre de l'art, est mort dans la pauvreté en 1969. Il a été enterré tranquillement dans l'église Westerkerk d'Amsterdam. Elle ne fut appréciée que plusieurs siècles plus tard.

Rembrandt Harmens van Rijn : peintures d'un génie

Au cours de son court voyage sur Terre, Rembrandt a peint environ 600 tableaux, réalisé environ 300 gravures (gravures sur métal) et près de 1 500 dessins. La plupart de ses œuvres sont conservées au Rijksmuseum - Amsterdam Art Museum. Ses tableaux les plus célèbres :

"Leçon d'anatomie" (1632).
"Autoportrait avec Saskia" (1635).
"Danaé" (1636).
"Veille de nuit" (1642).
« Le retour du fils prodigue (166(7 ?)).

Rembrandt est l'un des plus grands artistes de l'histoire. Répète style caractéristique personne n'a réussi jusqu'à présent. Le fils doué et talentueux d'un meunier a laissé derrière lui un héritage inestimable : des chefs-d'œuvre de l'art mondial.

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Année de naissance: 15 juillet 1606

Date de décès: 4 octobre 1669

Un pays: Hollande

Biographie:

Né dans la ville néerlandaise de Leiden en 1606, le 15 juillet. Le père de Rembrandt était un riche meunier, sa mère était une bonne boulangère et était la fille d'un boulanger. Le nom de famille « van Rijn » signifie littéralement « du Rhin », c'est-à-dire du Rhin, où les arrière-grands-pères de Rembrandt possédaient des moulins. Des 10 enfants de la famille, Rembrandt était le plus jeune. D'autres enfants ont suivi les traces de leurs parents, mais Rembrandt a choisi une voie différente, artistique, et a fait ses études dans une école latine.
À l'âge de 13 ans, Rembrandt commence à apprendre à peindre et entre également à l'université de la ville. L'âge ne dérangeait alors personne, l'essentiel à cette époque était la connaissance au niveau. De nombreux chercheurs suggèrent que Rembrandt est entré à l’université non pas pour étudier, mais pour obtenir un sursis de l’armée.

Le premier professeur de Rembrandt fut Jacob van Swanenburch. Le futur artiste passe environ trois ans dans son atelier, puis s'installe à Amsterdam pour étudier avec Pieter Lastman. De 1625 à 1626 Rembrandt est retourné dans sa ville natale et a fait la connaissance d'artistes et de certains étudiants de Lastman.
Néanmoins, après mûre réflexion, Rembrandt décide de poursuivre sa carrière d'artiste dans la capitale des Pays-Bas et s'installe de nouveau à Amsterdam.

En 1634, Rembrandt épouse Saskia. Au moment de leur mariage, chacun avait une bonne fortune (Rembrandt grâce à la peinture et les parents de Saskia ont laissé un héritage impressionnant). Ce n’était donc pas un mariage de convenance. Ils s’aimaient vraiment chaleureusement et passionnément.
Dans les années 1635-1640. La femme de Rembrandt a donné naissance à trois enfants, mais ils sont tous morts nouveau-nés. En 1641, Saskia donne naissance à un fils nommé Titus. L'enfant a survécu, mais malheureusement, la mère elle-même est décédée à l'âge de 29 ans.
Après la mort de sa femme, Rembrandt il n'était pas lui-même, il ne savait que faire et trouvait du réconfort dans le dessin. C’est l’année du décès de sa femme qu’il achève le tableau « Night Watch ». Le jeune père ne pouvait pas faire face à Titus et engagea donc une nounou pour l'enfant - Gertje Dirks, qui devint sa maîtresse. Environ 2 ans se sont écoulés et la nounou de la maison a changé. Elle est devenue une jeune fille Hendrikje Stoffels. Qu'est-il arrivé à Geertje Dirks ? Elle a poursuivi Rembrandt, estimant qu'il avait violé le contrat de mariage, mais elle a perdu le litige et a été envoyée dans un foyer correctionnel, où elle a passé 5 ans. Libérée, elle décède un an plus tard.
La nouvelle nounou de Rembrandt, Hendrikje Stoffels, a donné naissance à deux enfants. Leur premier enfant, un garçon, est mort en bas âge, et leur fille Carnelia, la seule à avoir survécu à son père.
Peu de gens le savent Rembrandt avait une collection très particulière, qui comprenait des peintures d'artistes italiens, divers dessins, gravures, divers bustes et même des armes.

Déclin de la vie de Rembrandt

Les choses n'allaient pas bien pour Rembrandt. Il n'y avait pas assez d'argent, le nombre de commandes a diminué. L’artiste a donc vendu une partie de sa collection, mais cela ne l’a pas sauvé. Il était sur le point d'aller en prison, mais le tribunal lui a donné raison, il a donc été autorisé à vendre tous ses biens et à payer ses dettes. Il vécut même quelque temps dans une maison qui ne lui appartenait plus.
Pendant ce temps, Titus et sa mère ont organisé une entreprise de commerce d'objets d'art afin d'aider Rembrandt d'une manière ou d'une autre. En vérité, jusqu’à la fin de sa vie, l’artiste n’a jamais payé beaucoup, mais cela n’a pas gâché la réputation de Rembrandt: il est resté une personne digne aux yeux des gens.
La mort de Rembrandt était très triste. En 1663, la bien-aimée de l’artiste, Hendrickje, décède. Quelque temps plus tard, Rembrandt enterra son fils Titus et son épouse. En 1669, le 4 octobre, il quitta lui-même ce monde, mais laissa à jamais une marque dans le cœur de ceux qui l'aimaient.

Retour du fils prodigue, 1669. Huile sur toile, 262x206.

Peut-être qu'aucun autre tableau de Rembrandt n'inspire des sentiments aussi sublimes que ce tableau. L'intrigue est tirée du Nouveau Testament. Jésus raconte la parabole d'un fils qui reçoit sa part des biens de son père et la dilapide dans un pays lointain, vivant dans la dissolution. Lorsque, ayant rassemblé son courage, il rentre chez lui, son père lui pardonne aussitôt et l'accepte avec joie. Le sens religieux de la parabole est le suivant : peu importe la manière dont une personne pèche, la repentance sera toujours récompensée par un joyeux pardon. Ici, Rembrandt entreprit apparemment d'explorer le sens universel de la parabole. Les cheveux coupés courts sur la tête du fils prodigue et les vêtements miteux parlent d'eux-mêmes, et le col conserve une touche de luxe passé. Les chaussures étaient usées, il en laissa tomber une en s'agenouillant devant son père. Le père serre son fils contre sa poitrine, lui pardonnant. Il est caractéristique que Rembrandt évite le conflit de la parabole : elle parle de la jalousie d'un fils obéissant, même s'il se tient dans l'ombre derrière son père.

La Sainte Famille et les Anges, 1645. Huile sur toile, 117x91.
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Ce tableau, empreint d’une étonnante tendresse, confirme le don de Rembrandt de mélanger le divin et le terrestre à tel point qu’il n’est plus possible de tracer une frontière entre les deux. La Mère de Dieu interrompit sa lecture pour redresser le voile du Bébé, ou peut-être pour cacher son visage de la lumière vive, destinée à souligner sa grandeur. Pleine de tendresse, Marie se penche sur Jésus, avec un soin vraiment maternel, vérifiant une fois de plus que tout allait bien pour l'enfant. Le bébé dort profondément dans un berceau en osier, ignorant ce qui se passe autour. Joseph, le mari de Marie, travaille en menuiserie en arrière-plan. La mère, l'enfant et même le berceau sont des types purement hollandais du XVIIe siècle. Cela aurait pu être n'importe quelle famille ordinaire, sans les enfants-anges volant du ciel.

Le retour du fils prodigue. Détail, 1669.
Huile sur toile, 262x206. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

L'Enlèvement de Ganymède, 1635. Huile sur toile, 171x130.
Galerie de photos de Dresde, Dresde

Sophonibah prend la coupe de poison, 1634.
Huile sur toile, 142x152. Musée du Prado, Madrid, Espagne

La figure majestueuse de ce tableau rappelle beaucoup Saskia, même si l'histoire de Sophonibah ne convient pas tout à fait à la jeune épouse. Sophoniba, la fille du commandant carthaginois Hasdrubal, vivait à une époque où Carthage menait une guerre acharnée contre Rome. Pour consolider l'alliance avec les Numides, Hasdrubal maria sa fille au roi Syphax, mais il fut vaincu par l'allié romain Masinissa, qui voulut immédiatement prendre la reine pour épouse. Lorsque les Romains lui interdisèrent ce mariage, il épargna à Sophoniba une nouvelle humiliation en lui envoyant une coupe de poison, que la reine but sans hésiter. Rembrandt n'a peut-être pas pris cette histoire romantique au sérieux, mais le tableau représente un moment décisif et une action délibérée, comparable à certains égards à Bethsabée, plus célèbre et moins théâtrale.

Bethsabée, 1654. Huile sur toile, 142x142.
Persienne, Paris, France

Écrit alors que l’artiste était dans la fleur de l’âge créatif. De nombreux experts estiment que ce tableau est la plus grande de toutes les créations de Rembrandt. Il est généralement admis que la beauté représentée est Bethsabée, que le roi David a vue et désirée. Elle s'est donnée à lui et a conçu. Les complications qui suivirent culminèrent avec le meurtre du mari de Bethsabée, que David envoya à la mort. L'histoire n'est pas agréable et les commentateurs ont expliqué les sentiments de Bethsabée de différentes manières. Mais, comme c'est souvent le cas avec les tableaux de Rembrandt, c'est probablement une erreur d'entrer dans les subtilités de l'interprétation. Il suffit peut-être de dire que Bethsabée réfléchit tristement à son sort. La composition reproduit en grande partie le relief antique, qui représente une mariée se préparant pour son mariage. Rembrandt a peint Bethsabée nue et a donné au tableau une émotivité prononcée. Le modèle de Bethsabée était probablement l'amie de Rembrandt, Hendrikje Stoffels.

Siméon au Temple, 1669. Huile sur toile, 98x79.
Stockholm, Musée National

Bien que cette œuvre commandée ait commencé en 1661, elle est restée inachevée dans l'atelier de Rembrandt jusqu'à sa mort en 1669. Le tableau est basé sur une prophétie qui s’est réalisée. Il a été prédit à frère Siméon qu’il « ne verra pas la mort tant qu’il n’aura pas vu le Christ. Les seigneurs." Et il l'a finalement rencontré lorsque Marie et Joseph ont amené Jésus au temple. Rembrandt a déjà créé une magnifique version de commande sur ce thème (1631). Là, l'action se déroule sous les hautes arches du temple, et le travail lui-même est réalisé d'une manière détaillée caractéristique d'une période de jeunesse, de succès et de gloire. Ici, le style d'écriture libre de ces dernières années est particulièrement visible aussi parce que le travail n'est pas terminé, même si cela n'est guère significatif : tout est concentré sur le moment où le vieil homme à moitié aveugle berce le bébé emmailloté dans ses bras - une scène rempli d'une tendresse infinie.

David et Urie, 1665. Huile sur toile, 127x117.
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Ni la date exacte de la peinture ni l'intrigue de ce beau tableau empreint d'ambiance ne sont connues, ce qui a donné lieu à diverses hypothèses. Selon une version, cette œuvre est associée à « Artaxerxès, Haman et Esther ». On pense que cela représente le retrait d'Haman des affaires ou le moment où il reçoit la permission du roi d'exterminer tous les Juifs. Cet argument est étayé par la preuve que les deux tableaux représentent des scènes d'une pièce de théâtre jouée en 1659 et ne sont pas directement basés sur une source biblique. Il y a certainement ici quelque chose de théâtral, mais, hormis des incohérences dans les détails, les sujets supposés ne correspondent pas à l'ambiance de tristesse cachée qu'inspire le tableau. Il est donc légitime de revenir à l’ancienne version. Dans ce cas, le personnage en rouge est l'époux de Bethsabée séduite, Urie, que David, troublé de remords, envoie à une mort certaine.

Descente de Croix. 1634. Huile sur toile, 158x117.
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

La Descente de Croix est un sujet courant dans la peinture européenne. Selon la tradition, parmi les personnes présentes, la Mère de Dieu, plusieurs disciples de Jésus et Joseph d'Arimathie sont représentés. Dans les années 1930, Rembrandt peint plusieurs tableaux sur le thème de la Passion du Seigneur, notamment « L'élévation de la croix » et « La descente de croix » pour le stathouder des Pays-Bas, Frederik Hendrick. Les dimensions de ce tableau sont plus grandes, les tons sont plus riches. Elle fut peinte quelques mois plus tard et fut conservée par l'artiste lui-même jusqu'en 1656, date à laquelle il fit faillite. La figure brisée du Christ est inondée d'une lumière vive, la Mère de Dieu a perdu connaissance, de luxueux linceuls sont disposés sur le sol dans lesquels il reposera jusqu'à sa résurrection.

Sacrifice d'Abraham, 1635.
Huile sur toile, 193x133. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

C'est l'un des moments les plus dramatiques de l'Ancien Testament. Abraham, par ordre d'en haut, est prêt à sacrifier à Dieu son fils unique Isaac et a déjà levé un couteau sur lui, lié, pour l'égorger en holocauste. Dans le tableau, Isaac est allongé sur l’autel au sommet du bois. Dans les Saintes Écritures, l'ange du Seigneur appelle Abraham, qui a réussi l'épreuve de soumission à Dieu, et lui dit d'arrêter. Rembrandt renforce le drame de ce qui se passe : dans le tableau, l'ange saisit Abraham par la main et le couteau tombe. La scène est également plus convaincante car la grande paume d’Abraham recouvrait le visage de son fils, la tête d’Isaac était rejetée en arrière et il semblait qu’un couteau était sur le point de lui plonger dans la gorge. Une autre version de ce sujet est conservée à Munich, mais il se peut qu'elle ne soit que partiellement de Rembrandt.

La fête de Belshazzar. 1635. Huile sur toile, 168x209.
Londres galerie nationale

Les grandes toiles aux effets théâtraux étaient populaires aux Pays-Bas du vivant de Rembrandt. Le Festin de Belshazzar démontre avec quelle habileté l'artiste a traité de tels thèmes. Le roi babylonien Belshazzar est décrit dans le livre de l’Ancien Testament du prophète Daniel. Lors d'une fête bondée, il ordonna d'apporter des plats d'or et d'argent que son père Nabuchodonosor avait pris dans le sanctuaire du temple de Jérusalem. Le roi ordonna que les vases soient remplis de vin pour ses nobles, ses épouses et concubines. Lorsque ce blasphème fut accompli, une main mystérieuse apparut soudain et inscrivit d’étranges mots sur le mur : « Mene, mene, tekel, upharsin ». Daniel dit au roi qu'ils voulaient sa mort ; la prédiction s'est réalisée la nuit même. La peinture de Rembrandt explore l'étonnement et la peur, renforcées par le vin qui s'écoule des vases sacrés, qui est également symbolique. Surprenante est l’inscription réalisée en hébreu, dont la disposition particulière des lettres fait penser au voisin de Rembrandt, le juif Manassé ben Israël, avec lequel, comme on le sait, l’artiste entretenait des relations.

Susanna et les aînés, 1647. Acajou, huile, 77x93.
Musée Staatlich, Berlin, Allemagne

L'histoire de Susanna remonte aux Apocryphes, un corpus d'écrits bibliques dont l'authenticité a longtemps été remise en question. Cependant, cela n'a pas empêché les artistes - catholiques et protestants - de créer des peintures sur ce sujet, pleines de drame et de charme érotique. Alors que Susanna se rend à la piscine de son jardin, deux aînés sortent de leur cachette et commencent à la tenter au péché, la menaçant que si elle ne partage pas un lit avec eux, ils témoigneront faussement qu'elle a commis un adultère avec une autre personne. Suzanne refuse et les anciens ordonnent sa mise en garde à vue, mais l'intervention du prophète Daniel sauve la vertueuse beauté. Rembrandt a commencé ce tableau au milieu des années 30, mais il n'a été vendu qu'en 1647. Susanna, essayant en vain de cacher sa nudité, est plus en colère qu'effrayée, mais le vieil homme lui arrachant le voile étonne par la précision de son observation. Les sandales abandonnées sur le rivage semblent avoir été des symboles érotiques éloquents dans l’art hollandais du XVIIe siècle.

Saint Matthieu et l'Ange, 1661.
Huile sur toile, 96x81. Musée du Louvre, Paris

Un d'une série de portraits des apôtres peints au début des années 60. Contrairement à d'autres portraits à figure unique, derrière l'apôtre est représenté ici un ange qui a inspiré Matthieu à écrire l'Évangile. L’ange rappelle beaucoup Titus, qui aurait pu lui servir de modèle, mais l’apparence de l’apôtre n’est clairement pas celle de Rembrandt. En plus de la signification religieuse, l'image transmet à merveille le contraste entre la jeunesse et la vieillesse, même si, de par leur conception, les rôles sont opposés. Le jeune homme angélique, calme et sûr de lui, console Matthieu en posant sa main sur l’épaule du vieil homme. Saint Matthieu est plongé dans ses pensées, sa main aux veines saillantes tire sur sa barbe. Le livre n’est pas une reproduction exacte du manuscrit ancien, mais il est écrit de main de maître.

Archange quittant la famille de Tobias, 1637.
Bois, huile, 66x52. Musée du Louvre, Paris

Le Christ et la femme adultère, 1644.
Bois, huile, 84x66. Galerie nationale de Londres

Cette œuvre spectaculaire donne une impression de décoration et a peut-être été peinte à la demande d'un riche client. Le groupe central est représenté de manière parfaitement complète et détaillée, dont Rembrandt s'est progressivement éloigné dans les années 40. La décoration luxuriante rouge et or ressemble à un palais baroque, même si en réalité elle représente le Temple de Jérusalem. Les scribes et les pharisiens amenèrent à Jésus une femme surprise en adultère. Dans l’espoir d’attraper Jésus, ils demandèrent si celui-ci devait être lapidé, comme le prescrit la loi de Moïse. Jésus répondit : « Que celui d'entre vous qui est sans péché lui jette le premier la pierre. » Les accusateurs honteux sont partis et Jésus a dit à la femme d’aller et de ne plus pécher. Le tableau est construit sur des contrastes dramatiques : Jésus et ses disciples vêtus de simples robes brunes, un charmant pécheur honteux, des scribes et des pharisiens vêtus de vêtements luxueux.

Samson et Dalila, 1628. Chêne, huile, 61x50.
Musée Staatlich, Berlin

Le Christ à Emmaüs, 1648.
Huile sur toile, 42x60. Musée du Louvre, Paris

L'un des sujets favoris de Rembrandt, basé sur un épisode de l'Évangile de Luc. Après que Jésus ait été crucifié, deux de ses disciples se dirigeaient vers Emmaüs, un village près de Jérusalem. Un étranger s’est approché d’eux, a marché avec eux, a expliqué les Écritures tout au long du trajet et a partagé un repas avec eux dans la maison où ils venaient. Lorsqu'il rompit le pain et le leur donna, leurs yeux s'ouvrirent et ils reconnurent Jésus, ressuscité des morts, mais il leur devint immédiatement invisible. Dans une première version de ce tableau (vers 1629), Rembrandt dépeint de façon dramatique le moment de la révélation : la silhouette de Jésus et des disciples, comme frappés par la foudre. Ici, le naturel et l’humanité de ce qui se passe sont soulignés : seuls un faible halo au-dessus de la tête de Jésus et un regard enthousiaste tourné vers le haut indiquent sa divinité, ce que le jeune serviteur ne remarque évidemment pas.

L'Incrédulité de l'apôtre Thomas, 1634. Huile sur bois, 53x51.
Musée des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou

Saint Thomas, l'un des douze disciples du Christ, est mentionné à plusieurs reprises dans le Nouveau Testament. Rembrandt a représenté un épisode célèbre de l'Évangile de Jean. Après avoir été descendu de la croix, Jésus apparaît à ses disciples et montre ses blessures. Thomas n'était pas là, et quand les autres disciples lui racontèrent ce qu'ils avaient vu, Thomas refusa de les croire, déclarant : « À moins que je ne voie dans ses mains les marques des ongles, que je ne mette mon doigt dans les marques des ongles, et que je ne mette mon doigt dans les marques des ongles. mets ma main dans Son côté, je ne le croirai pas.» Huit jours plus tard, selon Jean, Jésus apparut de nouveau aux disciples et dit à Thomas de toucher ses blessures. Convaincu, Thomas reconnut Jésus comme le Seigneur Dieu. Rembrandt a représenté une scène nocturne : le rayonnement émanant de Jésus semble être la seule source de lumière, dont Thomas le croyant s'éloigne avec embarras.

Moïse avec les Tables des Lois, 1659.
Huile sur toile, 169x137. Musée Staatlich, Berlin

Le législateur Moïse venait de descendre du Mont Sinaï avec deux tablettes de pierre, « sur lesquelles étaient écrits du doigt de Dieu » les Dix Commandements. Il s’agit sans aucun doute d’un événement solennel, mais il est difficile de savoir s’il s’agit d’un moment de triomphe ou de colère lorsque Moïse, voyant les enfants d’Israël adorer le veau d’or, jeta les tablettes de ses mains et les brisa sous la montagne. Ce tableau a peut-être été commandé pour le chef d'une guilde et destiné à décorer la cheminée de l'hôtel de ville d'Amsterdam.

Joseph, qui exposa la femme de Potiphar, 1655. Huile sur toile, 106x98.
Galerie nationale d'art, Washington

Rembrandt Harmens van Rijn. Portrait d'un vieil homme en rouge, 1654.
Huile sur toile, 108x86. Ermitage, Saint-Pétersbourg

Portrait de Saskia en Flore, 1634. Huile sur toile, 125x101. Ermitage, Saint-Pétersbourg

Ce charmant portrait de la jeune Saskia a été peint l'année où elle épousa Rembrandt. Le visage pensif, mais sans aucun doute heureux, de la jeune fille correspond tout à fait aux sentiments de la mariée. La coiffe et le bâton entrelacés de fleurs évoquent certainement Flore, l'ancienne déesse romaine du printemps. La tenue de la déesse a été peinte avec une habileté étonnante, mais la véritable grandeur du talent de Rembrandt se révèle dans l'expression de tendresse que l'artiste a donnée à son visage. Un an plus tard, il peignit à nouveau Saskia sous le nom de Flora, également une œuvre célèbre, bien que les radiographies montrèrent qu'il avait initialement eu l'intention de la représenter comme la Judith biblique avec la tête coupée d'Holoferne tenue sur ses genoux.

Portrait d'une femme âgée, 1654. Huile sur toile, 109x84. Ermitage, Saint-Pétersbourg

Portrait de Jan Six, 1654. Huile sur toile, 112x102. Amsterdam, Collection Six

Peut-être le meilleur des portraits de Rembrandt. Il allie parfaitement précision et perspicacité. Certains détails du portrait sont soigneusement dessinés, tandis que d'autres sont indiqués avec audace comme au passage. Les boutons du caftan et les broderies dorées sur le luxueux manteau rouge sont remarquables, mais le regard s'arrête involontairement sur les mains, peintes de traits énergiques ; Six tire lentement sur le gant - combien de mouvement l'artiste y apporte ! Le visage attire également l’attention, notamment le regard égocentrique, qui ne correspond pas tout à fait à l’apparence laïque de Sixx. Le client mentionne ce portrait dans son journal : « C'était mon visage, Jan Six, qui vénérais les muses depuis mon enfance. » Six écrivait de la poésie et collectionnait des œuvres d’art, mais il était aussi un marchand riche et ingénieux. Jusqu'au milieu des années 50, Rembrandt exécuta pour lui de nombreuses commandes.

Mariée juive, 1665. Huile sur toile, 122x164. Musée Rix, Amsterdam

Le nom commun « Mariée juive » est basé sur une ancienne interprétation, aujourd’hui abandonnée, apparue au 19e siècle. On peut dire avec presque certitude que la femme n’est en aucun cas une mariée ou une juive, sauf qu’elle est représentée dans un style imaginaire, pseudo-biblique, caractéristique des peintures historiques de Rembrandt. L'artiste entretenait des relations avec la communauté juive d'Amsterdam, peignant souvent des portraits de Juifs, ce qui obligeait les chercheurs à formuler un certain nombre d'hypothèses infondées. Les versions suivantes sont maintenant populaires (il y en avait environ 12 au total) : devant nous se trouve une scène de théâtre ou un épisode de la Bible, et l'intrigue est la suivante : Isaac, vivant avec les Philistins, appelle publiquement sa femme Rébecca sa sœur et n'ose la serrer dans ses bras que dans les moments de solitude. Ce qui compte vraiment : ces deux-là sont liés par un amour profond. Le tableau est l’un des chefs-d’œuvre de la fin de la période Rembrandt, caractérisé par des tons rouges et brun doré. Les vêtements à certains endroits sont peints avec des traits rapides, les tons atteignent une saturation lumineuse, de couleur étonnamment chaude et en même temps non autosuffisante, ce qui ne fait que renforcer l'émotivité de la scène.

Ronde de nuit, 1642. Huile sur toile, 363x437. Musée Rix, Amsterdam

Ce tableau le plus célèbre de Rembrandt est connu depuis deux siècles sous le nom de « La Ronde de nuit ». L'analyse moderne des couches de peinture a révélé qu'il s'agissait à l'origine d'une scène de jour, mais que le nom était déjà devenu familier et ne pouvait être modifié. Sur la photo, la guilde des tireurs locaux apparaît sous la direction du capitaine Frans Banning Cocq (en vêtements noirs). Quelques décennies plus tôt, les tireurs de la garde constituaient une force importante de volontaires qui aidaient à défendre le pays contre la menace d'une invasion espagnole, mais dans les années 40, beaucoup de choses avaient changé : des citadins riches et respectables étaient désormais réunis dans des sociétés de tir. L’artiste a introduit un élément d’héroïsme dans la représentation, comme pour raviver l’ancien patriotisme. L'atmosphère de processions similaires avec des drapeaux agités, des tambours et des chargements de mousquets est véhiculée. « Night Watch » est un portrait de groupe payé par tous les tireurs représentés, mais Rembrandt l'a modifié : il a introduit des observateurs aléatoires qui ne lui ont rien payé ; en conséquence, le portrait s'est transformé en une scène multicolore d'une foule de rue avec des mouvements confus et un éclairage particulier. L'image est recadrée sur les côtés, notamment à gauche, ce qui perturbe quelque peu la composition

Portrait de famille, 1666-68.Huile sur toile, 126x167. Musée Ulrich Duc Anton, Brunswick

Portrait de syndics d'un atelier de confection de draps, 1662. Huile sur toile, 192x279. Musée Rix, Amsterdam

Le tableau est connu sous les noms : « Les Syndics », « Les Anciens de l'Atelier de Drap » ; les deux ne sont pas tout à fait exacts et sont associés à une institution de la guilde des drapiers conçue pour prélever des échantillons de tissus et vérifier leur qualité. Il s'agit du dernier portrait de groupe réalisé par Rembrandt. Une ambiance particulière et prononcée est obtenue par le fait que les fonctionnaires nous regardent directement de haut, et le spectateur a le sentiment qu'à tout moment il sera contre-interrogé et accusé de quelque chose. En fait, ce point de vue a probablement été approuvé par le commissaire lui-même, puisque le tableau devait être accroché au-dessus de la cheminée du bâtiment principal de la guilde, dans la même rangée que les portraits de groupe antérieurs. Traditionnellement, ils représentaient cinq fonctionnaires assis et un serviteur debout derrière. Rembrandt a relancé la composition en changeant les traditions : un fonctionnaire se lève de son siège, comme pour faire signe que la réunion est terminée.

Autoportrait avec Saskia à genoux, 1635.
Huile sur toile, 161x131. Galerie de Dresde

Un homme joyeux avec une fille sur ses genoux tient un verre à la main. Il y a une tarte avec un paon sur la table de fête. Les convives étaient assis dos aux spectateurs, maintenant ils tournaient leur visage pour boire à notre santé. Étonnamment, on sait très peu de choses avec certitude sur ces travaux. En particulier, la paternité de Rembrandt est indéniable : il semblerait qu'il l'ait gardé chez lui, ne voulant pas le vendre, peut-être parce que le tableau lui était cher. On l'appelle souvent « Autoportrait avec Saskia sur ses genoux ». Peut-être que le couple a organisé une mascarade pour s'amuser, en suivant la mode des scènes de la vie de cour, ou peut-être en glorifiant leur richesse. Il existe cependant une autre version : le tableau représenterait un fils prodigue dilapidant son héritage. Dans ce cas, en regardant la scène amusante, on peut difficilement deviner comment cette histoire va se terminer (voir la photo sur le retour du fils prodigue)

Portrait de Nicolas Van Bumbeck. 1641.
Huile sur toile, 106x84. Musée Royal des Beaux-Arts, Bruxelles

Nicholas Van Bumbeck était lui-même un artiste, mais, comme le disait tristement un de ses amis, son riche héritage a émoussé son ambition et, par conséquent, il n'a pas été à la hauteur de ses attentes. Cependant, Nicolas a patronné Rembrandt, lui a acheté le « Conflit scientifique » et a payé pour poser pour son portrait. Van Bambeck et son ami, le secrétaire du Conseil d'État Maurits Heygens, auraient commandé leurs portraits à Rembrandt à La Haye. Les amis décidèrent : si l'un d'eux décède, son portrait reviendra au survivant, et en 1641, après la mort de Bambek, le tableau revient à Hagens dans son testament. Dans le portrait, plein de gentillesse et de sympathie, de Geyn apparaît comme une personne confiante et fière. La douce lumière diffuse souligne favorablement sa silhouette et la texture du col et des manches blancs de la robe. Cependant, un autre mécène de Rembrandt, le frère de Maurits, Constantine Hagens, a écrit au moins huit vers de poésie dans lesquels il se plaignait du fait que le portrait n'avait rien de commun avec l'original.

Frederick Richel à cheval, 1663.
Huile sur toile, 282x248. Galerie nationale de Londres

Femme au bain, 1654. Huile sur bois, 62x47.
Galerie nationale, Londres

Une comparaison s'impose inévitablement avec Bethsabée, qui a été écrite à la même époque et représente presque certainement le même modèle : Hendrikje Stoffels. Les associations avec le bain font même penser à « Susanna », mais ce genre de rapprochement ne peut que signifier que Rembrandt se passionnait pour de tels thèmes et y trouvait un prétexte pour exprimer son érotisme. Bien que la femme représentée puisse ou non être considérée comme un personnage historique biblique, elle n'appartient certainement pas à la classe ordinaire, à en juger par la tenue luxueuse posée sur le rivage. Apparemment, il s'agit d'un travail de croquis. Il est écrit en traits précipités et superficiels, qui se voient même à l’image des jambes, mais surtout de la chemise. Pourtant, Rembrandt devait être fier de cette œuvre, car elle est signée et datée.

Hendrikje Stoffels à la fenêtre, 1656.
Huile sur toile, 86x65. Musée Staatlich, Berlin

Un homme âgé au chapeau de fourrure, 1630. Huile sur bois, 22x18.
Musée national tyrolien Ferdinandeum, Innsbruck

Portrait de la jeune Saskia, 1633.
Chêne, huile, 53x45. Galerie nationale de Dresde

Lecture de Titus, fils de l'artiste, 1657.
Huile sur toile, 71x64. Kunstkamera historique, Vienne

Titus, né en 1641, est le seul des enfants de Rembrandt et Saskia à ne pas mourir en bas âge. Ici, il n'a pas plus de quinze ans ; tous les portraits de son fils par Rembrandt, remplis d’amour tendre, témoignent du caractère amical et doux du garçon. Titus a joué rôle important dans la vie de l’artiste, étant l’héritier de la fortune Saskia, que Rembrandt ne contrôlait que temporairement, ainsi que l’avocat de son père. En 1660, Titus et Hendrickje créent une société dans laquelle Rembrandt est coté. Cela a été fait pour garantir que les revenus de l’artiste ne tombent pas entre les mains des créanciers. Après la mort d'Hendrickje, Titus continua de gérer les affaires de son père. En 1665, il devint majeur et si, selon la loi, il commença à gérer l'argent de Saskia, il constituait sans aucun doute le soutien financier de la famille. En février 1668, Titus se maria mais mourut sept mois plus tard à l'âge de vingt-six ans.

Portrait de Titus, fils de Rembrandt, 1657.
Huile sur toile, 69x57. Londres, Collection Wallos

Aristote avec un buste d'Homère, 1653.
Huile sur toile, 144x137. Musée métropolitain d'art de New York

Homme au casque doré, 1650.
Huile sur toile, 68x51. Musée Staatlich, Berlin

Il n'y a rien à dire sur ce militaire, cependant, la photo a toujours été populaire. Ce qui explique en partie son charme est le contraste entre le plastron poli de la cuirasse, le casque magnifiquement ouvragé (certainement un casque de cérémonie, pas de combat) et l'expression sombre et mélancolique de son visage. Ce contraste est courant dans les autoportraits de Rembrandt ; c’est peut-être pour cela qu’ils ont commencé à croire que le frère de l’artiste était représenté ici. En fait, de nombreuses autorités ont refusé d'accepter la paternité de Rembrandt ; leurs doutes ont été confirmés par des recherches menées dans le cadre du programme de recherche Rembrandt, financé par le gouvernement néerlandais. « Le Vieil homme au casque » n’est qu’une des « victimes » du Programme, qui attribuait de nombreuses œuvres aux étudiants et disciples de Rembrandt.

Suicide de Lucrèce, 1666. Huile sur toile, 105x93.
Institut des arts, Minneapolis

Le suicide de Lucrèce est mentionné dans l'ancienne légende romaine sur les raisons de la chute de la monarchie et de l'établissement de la république. Lucrèce, déshonorée par le fils de l'empereur romain Tarquin, raconte sa honte à son mari. Appelle à se venger, puis se suicide. Cette intrigue était souvent utilisée par les artistes et les écrivains. À la fin du XVIe siècle, avant de devenir célèbre au théâtre, Shakespeare écrit un long poème, Aucretia Dishonored. Rembrandt a peint deux tableaux sur ce thème. Dans le premier (1664), Lucrezia tient un couteau et se prépare à mourir. Ici, elle s'est déjà infligée une blessure mortelle, comme en témoigne la tache sanglante qui s'étend sur sa fine chemise. Elle se tient toujours debout, saisissant un instant, pour se soutenir, le ruban de la cloche - une trouvaille utile, permettant au modèle de garder longtemps sa main en position levée, mais la pâleur mortelle de son visage indique que la fin est proche.

Portrait d'Hendrikje Stopells, 1659.
Huile sur toile, 68x80. Galerie nationale de Londres

Professeur, 1631. Huile sur toile, 105x91.
Ermitage, Saint-Pétersbourg

Cavalier polonais, 1655.
Huile sur toile, 115x135. Collection Frick, New York

La figure mystérieuse et romantique du jeune cavalier a suscité plus de controverses que tout autre tableau de Rembrandt, dont la paternité controversée n'est qu'une des incertitudes qui entourent l'œuvre. Le chapeau bordé de fourrure et le caftan semblent européens de l'Est, mais il ne s'agit peut-être que d'une autre excursion dans la mascarade théâtrale. Si tel est le cas, alors l’image est liée à la Pologne non pas à cause du complot, mais peut-être seulement parce qu’elle a ensuite été acquise par les Polonais. En revanche, fait intrigant : en 1654, un pamphlet intitulé « Le Cavalier polonais » fut publié à Amsterdam pour défendre la secte radicale socinienne. Il existe de nombreuses preuves que Rembrandt sympathisait parfois avec le sectarisme. Autre mystère : un cheval représenté de manière très peu convaincante. Le problème peut être résolu en attribuant la paternité du tableau à un élève de Rembrandt, par exemple William Drost. C'est ce qu'a décidé la commission du Programme, mais ses recherches ont suscité des critiques et en 1993 le Programme a cessé de fonctionner.

Leçon d'anatomie du Dr Nicholas Tulpe, 1632.
Huile sur toile, 170x217. Maison Maurits, La Haye

Rembrandt a basé ce tableau sur une conférence donnée en janvier 1632 par le Dr Nicholas Tulpe. Bien que l'artiste n'ait déménagé que récemment à Amsterdam, il avait déjà prouvé qu'il était capable de faire un excellent travail, en peignant quelques magnifiques portraits, après quoi il fut chargé d'une « Leçon d'anatomie ». Le rôle décisif a peut-être été joué par le patronage d'Hendrik van Uylenburch, chez qui Rembrandt logeait. Eulenburch avait déjà vendu des peintures avec succès, favorisant et créant un nom pour les jeunes artistes. Rembrandt devient son dernier protégé. L'école hollandaise était célèbre pour ses portraits de groupe, et celui-ci était destiné à être un cadeau au Dr Tulp, et ses collègues espéraient apparaître sur la photo sous le jour le plus favorable. Le peintre s'est acquitté de cette tâche avec brio : il a transmis l'individualité de chacun et combiné la composition : Tulpe donne une conférence et les auditeurs regardent avec un intérêt professionnel le cadavre du criminel exécuté. Grâce à La Leçon d'Anatomie, Rembrandt est immédiatement devenu célèbre.

Portrait de Saskia dans une magnifique robe, 1642.
Huile sur toile, 100x79. Cassel, Musée Staatlich

Autoportrait de Rembrandt, 1661. Huile sur toile, 114x91.
Kenwood House, Londres, patrimoine anglais

Rembrandt avait pour règle de peindre des autoportraits, mais se représentait rarement au travail. Il s'agit essentiellement du deuxième d'une série d'autoportraits dans lesquels il apparaît avec un chevalet, des pinceaux et une meuleuse, utilisés par les peintres comme support pour les mains. La lumière en arrière-plan est une technique inhabituelle nécessaire pour que le spectateur puisse voir les lignes courbes sur le mur derrière le sujet du portrait. De nombreuses explications ont été proposées à ce sujet ; De nos jours, une version populaire est que ces lignes sont un lien avec le travail d'artistes légendaires comme Apelles et Giotto, qui ont démontré leurs compétences en dessinant une ligne ou un cercle impeccablement correct. Si cette explication est correcte, l'autoportrait affirme le droit de l'artiste à être considéré comme un véritable maître de son temps.

Autoportrait de l'artiste à son chevalet, 1660.
Huile sur toile, 111x90. Persienne, Paris, France

Autoportrait de Rembrandt, 1659. Huile sur toile, 85x66.
Galerie nationale d'art, Washington, États-Unis

Autoportrait de Rembrandt, 1669. Huile sur toile, 86x71.
Galerie nationale de Londres, Royaume-Uni

Comme l'autoportrait à l'effigie de Zeukis, celui-ci a été peint au cours de la dernière année de sa vie. Certes, cette fois, il n'y a aucune trace d'humour noir et il n'y a aucune allusion ouverte à l'approche de la mort. Dans aucun autre autoportrait, Rembrandt ne semble aussi docilement soumis au destin. Un artiste âgé vêtu d'une robe simple, joignant les mains, nous regarde, sans rien demander, sans se plaindre de rien. On ne sait jamais si la mort de Titus en septembre 1668 a précipité sa fin. Quoi qu'il en soit, treize mois plus tard, le 4 octobre 1669, il mourut à son domicile de Rosengracht, et il n'avait que 63 ans. Quatre jours plus tard, il fut enterré au cimetière d'Amsterdam à Westerkerk. La tombe de Rembrandt est perdue, mais ses œuvres perdureront pendant des siècles.

Autoportrait en Zeuxis, 1665. Huile sur toile, 83x65.
Musée Walfraf Richhartz, Cologne, Allemagne

Rembrandt s'est peint sous différents angles, sous toutes sortes de formes. Parfois il s'évaluait avec un regard sobre, remarquant les signes de la vieillesse sur son visage bleu et flasque, mais souvent il aimait apparaître dans diverses images : il se déguisait en guerrier en armure, puis en roi impressionnant, ou en Apôtre Paul. Les caractéristiques des deux styles sont visibles ici. Un vieillard frêle est représenté ; le temps a défiguré son visage jusqu'à le rendre méconnaissable, bien plus que dans l'autoportrait de la même année. Apparemment, il est sur le point de mourir. Mais n'oubliez pas qu'il s'agit aussi d'un portrait de Zeuxis, un artiste grec ancien. Comme vous le savez, il a peint une vieille femme au visage ridé, et son image l'a tellement amusé qu'il a ri sans arrêt jusqu'à sa mort. L’élément de liaison ici, bien sûr, est la mort, et si cet autoportrait est une blague, alors il est plein d’humour noir.

Autoportrait, 1629. Huile sur bois, 16x13.
Pinakothek Alta, Munich

Autoportrait, 1659. Huile sur toile, 85x66.
Washington, Galerie nationale d'art

Autoportrait. 1658. Huile sur toile, 134x104.
Collection Frick, New York

Autoportrait au béret de velours côtelé, 1634.
Huile sur toile, 58x48. Musée Staatlich, Berlin. Allemagne

En 1634, Rembrandt avait déjà peint plusieurs autoportraits, et il y en avait bien d’autres à réaliser. Aucun artiste ne s'est étudié avec autant de curiosité tout au long de sa vie, réfléchissant sur la vieillesse, l'expérience accumulée, les succès et les échecs. Ici, l'accent semble être mis sur le succès. Vêtue de velours noir et de fourrures coûteuses, la jeune artiste à la mode regarde le spectateur avec confiance. Pourtant, il ne s’agit pas ici d’une célébration de la richesse et de l’autosatisfaction. Le regard de Rembrandt tente déjà de comprendre le mystère de l'existence. L'artiste de vingt-huit ans est clairement la même personne que le maître provocant de cinquante-cinq ans, ainsi que l'homme de soixante-trois ans qui a connu des chagrins et des épreuves et est sur le point de mort (Autoportrait sous les traits de Zeucis). La parenté spirituelle des autoportraits est particulièrement impressionnante si l'on se souvient qu'ici Rembrandt n'a pas encore atteint le summum du succès et est sur le point de se marier, sans se rendre compte des épreuves qui lui sont réservées à l'avenir.