Leistungsbeispiele. Was ist Leistung? Besonderheiten der Performance als Kunstform

Sie gehen die Straße entlang und plötzlich sehen Sie zwei Skulpturen vor sich, erstarrt und scheinbar leblos. Jemand steckt eine Münze in einen Hut, der direkt auf dem Bürgersteig liegt, und die Skulpturen erwachen zum Leben. Sie führen einen Tanz oder eine Bewegung auf, die für die von ihnen dargestellten Charaktere charakteristisch ist, und erstarren dann wieder. Solange die Skulpturen da sind, ist die Performance (Performance) nicht zu Ende, sie geht weiter, sie hat sich einfach in eine statische Form verwandelt.

"Leistung? Was ist das?" - du fragst. Dies ist eine der Richtungen der modernen Kunst. Es entstand in den sechziger Jahren des letzten Jahrhunderts, als Stereotypen in allen Bereichen gebrochen wurden Menschenleben: Kunst, Politik, Soziales und zwischenmenschliche Beziehungen. Damals traten viele neue Trends in Philosophie, Kino, bildender Kunst und Musik auf. In der zeitgenössischen Kunst traten gleichzeitig Bewegungen auf, die der Richtung „Performance Art“ in Form der Präsentation ähnelten – Aktionismus, Happenings und andere. Was haben sie gemeinsam und worin unterscheiden sie sich?

Lassen Sie uns zunächst verstehen, dass eine Aufführung eine kurze künstlerische oder theatralische Aktion ist, die in stattfindet dieser Moment an einem bestimmten Ort und wird vom Künstler selbst oder einer Gruppe von Teilnehmern produziert. Der Unterschied zum Theater besteht darin, dass die Teilnehmer der Aufführung nicht die erlernten und einstudierten Rollen anderer spielen. Sie agieren im Rahmen der von ihnen dargestellten Figur oder Figurengruppe und „leben“ diese. Sie haben keine geschriebenen Rollen, aber die Handlung ist normalerweise vorhanden. Ein weiteres charakteristisches Merkmal dieser Strömung der modernen Kunst ist die zentrale Rolle der Person, die sie repräsentiert. Wenn jemand eine Frage hat: „Leistung – was ist das?“ - Wir können mit Sicherheit antworten, dass es sich in erster Linie um den Performancekünstler selbst, seinen Körper, seine Gesten, zusätzliche Attribute in Form von Kostümen, Requisiten und anderen handelt Ausdrucksmittel. Dies ist der Hauptunterschied zur bildenden Kunst, wo das Darstellungsobjekt eine Leinwand oder Skulptur ist. Darüber hinaus erfordert die Wahrnehmung und das Verständnis einer Aufführung im Gegensatz zur klassischen Kunst keine besondere intellektuelle Vorbereitung; sie ist für jeden Passanten gedacht, der zusah, überrascht war und weiterging, ohne darüber nachzudenken, wie diese Handlung einzuordnen ist, wer ihr Begründer war und was wird Konsequenzen haben.

Die engsten Verwandten dieser Art der Darstellung sind Aktionismus und Happening. Von der Performance wissen wir bereits, dass es sich um eine theatralische Aktion des Künstlers handelt, die keine bestimmten Ziele verfolgt und keine direkte Beteiligung des Publikums erfordert. Darin besteht der wesentliche Unterschied zu einem Happening, das nur unter aktiver Beteiligung der Öffentlichkeit möglich ist. Das Geschehen wird vom Künstler lediglich „in Gang gesetzt“ und was am Ende herauskommt, hängt von den teilnehmenden Zuschauern ab.

Aktionismus ist ein Trend in der modernen Kunst, der sich nicht auf die Frucht der Kreativität konzentriert, sondern auf die Kreativität selbst, auf den Prozess der Schaffung eines Kunstwerks. Ein Künstler malt in der Öffentlichkeit, ein Musiker tritt auf Musikpedale und Musik erklingt unter seinen Füßen und so weiter. Allmählich veränderte sich der Aktionismus und verschmolz mit Politik und Unverschämtheit. Heutzutage sehen wir viele Verbrechen, die als „Kunstaktionen“ bezeichnet werden. Einer der berühmtesten und resonantesten davon ist der „Streich“ der Gruppe Pussy Riot in der Christ-Erlöser-Kathedrale. Es handelte sich um eine Protestaktion, die durch Musik und Musik durchgeführt wurde bildende Kunst(Mehrfarbige Strumpfhosen auf dem Kopf verwenden Musikinstrumente, Rezitation bestimmter politischer Texte). Daher glaubten die Mädchen, dass sie eine Aktion im Sinne des Aktionismus durchführten; wir wissen, was dabei herauskam.

Die beschriebenen Strömungen (Aktionismus, Happenings, Performance) in der Kunst werden unterschiedlich wahrgenommen. Sowohl Befürworter als auch Gegner liefern überzeugende Argumente für ihre Positionen. Vielleicht wird der einzig würdige Richter in diesem Streit die Zeit sein, die alles an seinen Platz bringt. Warten wir noch ein wenig...

Kunst-, Wie moderne Richtung Kunst ist schwer wahrzunehmen. Zumindest solange es neu ist. Mittlerweile ist fast vergessen, wie heftig sie kritisierten, wie spöttisch die impressionistischen Gemälde lächerlich gemacht wurden. Das Gleiche geschah mit dem Kubismus, dem Surrealismus ... Sie müssen es nicht einmal auflisten! Jede größere Innovation in der Kunst wurde mit verächtlichem Spott und Rufen beantwortet: „Ist das Kunst?!“ So war es früher und so wird es heute von der breiten Masse wahrgenommen. Leistung.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstanden viele künstlerische Strömungen und Kunstpraktiken, auf die ich jetzt nicht im Detail eingehen möchte, sondern nur sagen, was sie meiner Meinung nach verbindet.
Sie eint eine grundlegend neue Einstellung zum Raum (ich spreche jetzt von bildender Kunst). Wenn es früher darum ging, ein einzelnes Werk in einem neutralen Raum wahrzunehmen, ist nun die Umgebung selbst, in der sich das Werk befindet, nicht mehr neutral. Der Raum, in dem oder in dem ein Land-Art-Werk platziert wird und Leistung, oder es finden Werbeaktionen statt – aktiv. Dieser Raum setzt eine völlig neue ästhetische Erfahrung voraus, die sich grundlegend von der Erfahrung der Wahrnehmung etwa eines Staffeleigemäldes unterscheidet. Diese Erfahrung orientiert sich an den alten Mysterien, in die riesige Menschenmassen einbezogen waren. Nur in diesem Fall können wir über die profane Seite dieser Mysterien sprechen, die keinen heiligen Inhalt haben. Hier sind noch andere Kräfte am Werk: natürliche Objekte, Menschen, Städte – eingebunden in ein künstlerisches Ereignis, beginnen sowohl von den Teilnehmern dieser Aktionen als auch vom Publikum auf neue Weise wahrgenommen zu werden.
Darüber hinaus wird der Begriff „Zuschauer“ sehr bedingt. Die Grenzen zwischen Kunst und Nicht-Kunst werden transparent. Und jeder Mensch wird freiwillig oder unfreiwillig zum Teilnehmer dieser Aktion.

Kunst ist provokativ. Es regt zum Nachdenken an.

Wenn ein gewöhnlicher Pariser mit seinem üblichen Schritt auf die Straße geht, in Gedanken versunken, seinen üblichen Blick auf die Pont Neuf wirft und... Er sieht etwas, das ihn dazu bringt, auf die Pont Neuf, auf Paris und auf die Architektur zu blicken und Kunst im Allgemeinen mit ganz anderen Augen...
Performance-Kunst Der bulgarische Künstler Hristo Yavashev (geb. 1935) kann zu Recht als „Umwelt“-Künstler eingestuft werden, d. h. Seine Werke stellen einen ganzheitlichen, aktiven, nicht-utilitaristischen Kunstraum dar, der von ihm (dem Künstler und einem Team aus Ingenieuren, Technikern usw.) organisiert wird.

Christo und Jean-Claude „Pont Neuf Wrapped“ (Paris, 1985)

Die umhüllte Neue Brücke schien zu verschwinden und wurde gleichzeitig deutlicher als je zuvor. Es ist unmöglich, nicht zumindest für einen Moment innezuhalten, nachdem man das gesehen hat. Vielleicht ist dieser „Stopp“ unseres eiligen Parisers der Effekt, den Christo erreichen wollte? Oft beginnt eine Begegnung mit Kunst mit Überraschung.

Und das ist „The Reichstag Wrapped“ (Berlin, 1995)

Eine meiner Meinung nach sehr interessante Richtung in der zeitgenössischen Kunst ist Land Art: Das Material sind hier natürliche Objekte kombiniert mit einem Minimum an künstlichen Elementen. Performance-Künstler Christo und seine Frau und Co-Autor Jean-Claude schufen eine Reihe von Kunstobjekten dieser Art (seit 1958 lebte Christo in Frankreich und seit 1964 in den USA). Eines der interessantesten sind die „Surrounded Islands“ in Florida. Im Golf von Biskaya „hüllte“ Christus 11 kleine Inseln in funkelnden Stoff Pinke Farbe mit Gesamtfläche 6 Millionen Quadratmeter. ft. Christo widmete dieses Werk Claude Monet.

Christo und Jean-Claude „Surrounded Islands“ (Florida, 1983)

Auch der amerikanische Künstler Walter de Maria (geb. 1935) arbeitete viel in dieser Richtung (Land Art). Eines seiner interessantesten Werke ist „The Luminous Field“. Auf einer Fläche von 1 Meile mal 1 km trieb er 400 Stahlstangen in den Boden (16 Reihen mit je 25 Stiften, 2 Zoll Durchmesser und einer durchschnittlichen Höhe von etwa 7 m), so dass die oberen Enden der Stifte lagen in einer perfekten horizontalen Ebene, unabhängig von Veränderungen im Gelände. Betrachtet man dieses Feld aus der Ferne bei Sonnenaufgang und Sonnenuntergang, sind die Stäbchen fast unsichtbar, das von ihnen reflektierte Strahlen jedoch deutlich sichtbar. Während eines Gewitters tritt auf dem „Leuchtfeld“ ein besonderer Effekt auf.

Walter De Maria „Luminous Field“ (New Mexico, 1977)

Ein in diese Richtung arbeitender Künstler dreht sich um natürlichen Umgebung in einen aktiven Kunstraum. Oftmals verbinden „Landkünstler“ ihre Arbeit mit der Idee, die Natur zu schützen Umfeld. Ich denke, es ist offensichtlich, dass dieses Ziel nicht das Hauptziel ist: Jedes utilitaristische Ziel kann per Definition nicht das Ziel der Kunst sein, wie alle beweisen Geschichte der Aufführung. Allerdings haben diese Projekte selbst eine ganze Reihe von Bedeutungen, von denen eine ein Aufruf zur Erhaltung der verschwindenden Welt sein kann – egal, ob es sich um die natürliche Welt oder die kulturelle Welt handelt.

Ein wichtiger Teil solcher Kunstprojekte ist ihre Aufzeichnung. Und hier entstehen viele Missverständnisse und Missverständnisse. Viele Menschen glauben, dass die Fotografien, die diese Kunstobjekte darstellen, ein Kunstwerk sind. Dies ist einer der häufigsten Fehler. Ja, diese Werke sind oft für die Wahrnehmung nahezu unzugänglich (sie entstehen an vom Menschen wenig erschlossenen Orten – Wüsten, Berge usw.) oder sind zeitlich lokalisiert, wie eine Aktion, ein Geschehen oder Theateraufführung, - daher wird die Dokumentation (Fotografie und Videografie) zu einem sehr wichtigen Bestandteil der Existenz dieser Werke. Aber auf keinen Fall sollten Sie Foto- und Videomaterial, das diese Werke aufzeichnet, mit ihnen selbst vermischen.
Ich weiß nicht, wie erfolgreich dieses Beispiel ist, aber meiner Meinung nach ist es so, als würde man eine Videoaufzeichnung einer Aufführung als Kunstwerk bezeichnen. Es ist klar, dass ein Kunstwerk die Aufführung selbst, ihre Aktion, Akustik, direkte Verbindung mit dem Publikum usw. ist. Und die Aufzeichnung dieser Aufführung kann darüber hinaus von ekelhafter Qualität sein. Dennoch gibt uns auch eine Aufnahme von schlechter Qualität einen Eindruck vom Kunstwerk (Aufführung). Hier ist es im Großen und Ganzen das Gleiche. Wir können nicht alle Gefühle vollständig erleben, als wären wir direkte Teilnehmer und in den ästhetischen Raum des Werkes einbezogen. Aber wir können uns ein Bild davon machen.

Und als Folge dieses häufigen Fehlers gibt es eine typische Wahrnehmung der Arbeit des amerikanischen Künstlers Spencer Tunick (geb. 1967). Er wird oft fälschlicherweise als „Fotograf“ bezeichnet (und er begann tatsächlich als normaler Fotograf), obwohl er sicherlich ein Künstler ist, der sich mit Umweltästhetik beschäftigt.
Er ist bekannt für sein kreatives Schaffen Nackter Auftritt. Seine Haupttechnik besteht darin, eine Vielzahl nackter Körper in einer bestimmten Umgebung – natürlich oder kulturell – zu platzieren.

Es ist merkwürdig, dass die überwiegende Mehrheit der an seinen Aktionen beteiligten Personen keine Nudisten sind. Diese Menschen sprachen später über das erstaunliche Gefühl der Freiheit und des Feierns, das sie während dieser Aktionen erlebten.

Wie angenehm und ruhig es ist, im Saal eines akademischen Theaters zu sitzen ...

Wie vertraut und leicht ist es, Rubens‘ Gemälde „Venus und Adonis“ wahrzunehmen, das in einem vergoldeten Rahmen in der leeren und strengen Halle des Museums hängt ...

Wie kann er es wagen?! ...Kunst ist provokativ. Wenn es Sie zum Nachdenken gebracht hat, ist das nicht schlecht.
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Diverse Proteste von Aktionskünstlern sorgen hin und wieder für große Verbreitung öffentliche Reaktion, danach vergisst jeder sie bis zur nächsten solchen Aufführung. Ein eindrucksvolles Beispiel hierfür ist der jüngste Vorfall in Lubjanka. Diese und andere für die meisten Menschen unverständliche Aufführungen sind jedoch nicht die einzigen Aufführungen, die in unserem Land aufgeführt werden. Es gibt noch andere Aktionisten in Russland, und dieser Beitrag erzählt uns von ihren denkwürdigsten Auftritten.

Bewegung E.T.I., „E.T.I. - Text"

1991, Roter Platz

Die Pioniere des sogenannten Moskauer Aktionismus, der von Anatoly Osmolovsky ins Leben gerufenen „Bewegung E.T.I.“, legen mit ihren Körpern das Wort, das mit dem Buchstaben des Gesetzes über die Moral vom 15. April 1991, das auch ein Verbot obszöner Sprache beinhaltete an öffentlichen Orten. Viele Kunstkritiker betrachten diese Aktion aufgrund der öffentlichen Resonanz, die sie hervorrief, als Ausgangspunkt des Moskauer Aktionismus.

Oleg Kulik, „Mad Dog“

1994, Jakimanka,
Marat Gelman-Galerie

Im November 1994 zeigte der Kiewer Künstler Oleg Kulik Moskau zum ersten Mal seinen berühmten Hundemann, eines der Symbole der russischen radikalen Kunst der 90er Jahre. Ein nackter Kulik sprang an einer Kette aus den Türen von Marat Guelmans Galerie auf der Jakimanka, während das andere Ende der Kette von Alexander Brenner festgehalten wurde, einem weiteren prominenten Moskauer Aktionisten. Dann zeigte Kulik seine „Hunde“-Auftritte überall: in Zürich, Stockholm, Rotterdam und New York. Dem Künstler zufolge wurde ihm klar, dass der „Hundezyklus“ erschöpft war, als er gegen Geld eingeladen wurde, in diesem Bild bei geschlossenen Veranstaltungen aufzutreten.

Alexander Brener, „Was David nicht zu Ende brachte“

1995, Lubjanka-Platz

Der Künstler Alexander Brener, der sich in den 90er Jahren mit der Beziehung zwischen Mensch und Gesetzgebung beschäftigte, überquerte am 11. Mai 1995 den Autostrom, stand mitten auf dem Lubjanka-Platz, wo einst das Denkmal für Felix Dzerzhinsky stand, und rief laut: "Hallo! Ich bin Ihr neuer kaufmännischer Leiter!“ Die zweite seiner berühmtesten Aktionen vollführte Brener einige Monate zuvor: Er ging mit Boxhandschuhen auf den Roten Platz und rief: „Jelzin! Komm raus, du abscheulicher Feigling!“ 1997 verließ der Künstler Russland für immer.

Anatoly Osmolovsky, Avdey Ter-Oganyan,
Konstantin Zvezdochetov und andere, „Barrikade“

1998, Bolschaja-Nikitskaja-Straße

Anlässlich des 30. Jahrestages der französischen Studentenrevolution blockierte eine Gruppe Moskauer Aktionisten die Bolschaja-Nikitskaja-Straße mit leeren Pappkartons und skandierte Parolen wie „Verbieten ist verboten!“, „Sie werden getäuscht!“ und „Alle Macht der Fantasie!“ Dies ist die größte Kunstveranstaltung in Moskau: Etwa 300 Personen nahmen daran teil. Die Autoren von „Barricade“ – Künstler und Freunde der Zeitschrift „Radek“ – definierten ihre Tat als Test unkonventioneller Technologien des politischen Kampfes im heutigen Russland.

Avdey Ter-Oganyan, „Junger Atheist“

1998, „Manege“

Der berühmte Auftritt von Avdey Ter-Oganyan in der Ausstellung „Art-Manege-98“: Mit einer Axt die Ikonen „Savior Not Made by Hands“, „Vladimirskaya“ zerhacken Mutter Gottes" und "Allmächtiger Erlöser". Laut Art Manege-Kuratorin Elena Romanova kontrastierte der Künstler auf diese Weise seine Sicht der Welt Orthodoxes Christentum. Auf Wunsch empörter Zuschauer wurde die Aufführung abgebrochen und gegen Ter-Oganyan ein Strafverfahren wegen „Aufstachelung zu nationalem, rassistischem oder religiösem Hass“ eröffnet, das 2010, vermutlich nach Ablauf der Verjährungsfrist, eingestellt wurde. Ter-Oganyan verließ Russland 1999.

Oleg Mavromatti, „Glaube deinen Augen nicht“

2000, Bersenevskaya-Damm

Der berühmteste Auftritt des Aktionisten Oleg Mavromatti: Im Hof ​​des Instituts für Kulturwissenschaften des Kulturministeriums der Russischen Föderation wurde er an ein Holzkreuz gefesselt, daran festgenagelt und mit den Worten „Ich bin nicht der Sohn von „Gott“ wurden mit einem Nagel in seinen Rücken geschnitzt. Diese Aktion sollte Schmerz und körperliches Leiden entsakralisieren. Auch gegen Mavromatti wurde ein Strafverfahren wegen Anstiftung zu ethnischem und religiösem Hass eröffnet; in den 2000er Jahren musste er Russland verlassen.

Gruppe „Bombily“, „Motortreffen der Andersdenkenden“

APRIL 2007, Pokrovsky Boulevard

Die Gruppe „Bombily“ wurde von Studenten und Mitarbeitern von Oleg Kuliks Studio Anton „Madman“ Nikolaev und Alexander „Superhero“ Rossikhin gegründet. Am Tag des „March of Dissent“ am 14. April 2007 fuhr eine „Sieben“ durch die Straßen Moskaus, auf deren Dach ein Mann und eine Frau Liebe machten. Damit wollten die Künstler sagen, dass die Kontrolle über die Gesellschaft der Kontrolle über die Gesellschaft ähnelt Sexualleben. Viele betrachten diese Aktion als den Beginn einer Welle neuen russischen Aktionismus.

Gruppe „Bombily“, „White Line“

MAI 2007, Krymsky Val

Im selben Jahr organisierten die „Bomben“ eine weitere bekannte Aktion – in Anlehnung an Gogols „Viy“ zeichneten sie mit Kreide einen Kreis entlang der Linie des Gartenrings. Der Kreis schloss sich am Krimtal und die Künstler selbst erklärten, sie wollten Moskau von den bösen Geistern reinigen, die das Zentrum erfüllt hatten.

Gruppe „Krieg“
„***** für den Erben des Bärenjungen“

MÄRZ 2008,
Biologisches Museum, benannt nach Timiryazev

Eine Aktion, die lange Zeit das Bild der wichtigsten Aktionistengruppe der späten 2000er Jahre prägte, unter Menschen fernab der zeitgenössischen Kunst: gleichzeitiger Sex mehrerer Paare in einem Biologiemuseum am Vortag Präsidentschaftswahlen 2008. Aktivisten zufolge war das Land in dem Moment, als Wladimir Putin ankündigte, dass sein Nachfolger, Dmitri Medwedew, zu diesem Zeitpunkt niemandem bekannt war, „wirklich am Arsch“, und sie übersetzten dies in die Sprache der modernen Kunst.

Gruppe „Krieg“
„Lenya ***** beschützt die Regierung“

2010, Kreml-Damm

Am 22. Mai 2010 sprang der Voina-Aktivist Leonid Nikolaev, besser bekannt als Lenya *** (Verrückt), in der Nähe des Bolschoi auf einen Dienstwagen des BFS mit Blaulicht Steinbrücke. Für diese Aktion wurde Nikolaev nach dem Artikel „Rowdytum“ angeklagt, der eine Höchststrafe von bis zu 15 Tagen Haft vorsieht.

Gruppe „Krieg“, „Lobzay Garbage“

2011, Kitay-Gorod und andere U-Bahn-Stationen

Aktivisten der Woina-Gruppe feierten das Inkrafttreten des Gesetzes „Über die Polizei“ am 1. März 2011 mit einer Aktion in der Moskauer U-Bahn: Nadeschda Tolokonnikowa und Jekaterina Samuzewitsch küssten Polizisten. Tolokonnikowa bemerkte später, dass Frauen nicht mehr darüber schockiert seien, dass sie geküsst würden, sondern darüber, dass Vertreter des gleichen Geschlechts es taten.

Pussy Riot, „Mutter Gottes, vertreibe Putin“

2012, Christ-Erlöser-Kathedrale

Es scheint, dass man selbst in den entlegensten Winkeln Russlands vom „Punk-Gebet“ der feministischen Punkband Pussy Riot in der Christ-Erlöser-Kathedrale gehört hat, und es besteht kein Grund, etwas darüber zu sagen. Nach der Aufführung wurden zwei ihrer Darstellerinnen – Nadeschda Tolokonnikowa und Maria Aljochina – unter dem Artikel „Rowdytum“ zu zwei Jahren Gefängnis verurteilt und im Dezember 2013 im Rahmen einer Amnestie freigelassen, zwei Monate vor dem offiziellen Ende ihrer Haftstrafe. Nadezhda Tolokonnikowa erkannte die Aktion im KhHS später wiederholt als gescheitert an.

Pjotr ​​Pawlenski, „Fixierung“

2013, Roter Platz

Die erste Moskauer und zugleich berühmteste Aktion des St. Petersburger Aktionisten Pjotr ​​Pawlenski: Der nackte Künstler nagelte seinen Hodensack an die Steinpflastersteine ​​des Roten Platzes. Pawlenski selbst erklärte später, dass die Aktion zu einer Metapher für Apathie und politische Gleichgültigkeit geworden sei Russische Gesellschaft. Viele Aktionisten der 90er Jahre lobten Pawlenskis Aktion, doch Kulturminister Wladimir Medinski empfahl allen Fans von Pawlenskis Werk, das Museum für Geschichte der Medizin und Psychiatrie zu besuchen.

Pjotr ​​Pawlenski. "Zweig"

2014, Serbsky-Institut

Gleichzeitig mit der psychologischen und psychiatrischen Untersuchung der ukrainischen Pilotin Nadeschda Sawtschenko, die den ukrainischen Konsul und Anwalt nicht sehen durfte, führte Pawlenski folgende „Trennungs“-Aktion durch: Küchenmesser schnitt ihm das Ohrläppchen ab, während er auf dem Dach des Gebäudes des Serbsky-Instituts für Psychiatrie saß. Der Zweck der Aktion bestand nach Angaben des Anwalts des Künstlers darin, die psychiatrischen Etiketten zu verurteilen, die Menschen angeheftet werden, die nicht in den Rahmen der öffentlichen Meinung passen

„Der Blaue Reiter“, „Die Exorzisten. Schändung des Mausoleums“

Januar 2015, Roter Platz

Am 20. Januar 2015 übergossen die Mitglieder der Blauen Reiter-Gruppe Oleg Basov und Evgeny Avilov das Lenin-Mausoleum mit Weihwasser und riefen „Steh auf und geh.“ Nach der Aktion wurden die Aktivisten, die den Sinn ihrer Aktion in der Säuberung moderner Köpfe vom sowjetischen Erbe sahen, zehn Tage lang verhaftet.

Katrin Nenasheva, „Hab keine Angst“

Juni 2015, Roter Platz

Eine 30-tägige Aktion der Performancekünstlerin Katrin Nenasheva zur Unterstützung inhaftierter Frauen, die ebenfalls auf dem Roten Platz endete. Nenasheva lief einen Monat lang nur in Gefängnisuniform durch Moskau, und am letzten Tag rasierte ihre Kollegin Anna Beauclair Catherine zwei Schritte vom Kreml entfernt den Kopf kahl. Bevor sie die Aufführung beenden konnten, wurden die Mädchen festgenommen und für drei Tage unter Arrest gestellt.

Pjotr ​​Pawlenski, „Die Bedrohung“

November 2015, Lubjanka-Platz

„Die Gefahr drohender Repressalien schwebt über jedem, der sich in der Reichweite externer Überwachungsgeräte, Abhörgeräte und Passkontrollgrenzen befindet. Militärgerichte schließen jegliche Äußerungen des freien Willens aus. Aber Terrorismus kann nur aufgrund des tierischen Instinkts der Angst existieren. Ein unbedingter Schutzreflex zwingt einen Menschen, diesem Instinkt zu widersprechen. Es ist ein Reflex, für den man kämpfen muss eigenes Leben. Und es lohnt sich, für das Leben zu kämpfen“, kommentierte Pjotr ​​Pawlenski die Brandstiftung an den Türen des FSB-Hauptgebäudes. Im Tagansky-Gericht in Moskau, wo am 10. November das Urteil im Fall des Künstlers verkündet wurde, forderte Pawlenski, dass er wegen Terrorismus angeklagt werden solle – wie die „Krim-Terroristen“, der Regisseur Oleg Sentsov und der Anarchist Alexander Kolchenko. Das Gericht weigerte sich jedoch, den Fall neu einzustufen und verurteilte Pawlenski zu einem Monat Untersuchungshaft.

Die scheinbar einfache Frage „Was ist Kunst?“ sorgt heute für viele Diskussionen. Nehmen wir an, bei traditioneller Kunst ist alles klar. In der Malerei sind dies beispielsweise „klassische“ Landschaften, Stillleben, Porträts, Gemälde zu mythologischen und historischen Themen usw. – alles ist erkennbar und vertraut. Aber zeitgenössische Kunst – was ist das? Und auf welche Leistungen kann eine seltene Ausstellung zeitgenössischer Kunst heute verzichten?

Merkmale moderner Kunst

Zeitgenössische oder, wie sie auch genannt wird, zeitgenössische Kunst hat so unscharfe Grenzen, dass selbst die erfahrensten Profis sie nicht definieren können. Man kann sagen, dass es sich um ein vollständiges Experiment handelt. Es gibt eine endlose Suche nach neuen Ideen, Bildern, Techniken und Ausdrucksmitteln. Die Kunst verändert sich ständig und strebt nach Neuem, bis hin zum Verlust der Materialität des schöpferischen Gegenstands.

Die Grundlage der modernen Kunst ist sehr oft ein Konzept, eine Idee als eine Form der Erkenntnis der Realität – deshalb ist Kunst heute näher an der Philosophie als je zuvor. Ein Konzept ist ein rein intellektuelles Phänomen, daher wird das Verständnis wichtiger als das emotionale Erleben des Betrachters.

In diesem Fall hat Kunst das Recht, keine konventionellen Formen anzunehmen, und alles kann zu ihr werden: eine zufällige Phrase, ein Foto, eine Zeichnung oder ein Prozess, ein Ereignis, ein Phänomen.

Wie Sie wissen, verändert sich die Welt und mit ihr auch die Kunst. Aber warum so radikal? Paul Valery, ein französischer Dichter und Kunstkritiker, erklärte zu Beginn des letzten Jahrhunderts den Wandel der modernen Kunst damit, dass sie ihre Grundlage, ihre ursprüngliche heilige Bedeutung verloren habe. Darüber hinaus glaubte Paul Valéry, dass die Situation durch die Tatsache verschärft wurde, dass in der Kunstszene die Technologie eine Stimme bekam – Maschinen, die manchmal den Willen des Menschen unterwarfen, und das Publikum selbst, das bis vor Kurzem gegenüber dem künstlerischen Prozess völlig passiv war.

Auftritt beim SKIF-2017 Festival in St. Petersburg.
Foto: Yana Barabanova

Vielleicht sollten wir hier nach den Gründen für die Entstehung der endlosen Vielfalt an Kunstformen suchen, die wir heute haben.

Neben der oben bereits erwähnten Konzeptkunst war in den 70er Jahren des letzten Jahrhunderts der Minimalismus mit seiner Liebe zur Einfachheit, Monotonie und Wiederholung beliebt, in den 80er und 90er Jahren kam es dann zu einem neuen Aufschwung des Interesses an Farbe. Visualisierung und Bildlichkeit.

Auch später basierten Bewegungen sowohl auf Bildern der Konsumgesellschaft als auch Popkultur und über technische Innovationen. Visuelle Formen der zeitgenössischen Kunst erfreuen sich nach wie vor großer Beliebtheit, unter denen die sensationelle Darbietung, eine Variante der sogenannten, hervorsticht. aktionistische Kunst (vom Wort Aktion, also Aktion).

Performance-Kunst

Was Performance ist, lässt sich ebenso schwer definieren wie die Grenzen zeitgenössischer Kunst. Es kann ganz anders sein. Vielleicht ist die einzige Konstante die Betonung nicht eines statischen künstlerischen Objekts, sondern der Aktion, also des Entstehungsprozesses eines Werkes. Dazu müssen vier Komponenten vorhanden sein (Zeit, Raum, der Künstler selbst und der Betrachter), wodurch das Werk plötzlich an Dynamik gewinnt und zum Leben erwacht.

Aufführung lässt sich am ehesten mit Theater vergleichen, Sprache sprechen bildende Kunst. Beide arbeiten mit Körperplastizität und Ausdruckskraft, es gibt jedoch einen erheblichen Unterschied zwischen ihnen. Im Gegensatz zum Theater findet die Aufführung an einem realen, nicht konventionellen Ort und zu einer konventionellen Zeit statt.

Die ersten Aufführungen fanden Mitte der 1950er Jahre statt, als D. Pollock und nach ihm J. Mathieu den kreativen Prozess, der traditionell vor neugierigen Blicken verborgen blieb, in eine öffentliche Aktion verwandelten. Ihre wahren Ursprünge müssen jedoch noch früher, zu Beginn des 20. Jahrhunderts, gesucht werden. - in den Straßenprovokationen der Futuristen, die ihre Gesichter wie Leinwände bemalen, in den Possen der Dadaisten, die Rationalismus und Logik leugnen, in den Bauhaus-Produktionen von geometrische Formen. Zu dieser Zeit hatte die Malerei bereits begonnen, aus der Leinwand hervorzubrechen, und solche Ideen halfen ihr, den Raum des Bildes zu überwinden. In den 1960er Jahren wurden Auftritte von Yves Klein, Chris Bourdain, Yoko Ono, Vito Acconci und Joseph Beuys aufgeführt.

Zu den Figuren der performativen Kunst zählen heute Marina Abramovic, Vahram Zaryan und Steven Cohen. Und in Russland sind das Oleg Kulik, Elizaveta Morozova, Andrey Kuzkin, Elena Kovylina, Stas Baretsky usw. Ja, ja, Performance als Form zeitgenössischer Kunst ist in all den Jahren nicht veraltet und erfreut sich immer noch großer Beliebtheit. Urteilen Sie selbst: 2014 stellte die Art Basel, die berühmteste Messe für zeitgenössische Kunst, dem Publikum die Werke von bis zu 14 Performance-Künstlern vor.

Heutzutage ist Performance zu einem vertrauten und manchmal notwendigen Bestandteil des Ausstellungsraums geworden, der ihn organisiert (sowohl im offenen Raum als auch in geschlossenen Innenräumen) und auch die Kommunikation zwischen Künstler und Betrachter herstellt, was in unserer Zeit besonders relevant ist.

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Eine Performance ist eine Art Aktion, eine Darbietung, bei der die Teilnehmer versuchen, dem Publikum einen bestimmten Gedanken oder eine bestimmte Idee zu vermitteln.
Das Wort „Leistung“ kommt vom französischen Verb „perfounir“ und bedeutet wörtlich übersetzt „vollständig versorgen“ und Englisches Verb„durchführen“ – „durchführen“.
Das Konzept der „Performance“ wurde erstmals in den 50er Jahren des letzten Jahrhunderts vom amerikanischen Komponisten J. Cage eingeführt; seine Performance (das Wort erschien auf dem Plakat) hieß „3,33 Minuten Stille“. Doch erst etwa 20 Jahre später kam der Begriff „Performance“ in Mode

Definitionen von Leistung

Es gibt viele davon

• Eine Form der modernen Kunst, bei der das Werk aus den Aktionen eines Künstlers oder einer Gruppe an einem bestimmten Ort und zu einer bestimmten Zeit besteht.
• Eine quasi-theatralische Aufführung, die von einem professionellen Künstler geleitet und aufgeführt wird, allein oder mit einer Handvoll Eingeweihter – angeheuerte Statisten, Kollegen, normalerweise ohne verbale Begleitung, oder sie ist im Vergleich zum visuellen Teil unbedeutend.
• Die Kunst der Aktionen von Künstlern vor Zuschauern. Sie unterscheiden sich von allen Arten der bildenden Kunst dadurch, dass es nicht auf das Ergebnis der Arbeit des Künstlers (Malerei, Skulptur, Materialkomposition) ankommt, sondern auf den Prozess dieser Arbeit, also eine bestimmte Handlung.
• Eine Form moderner Kunst, eine kurze Aufführung, die von einem oder mehreren Teilnehmern vor einem Publikum aufgeführt wird, im Voraus geplant wird und nach einem bestimmten Programm abläuft. Der Sinn der Aufführung liegt nicht in sich selbst, sondern im Raum zutiefst individueller, ästhetischer und ereignisbezogener Erfahrungen von Zeitzeugen und Teilnehmern.
• Eine der Arten moderner Kunst. Eine Aufführung, die sich auf die audiovisuelle Wahrnehmung konzentriert, eine Synthese verschiedener Richtungen: Theater, Musik, Spezialeffekte.
• Eine Art zeitgenössischer Kunst, bei der das Werk aus den Handlungen des Künstlers selbst oder einer Gruppe von Künstlern besteht. Wenn in anderen Kunstformen das Objekt ein Gemälde, eine Skulptur oder ein sich bewegendes Objekt ist, dann ist bei der Aufführung der Autor selbst das Werk.

Leistung – „Jeder entscheidet für sich“

Im Allgemeinen ist Performance ein so flexibles Konzept, dass man es als jede öffentliche Aktion bezeichnen kann, insbesondere wenn sie für den Durchschnittsmenschen unverständlich ist (der amerikanische Künstler D. Pollack breitete eine Leinwand aus, stellte sich darauf und spritzte Farbe um sich herum auf die Oberfläche). die Leinwand.
Künstler der Gruppe „Collective Actions“ nähten im Wald am Fluss eine „Kugel“-Hülle mit einem Durchmesser von 4 Metern aus buntem Chintz, füllten sie mit 500 aufgeblasenen Luftballons, steckten eine eingeschaltete elektrische Glocke mit Batterie in die „ Ball“, band ihn fest und ließ ihn den Fluss hinuntertreiben, stand da und bewunderte, wie schön der „Ball“ schwimmt. Der Künstler Oleg Kulik verkleidete sich als Hundemann und stürzte sich knurrend auf Passanten. Teilnehmer des InZhest-Studios stellten „echte Blumen“ auf dem Asphalt dar)

Auftritte von Marina Abramovic

Die in New York lebende serbische Künstlerin Marina Abramovic gilt als eine der kreativsten Erfinderinnen im Bereich Performance.
- Dann hat sie In der Galerie Studio Mona in Mailand lud sie die Zuschauer dazu ein, mit auf einem Tisch ausgelegten Gegenständen etwas mit ihrem Körper zu machen. Die Aufführung wurde in dem Moment unterbrochen, als Abramovich, bereits halbnackt (die Zuschauer-Teilnehmer schnitten ihr die Kleidung in Stücke), jemand den Lauf einer Waffe in ihren Mund steckte.
- Dann habe ich mich verbunden Ihren Mund mit dem Mund Ihres Kollegen mithilfe einer Spezialeinheit. Die Abnormalen atmeten die Ausatemluft des anderen ein, bis ihnen der Sauerstoff ausging und beide bewusstlos zu Boden fielen, ihre Lungen waren mit Kohlendioxid gefüllt.
- Dann habe ich es gewaschen ein Berg blutiger Knochen zum Gedenken an die Opfer des Jugoslawienkrieges.
- Dann tauschte sie Blick eines jeden Ausstellungsbesuchers, der von der Kamera aufgezeichnet wurde. So blickte sie fast 720 Stunden lang 1.500 Menschen in die Augen
- Fast zwei Wochen lebte in einer Art Wohnung (drei offene Plattformen), die an der Galeriewand aufgehängt waren. Während der Aufführung sprach oder aß die Heldin nichts und ließ den ganzen Tag für jedermann sichtbar. Sie konnte nicht hinuntergehen: Die Treppen hatten die Form von Messern, scharf und bereits blutig.